Siempre hace buen tiempo

¡Nada Surf en Barcelona! Sala Apolo, 19 / 2 / 2012

2012-02-22T01:15:00.004-08:00

La tarde de un domingo puede ser algo tristona, más aún en este invierno especialmente frío acuciado por los recortes y las reformas. ¿Qué puede darle la vuelta y convertirla en una alborozada celebración rezumante de buena música y buen rollo? Un directo de los Nada Surf, así es. La feliz transformación tuvo lugar ayer en la sala Apolo de Barcelona en lo que fue la última cita de su gira española antes de embarcarse por esta Europa que tantos disgustos nos está causando últimamente. Pero qué lejos queda la Merkel, la Soraya, y todos sus deprimentes secuaces, cuando Matthew Caws, Daniel Lorca y Ira Eliot ─acompañados, tal y como ya hicieron el año pasado, de Doug Gillard de Guided my voices y Martin Wenk de Calexico─ irrumpen en el escenario y, entre guitarrazos y estribillos contagiosos, nos hacen sentir jóvenes e invencibles de nuevo.

Como siempre, suenan más cañeros bajo los focos aunque, de todos modos, su último disco The Stars are indifferent to astronomy irradia ya de por sí un sentimiento muy de directo, con temas inmediatos y fáciles de hacerse querer como Clear eye clouded mind o Waiting for something, con las que se estrenan. Pero son los acordes de Happy Kid los que arrancan las primeras taquicardias de mi corazón resacoso, con su calidez pero también con el regusto algo amargo que se esconde bajo esa sencilla y hermosa carta de presentación: "I’m just a happy kid, stuck wih the heart of a sad punk…”

Intercaladas con los simpáticos comentarios de Caws y de Lorca ─el carismático bajista de las rastas cosecha nacional─ las nuevas canciones se combinan con otros sencillos de su discografía anterior. Casi 20 años en la carretera dan para mucho y a pesar de la gran cantidad de temazos que suenan en el Apolo ─Weightless, 80 windows (deliciosamente aderezada con la trompeta de Wenk), Hi-Speed Soul…─ es inevitable que otros queden fuera. Echo especialmente de menos las geniales versiones de Bill Fox y de Depeche Mode de su penúltimo disco If I had a hi-fi, que tiene tan sólo representación en manos de Evolución de Mercromina.

Martin Wenk

Estas pequeñas ausencias quedan compensadas con creces al sonar la maravillosa See These Bones: con su delicado inicio que te coge suavemente de la mano, su puente in crescendo que te la aprieta con gradual firmeza y su glorioso canon final que te arranca directamente a correr por esa ciudad salpicada de luces nocturnas de las que habla la canción. Always love aúna las voces de la audiencia en un solo canto exaltado y, ya en el segundo bis, la mordaz Popular y la siempre festiva Blankest year se encargan de cerrar el concierto por todo lo alto.

Una fantástica velada de pop sin pretensiones en cuya sencillez y honestidad radica su fuerza. Si la fórmula funciona, no la cambies, y la de Nada Surf, con sus melodías mágicas, su puesta en escena cercana y su capacidad de despertar canturreos cómplices y sentimientos a flor de piel, funciona. Vaya si funciona.

Fotos concierto: Karina Díaz

Crónica publicada en Binaural

http://www.binaural.es/cronica-concierto/nada-surf-barcelona-sala-apolo-19-febrero-2012/

¡The Pains of Being Pure at Heart en Barcelona! Razzmatazz 2, 13/01/2012

2012-01-17T04:05:00.001-08:00

Barcelona era la última parada de la gira española de The Pains of Being Pure at Heart, que llevaban desde principios de año rodando por nuestras fronteras.

El Razzmatazz 2 acogió su despedida el pasado viernes en forma de un concierto corto pero intenso. Tocaron apenas una hora y por mucho que flotara en el aire, tras sus últimos acordes, cierta sensación de adiós rápido y precipitado, injusto sería no reconocer que, aunque escasa, fue una hora bien aprovechada. Los hits se sucedieron sin tregua uno tras otro, predominando entre ellos los incluidos en aquel primer disco que los descubrió al mundo allá por el 2009.

Temazos como This love is fuckin right, Everything with you, Young adult friction o las nuevas Belong o Heaven’s gonna happen now son más que suficientes para caldear el ambiente, incluso con una puesta en escena algo distante como la suya. Y es que el cuarteto neoyorquino (convertido en quinteto en esta gira, en la que contaban también con el guitarrista Connor Hanwick de The Drums) no es la alegría de la huerta, eso hay que reconocerlo, y a ratos puede echarse de menos el espíritu acalorado que se esperaría tendría que acompañar melodías tan llenas de fuerza y sentimiento como las suyas.

Las retraídas sonrisas del cantante y guitarrista Kip Berman y los bailoteos de la despeluchada teclista Peggy Wang (cuyos coros, desafortunadamente, no lograron hacerse escuchar en todo el concierto), son las únicas concesiones que se permiten los de Brooklyn, revestidos, los miembros restantes, de cierta rigidez almidonada que uno no sabe si achacar a su timidez o a su apatía.

Las canciones, sin embargo, siguen sonando cálidas e irresistibles, impregnando cada rincón con su bullicio de guitarras y cielos de primavera, abrigando nuestras almas con esa dulce nostalgia guerrera marca de la casa y recordándonos, al fin y al cabo, que lo que importan son las buenas melodías y que, de eso, andan sobrados.

Fotos concierto: Ales

Crónica publicada en Binaural

http://www.binaural.es/cronica-concierto/the-pains-of-being-pure-at-heart-en-barcelona-13-1-2012-razzmatazz-2/

EL DÍA DE MAÑANA (IGNACIO MARTÍNEZ DE PISÓN)

2011-11-21T11:50:00.000-08:00

La última novela de Ignacio Martínez de Pisón transcurre en Barcelona en la época de los últimos años del franquismo y la primera transición y narra la vida de Justo Gil Tello, un inmigrante aragonés que, como tantos otros de su generación, llega a tierras catalanas con grandes ambiciones y esperanzas de un futuro mejor bajo el brazo. Poco a poco y a medida que avanza la narración ─una muy original narración, trazada a partir de recuerdos de terceras personas que conocieron al protagonista, que en ningún momento toma el relevo ni aparece, en realidad, más que en boca de otros─ el lector presencia consternado cómo el joven carismático y enamoradizo que se nos introduce al principio de la novela va corrompiéndose progresivamente hasta desembocar en un personaje resentido y despreciable.

Mientras esta compleja y contradictoria personalidad suya va desvelándose, va haciéndolo también la de los personajes secundarios que narran su versión de la historia, al tiempo que se reflejan las inquietudes sociales y los acontecimientos históricos que marcaron la época. Polícias y pseudo-intelectuales, periodistas chaqueteros, grupos terroristas de extrema derecha, freaks en toda regla, niños de papá que juegan a ser comunistas, universitarios, empresarios y gentes humildes, todos ellos cobran vida más allá de sus palabras y, a través de sus expresiones y sus formas de actuar, acaban convirtiéndose en personas tan reales y cercanas como lo son para mí las calles de Barcelona que acogen sus andanzas.

¿Cómo se las arregla Martínez de Pisón para que les cojamos cierto cariño a un miembro de la Brigada Social o a un chivato de la policía que traiciona a sus amigos y se vende al mejor postor? Es incomprensible, pero lo logra. Ayuda, sin duda, que su manera de escribir sea tan natural y ágil y, al mismo tiempo, tan reveladora, tan gráfica: cada uno de los testimonios, a su manera, rezuma espontaneidad y refleja actitudes y situaciones con las que todos podemos identificarnos. Hay buenas historias que uno contempla y aplaude desde la distancia, y hay otras que te absorben por completo y pasan de pronto a protagonizar tus conversaciones a la hora de comer y tus pensamientos nocturnos de antes de caer dormido. No estoy muy segura de qué es lo que hace que una novela sea de ese segundo tipo, pero es posible que tenga importancia la empatía que la historia logra despertar en el lector. A mi personalmente, cosas tan sencillas como contemplar caer la nieve a través de la ventana y sentirse de repente feliz e invencible, o perseguir a un amor irracional e imposible en la oscuridad de la calle Tallers esquina con Jovellanos, me llegan al corazón. Es probable que aquí, sacadas de contexto, no tengan mucho sentido, pero estoy segura de que todo el que haya leído el libro entenderá a lo que me refiero. Al que todavía no lo ha hecho, le recomiendo encarecidamente que no se lo pierda.

¡ENTREVISTA A CJ Y MATTS DE MANDO DIAO!

2011-10-03T01:15:00.000-07:00

Hace ya más de seis años que Mando Diao se estrenaron en Barcelona y cautivaron a los pocos privilegiados que pudimos presenciar su corto aunque intenso directo en la sala Bikini. Por entonces eran tan sólo cinco tipos guapos, desconocidos en nuestras orillas, que vestían chaquetas de cuero y hacían rock’n’roll. Nada nuevo bajo el sol, supongo. O sí. Porque aquellos dos discos que traían consigo ─“Bring them in” (2003) y “Hurricane Bar” (2005)─ eran, sencillamente, lo mejor que había escuchado en mucho tiempo. Lo tenían todo: el guitarreo efervescente que te envuelve y se te engancha como una segunda piel, la adrenalina desbordante del punk, el nervio espontáneo de un grupo de garaje, el sudor y el espíritu, pero también los estribillos perfectos, las armonías sesenteras, los coros que te abrazan y te alegran el día. De inmediato se convirtieron en mi nuevo grupo favorito y pusieron la banda sonora a mis años universitarios. Con su “Ode to ochrasy” (2006), los suecos siguieron dando caña, rezumando juventud y euforia rockera pero también, a ratos, rebozando sus canciones con la dulce nostalgia del que tiene suficiente edad para, en un momento de descuido, mirar atrás y perderse en un recuerdo somnoliento. Reaparecieron al galope, muy poco después, y con su “Never seen the Light of day” (2007) se quedaron con nosotros al presentarnos un puñado de irresistibles melodías revestidas de dejes countries y evocaciones ─algo surrealistas─ de viejas película del oeste. Pero fue con su “Give me fire” (2009) que se vieron catapultados al estrellato, aquel que, de hecho, tendría que haber llegado mucho antes. Se metieron en el estudio con unos raperos y le enseñaron al mundo que el rock puede bailarse y ponerse del derecho y del revés, y que un disco muy producido, si se hace bien, puede tener tanta alma como una harmónica rompiendo en la noche a orillas del Missisipi.

Habían vuelto a la ciudad condal en numerosas ocasiones pero esta última lo hicieron por la puerta grande, encabezando el cartel del BAM. Antes de regalarnos el concierto impecable que acogió la lluviosa e inolvidable noche del sábado, tuve la oportunidad de entrevistar a Carl-Johan Fogelklou y a Mats Björke, bajista y teclista de Mando Diao. Sabía que quería hablarles de aquel primer concierto, de su colaboración con Ray Davies, del MTV Unplugged que nos hizo redescubrir su grandeza en el Low Cost Festival hace apenas unos meses. Lo que no sabía era que acabaría hablando de Mocedades o del festival de Eurovisión….

Matts Björke

¿Os acordáis de la primera vez que tocasteis en Barcelona?

MATTS- Sí, creo que sí. Recuerdo que había un partido aquella noche y que no había mucha gente ya que estaban viendo el fútbol. Comprensible.

Fue en Bikini, una sala bastante pequeña. Ahora, seis años después, sois cabezas de cartel de un festival gratuito al que vendrá muchísima gente. ¿Cuál de estos dos escenarios os parece más atractivo?

CJ- Es difícil de decir porque tampoco sabemos muy bien qué esperar de esta noche. Hemos tocado otras veces en Barcelona, en el Apolo y siempre ha sido genial. Intentamos que cada concierto sea el mejor y tendemos a no mirar atrás. Por supuesto que en el pasado ha habido conciertos más especiales que otros, pero en general intentamos hacer de cada noche algo memorable… como unos verdaderos Casanovas (risas).

En el Low Cost festival tuvimos la oportunidad de veros en formato unplugged con una escenografía muy cuidada y muchos músicos en el escenario. ¿Podemos esperar algo parecido esta noche?

M- Sí, podéis. Traeremos a la misma gente esta noche e intentaremos que el concierto sea aún todavía más bonito. Se crea un sentimiento muy especial al estar tantos en un escenario.

¿Cómo surgió la idea del MTV Unplugged?

CJ- Los fans alemanes llevaban mucho tiempo pidiéndole a la MTV que nos tuvieran en una de sus sesiones unplugged y cuando nos lo ofrecieron nosotros dijimos, venga vale, sí, hagámoslo.

Carl- Johan Fogelklou (Cj)

¿Habíais pensado antes en grabar un disco en directo?

M- La verdad es que no. Siempre tenemos nuevas canciones bajo la manga y pensábamos ¿para qué vamos a grabar lo que estamos haciendo en la gira? Es mucho más divertido grabar nuevas canciones. Pero cuando esta idea surgió, nos pusimos a trabajar en ello y convertimos las canciones en algo nuevo, algo diferente, el proyecto se convirtió entonces en algo atractivo e interesante.

CJ- Es algo que no habíamos pensado pero es parte del concepto del MTV Unplugged. Tienes que grabar el disco, no puedes escoger no hacerlo. Viene todo junto.

Habéis tenido muchas colaboraciones interesantes en este disco como Ray Davies o Juliette Lewis, ¿Cómo surgieron? ¿Teníais una lista de gente con la que queríais trabajar o surgieron de forma espontánea?

CJ- La discográfica les llamó y algunos de ellos dijeron que sí.

¿Los escogisteis vosotros entonces?

CJ- No me acuerdo exactamente de quién los escogió, pero no hubo ninguna discusión entre nosotros para hacer la selección, sencillamente pensamos que sería divertido tocar con esta gente.

¿Cómo fue conocer a Ray Davies y grabar Victoria con él?

CJ- La verdad es que fue un poco extraño, se comportó un poco como una diva. Llegó cinco minutos antes del show y luego se marchó… no tuvimos oportunidad de hablar con él… en realidad ni siquiera le conocimos, únicamente se limitó a acompañarnos en el escenario.

M- Fue muy educado, eso sí.

CJ- Sí, fue educado. Como un tío mayor inglés.

Si pudierais escoger poder colaborar con algún músico, vivo o muerto, ¿con quién sería?

CJ- Me encantaría conocer a Quincy Jones.

M- Sí, eso sería interesante.

CJ- Matts y yo estamos también metidos en producción así que a lo mejor, más que tocar juntos como un grupo, sería genial que nos diera unas buenas lecciones en el estudio o algo así.

¿Cual es vuestro álbum favorito de Mando Diao?

M- El próximo

CJ- Todavía no lo hemos sacado.

¿Pero si tuvierais que quedaros con uno de los que ya habéis hecho?

CJ- No se, es difícil… para mi yo creo que sería “Give me fire”.

M- Sí, para mi también. Fue un proceso largo y extraño pero finalmente acabó siendo mucho más grande de lo que habíamos pensado.

CJ- “Never seen the light of day” tambien me gusta mucho, esos dos son probablemente mis dos discos favoritos. Creo que se ajustan más a mis gustos musicales que los anteriores.

Vuestro último disco de estudio, “Give me Fire”, sonaba bastante distinto de los anteriores: mezclaba diferentes estilos y contaba con muchos arreglos de producción. ¿Qué os hizo tomar esta nueva dirección?

CJ- Creo que estamos demasiado metidos en música para hacer lo mismo una y otra vez. Si hubiéramos hecho eso probablemente ya no existiríamos. Tenemos la necesidad de movernos, cambiar, hacer nuevas cosas, probar nuevos sonidos, implicarnos en el proceso de producción y estar en control de nuestro producto… a veces de una manera malsana incluso (risas). No nos podemos quedar parados en el mismo sitio. Tenemos que movernos y supongo que a la gente no les queda más remedio que seguirnos.

Y lo están haciendo

CJ- Sí, eso parece.

¿Y tenéis planes de sacar un nuevo disco pronto?

M- Probablemente… vamos a ver qué pasa.

CJ- Siempre hay un plan… No os dejaremos con las manos vacías… por decirlo de alguna manera.

¿Qué música estáis escuchando actualmente?

M- Yo estoy escuchando mucho a un grupo que estoy produciendo. Se llaman Caviare Days y hacen una especie de indie rock psicodélico… Y no sé, también estamos trabajando mucho con cosas nuestras, así que escuchamos un montón de música pero nada concreto en un momento dado.

CJ- Estoy pensando en el último disco que me compré… pero ahora mismo no me acuerdo.

M- Yo me compré uno de Aphrodite’s Child y uno de Michael Polnarev el otro día… Es un cantante y compositor francés… un verdadero artista, muy bueno.

¿Y os ha pasado alguna vez que cuando estáis todo el día trabajando con música, llegáis a casa y ya no os apetece escuchar más?

M- Sí, a veces pasa, va por épocas.

CJ- Sí, a veces pasa, aunque siempre se puede encontrar alguna buena canción… “Eres tú”, de Mocedades, por ejemplo… Albert Hammond también es bastante agradable de poner a veces. Tengo un disco suyo llamado “My Spanish album”, que es un álbum en español en el que canta clásicos españoles…

¿Te gustan Mocedades? Qué bueno, a mi me encantan. ¿Cómo es que los conoces?

CJ- Porque tocaron en Eurovisión y a mi madre le encantaba esa canción. De hecho creo que es probablemente una de las mejores canciones de Eurovisión que he escuchado nunca… esa y Celine Dion en el 88, esa era muy buena también. Se presentó por Suiza y ganó…

Mocedades interpretando "Eres tú", en el 73. ¡Temazo!

Esa no la conozco, ¿cómo se llamaba?

CJ- Era una canción en francés con un título bastante largo… no me acuerdo del nombre exacto pero era en el 88, eso seguro, y ganó el concurso…

Veo que dominas del festival de Eurovisión…

CJ- Sí, me encantaba cuando era un niño. Tuvimos gente muy buena que se presentó por Suecia. Como Abba, por supuesto, y antes de Abba fue un grupo que se llamaba Malta, que tenían una canción genial. Hablaba sobre las tetas de una chica… pero era buenísima. La canción decía: “Tus pechos son como…” como el nombre de un pájaro… no me acuerdo del nombre del pájaro ahora…

M-Golondrinas…

CJ- Exacto, golondrinas. Una canción fantástica.

Vale, ya investigaré…

CJ- Sí, y luego tuvimos también a ese tío, Kenta, que fue en 1980 y no ganó, pero que estaba muy bien también. Y luego esa chica francesa en el 68 que cantaba esa canción… (se pone a tatarear la siguiente canción http://www.youtube.com/watch?v=-d2mnuhJahU )

M- Sí, France Gall

CJ- No lo sé, es una chica, eso seguro.

Sí, France Gall, creo. Muy buena esa canción también.

CJ- Y también la canción de Suecia en el 68… (empieza a tatarear esta canción http://www.youtube.com/watch?v=TjOk9rdMcNw)

Esta no la conozco. España siempre trae canciones muy malas a Eurovisión…

M- ¿Hoy en día?

Sí, hoy en día quiero decir. Atrás quedaron los tiempos de Mocedades…

M- No lo he visto en 10 años así que le he perdido bastante la pista…

Bueno, esta pregunta a lo mejor no os gusta. No contestéis si no queréis pero estoy segura que mucha gente se estará preguntando ¿qué ha pasado con Samuel?

CJ- Dejó el grupo.

¿No quería seguir en Mando Diao?

CJ- Bueno… tuvimos unas cuantas discusiones y movidas… fue un periodo bastante triste en la historia de Mando Diao. Teníamos que continuar avanzando y él no estaba en el mismo nivel. Un grupo es como una relación, a veces llega un momento en el que deja de funcionar y eso fue lo que sucedió en este caso.

Os quería preguntar también sobre una de mis canciones favoritas, “The Band”. Nunca he entendido la letra, en especial, nunca he entendido la relación entre la letra y el título de la canción, ¿me lo podríais explicar?

CJ- Es una canción de ruptura

M- Sí, de cuando Gustaf dejó el grupo

CJ- Sí, Gustaf dejó el grupo y Bjorn escribió una canción acerca de ello. La letra original del principio de la canción la cambiamos porque a nuestro productor no le gustaba aquel trozo así que lo quitamos y mantuvimos el estribillo. El principio antiguo decía algo así como “I took the band like a family and all the things we’ve done with our voices ...” y luego ya iba al estribillo de ahora: “it took you down an ozo”.

M- Si encuentras el demo en youtube es mucho más fácil entender el concepto original de la canción.

Vale, ya la buscaré. Pensaba que era una canción de ruptura de una pareja, pero el título me desconcertaba…

M- Bueno, lo es, en cierto modo. Gustaf dejó el grupo y Bjorn quería que volviera…

CJ- Hace mucho tiempo… más de 10 años.

¿Alguna vez os imaginasteis cuando erais adolescentes y empezasteis a tocar música que llegaríais a este punto? ¿Habéis cumplido vuestros sueños?

CJ- Yo puedo decir que sí he cumplido mi sueño, absolutamente. De pequeño tenía una raqueta de tenis, una lámpara y un espejo y practicaba mis poses cada día, cantaba canciones de los Beatles y soñaba con estar en esta situación… y ahora aquí estamos. Ahora ya no pensamos mucho en ello, estamos un poco malcriados en ese sentido, lo damos por hecho. Tal vez sea una manera de protegernos a nosotros mismos porque si estuviéramos todo el día pensando en lo genial y maravilloso que esto es probablemente acabaríamos con alguna disfunción psicológica o algo…

M- A lo mejor ya la tenemos. (risas)

¿Todavía os ponéis nerviosos antes de salir al escenario?

CJ- Sí, por supuesto, Pero son nervios buenos, adrenalina, el tipo de nervios que deben tener los deportistas o algo así.

M- Es como un chute de entusiasmo por hacer algo bien y encontrar el momento perfecto.

CJ- Ahora ya no hay tantos conciertos que sean tan decisivos para nosotros. No es como cuando estábamos empezando y teníamos que tocar en festivales en los que había gente importante entre la audiencia… entonces estábamos muertos de nervios. Después de haber tocado tantas veces ya no te pones nervioso de esa manera. No es tan esencial que hagas un buen trabajo y puedes concentrarte en hacer un buen trabajo en vez de preocuparte por hacer un buen trabajo. Cuando hicimos el MTV Unplugged teníamos una sola oportunidad de hacerlo bien así que en esa ocasión sí tuvimos aquellos viejos nervios una vez más. O cuando fuimos al show de Conan O’Brien, estámos muertos de nervios porque aquella noche estábamos llegando a mucha gente y estábamos conociendo a un tipo famoso que habíamos visto en televisión mil veces… Pero para el concierto de esta noche no estoy nervioso porque lo único importante que tenemos que hacer es lo que sabemos hacer, tocar e intentar que la gente se lo pase lo mejor posible. Más que nervios es un chute de adrenalina que es beneficiosa para la actuación.

¿Así que a lo mejor ahora disfrutáis más de los conciertos que antes cuando de verdad os poníais nerviosos?

M- Sí, sí, completamente. Y eso hace que nuestros conciertos sean mejores, porque cuanto más disfrutamos nosotros, más disfruta la gente.

Ahora que tenéis tantos discos supongo que cada vez es más difícil escoger qué repertorio tocar en directo. Aparte de los singles del último disco, ¿Cómo decidís las canciones que vais a tocar?

CJ- Gustaf es muy bueno en eso así que realmente no tenemos que preocuparnos por escogerlas. Yo no podría hacerlo mejor.

M- Sí, es él quien decide, es bueno haciendo setlists.

Una curiosidad final: me he dado cuenta de que en la canción “No more tears” del "Above and Beyond" (Mtv unplugged) tú (Matts) apareces tocando la guitarra mientras que Gustaf toca el piano, ¿cómo es eso?

M- En el momento surgió de manera natural, él toca muy bien el piano y yo toco decentemente la guitarra así que decidimos añadirle algo diferente al show. Pero en directo sí que tocaré el piano. En realidad tampoco importa mucho quién toca qué mientras funcione para la canción y nos lo haga pasar bien.

Entrevista publicada en Binaural

http://www.binaural.es/entrevista/mando-diao-cj-mats-otono-2011/

UN CAFÉ DE CINE

2011-08-30T08:19:00.000-07:00

Un ruido me llamó la atención. Me volví y comprobé horrorizado cómo un avión se acercaba hacia mí con alarmante velocidad. Me puse a correr por el campo hasta que sentí la amenaza tan cerca que tuve que lanzarme al suelo. Pasó rozando mi cabeza pero por fortuna no llegó a lastimarme. ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, me pregunté mientras me apresuraba a entrar en el primer sitio que encontré.

Resultó ser un café cuyo dueño parecía perdido en algún atormentado pensamiento y tan sólo hablaba para pedirle canciones al pianista del local. En aquel momento, un joven con un monopatín y un hombre despeinado y vestido con una bata blanca se sentaron en la mesa de al lado y se enzarzaron en una curiosa conversación sobre gigawatios, tormentas eléctricas y viajes en el tiempo. Justo entonces se puso a llover y entró más gente en el bar: una pareja de universitarios que se sentaron en la barra y dos hombres de aspecto ciertamente excéntrico que parecían estar discutiendo sobre unos documentos. Uno lucía un espeso bigote y sujetaba un humeante puro, el otro tenía una expresión bobalicona y llevaba sobre la cabeza un anticuado bombín.

Me dije que debían de ser abogados, ya que utilizaban enrevesadas frases sobre partes contratantes y partes contratadas y sin embargo, tenían una curiosa forma de negociar que me pareció poco profesional: en vez de llegar a acuerdos se limitaban a ir arrancando trozos de sus impresos. Todo aquello me resultaba curiosamente familiar y sin embargo no acertaba a recordar el porqué.

Me dirigí hacia la barra con la esperanza de que me atendieran y esperé junto a los dos universitarios. Su apariencia era de lo más dispar: la chica parecía educada y formal mientras que él era un freak desaliñado con greñas grasientas. Me sorprendió un poco su macabra charla: hablaban acerca de gentes a las que se les torturaba y asesinaba mientras se les grababa en vídeo.

“¡Rick!”, escuché entonces que le decía el joven del monopatín al dueño del bar “¡Deja a Sam en paz y sírvenos algo, anda!”. Éste profirió una media sonrisa, sacó una botella de champagne y empezó a servirnos copas. Luego, propuso un brindis: “Por nosotros. Por los que contamos historias y por los que desde el otro lado disfrutan escuchándonos. ¡Por el cine, por los sueños!”. Todos aplaudieron con entusiasmo y entonces recordé quién era: el resultado de una ilusión y el responsable del nacimiento de muchas otras, alguien que no existía y que sin embargo, existiría para siempre.

Dejé perder la mirada a través de la ventana y distinguí entre la niebla a un hombre muy elegante que bailaba y cantaba bajo la lluvia con una radiante expresión de felicidad inmortalizada en su rostro. Sonreí. “Por el cine, por los sueños” me repetí para mis adentros antes de vaciar el contenido de mi copa.

Relato publicado en Culturamas

http://www.culturamas.es/blog/2011/08/25/un-cafe-de-cine-de-elisenda-hernandez-janes/

BESOS QUE NO SIGNIFICAN NADA

2011-08-22T04:22:00.000-07:00

"Aquel beso no significó nada en absoluto”, me dijo. “Fue un beso absurdo, regalado por equivocación en la realidad distorsionada y confusa de una noche de alcohol. Fue una mentira más que un beso ya que sirvió para ocultar la verdad que consumía mi corazón embriagado y triste: que me hago mayor, que se me cae el pelo y cada día estoy más gordo mientras que tú sigues espléndida. Fue un ridículo intento de acallar mis complejos, de engañarme a mí mismo. De olvidar el miedo que me da el hecho de que mi felicidad dependa exclusivamente de los sentimientos de una sola persona, los tuyos, que como los de todos, son volubles, impredecibles e injustos. De maquillar una aterradora realidad: que dependo de ti en absolutamente todos los sentidos. Fue por eso que me emborraché y besé a esa desconocida y luego la volví a besar y acabé en su apartamento. Una estupidez, un engaño, la decisión equivocada de un borracho inseguro y enamorado. Aquel beso no significó nada en absoluto”, me dijo.

Y tal vez estuviera diciéndome la verdad. De hecho, es muy probable que así fuera. En ese caso, ojalá nunca hubiera sabido de la existencia de aquel beso. Porque pudo no haber significado nada, pero despedazó cinco años de feliz relación y me separó del único hombre con el que he querido compartir mi vida. Y desde entonces, los inviernos son más fríos, los veranos menos cálidos y las primaveras carecen de poesía, porque mi corazón se niega a depender en exclusiva de los volubles sentimientos de una sola persona.

¡LOW COST FESTIVAL! Benidorm, 21/ 22/ 23 de Julio 2011

2011-07-28T04:08:00.001-07:00

El jueves, viernes y sábado de la semana pasada tuvo lugar en la ciudad alicantina de Benidorm la segunda edición del Low Cost Festival. Este año ha acogido a más de 50 artistas y 50.000 asistentes y se ha consolidado definitivamente como una muy interesante alternativa para los festivaleros comodones que, como yo, quieren una cama en vez de una tienda de campaña tras una intensa jornada de conciertos. Durante tres días, ese surrealista emplazamiento que es Benidorm -con sus rascacielos aberrantes, sus pubs hamburgueseros y sus guiris enrojecidos- se convirtió al indie y nos hizo disfrutar de una muy buena y diversa selección de actuaciones.

The Pains of being pure at heart

El jueves nos estrenamos con Stay, britpop con tintes psicodélicos procedente de Barcelona, una buena manera de calentar motores. The pains of being pure at heart nos reciben luego, desgranando los mejores temas de sus dos discos y envolviendo con su guitarreo distorsionado ese característico deje nostálgico que encierra sus canciones y que convierte sus melodías en piezas delicadas y estridentes a partes iguales.

Lori Meyers

Temazos como Young Adult Friction, Come Saturday o This love is fucking right hacen las delicias del escenario Azul, pero es con los granadinos Lori Meyers, unos minutos después, que el público se entrega por completo y tienen lugar los primeros saltos de la noche. Tras el S.O.S y el D Code, Noni y los suyos lo hacen una vez más: se apropian de la noche festivalera y hacen que la multitud bailonga pierda la voz coreando los pegadizos estribillos de Alta fidelidad, Luces de neón, Mi realidad, Luciérnagas y mariposas, o tantas otras. 

Fangoria llegan después, con su magnetismo discotequero y su almodovariana puesta en escena tan hortera como divertida, y el subidón es generalizado e inevitable con esas canciones convertidas en himnos como Bailando, A quién le importa o Ni tu ni nadie.
Con el rock bailable de Supersubmarina despedimos la noche, porque la tralla de Loo Placido nos hace huir despavoridos a pesar de lo animados que estamos. Los primeros rayos de la mañana mecen nuestro sueño desde nuestro apartahotel de mil pisos en el que intentamos vencer el calor y retomar fuerzas para afrontar lo mucho que queda todavía por llegar.

Ok Go

Abrimos la jornada del viernes con el pop bilingüe y enganchoso de Sidonie para recibir luego a los norteamericanos OK GO. Los reyes del video-clip aparecen sonrientes y vestidos cada uno de un color para ofrecernos un concierto memorable en cuanto a espectáculo se refiere, lleno de carisma y divertidas sorpresas. El baile de un grupo de fans en A million ways, la genial interpretación de Return con el sonar estratégico de un grupo de campanas como único acompañamiento o el repentino descenso a la pista del líder Damian Kulash para cantar la delicada Last leaf , lograron compensar lo que en mi opinión fue un mal escogido repertorio (cantaron bastantes temas mediocres y se dejaron muchos otros muy buenos). Todo un despliegue de ingenio y simpatía.

Una muy agradable sorpresa la que me llevo después con Vetusta Morla, cuyo segundo disco me había parecido algo aburrido y pretencioso en una primera escucha, pero que con su directo me demostraron sobradamente que ese entusiasmo por parte de público y crítica está más que justificado. Canciones que crecen en el escenario y desprenden energía desorbitada de la mano de un líder pequeñito pero con una garra y un vozarrón que ya querrían muchos otros. Suenan temas de ese último Mapas, sí, pero también los grandes éxitos de su disco de debut como Copenhague, Sálvese quien pueda o Valiente. Una muy buena actuación que me deja más que satisfecha y que no me permite ver más que el final del concierto de los modernillos Cat People y su rock de tintes oscuros y ochenteros.

Mika

La otra gran sorpresa de la noche llega más tarde de la mano de Mika, que aterrizó directamente desde el aeropuerto sobre el escenario Budwaiser sin pasar por camerinos ni hacer prueba de sonido tras un vuelo que llegaba con retraso. Y menuda fiesta la que nos regaló el chico, con sus gorgoritos imposibles, sus bailoteos enloquecidos y sus temazos de noche de fiesta y purpurina. Yo misma, tan recelosa que me había mostrado apenas hacía unos minutos ante la perspectiva de esa actuación, fui la primera en caer rendida ante exitazos como Take it easy, Love today, o Grace Kelly. Con un muy fluido español y acompañado de una banda de lo más simpática, Mika demostró ser un performer en toda regla, un líder indiscutible capaz de seducir no sólo a los seguidores de Fama sino también a los indies más desconfiados.

El electro de los australianos Cut Copy arranca nuestros últimos bailes antes de dar paso a las sesiones de los djs con la que se da por finalizada esta segunda jornada del festival.

Nos plantamos así en sábado, y bajo el cielo gris de un atardecer de resaca, Sexy Sadie nos arrastra nostálgicamente hacia los noventa de la mano de grandes canciones como Someone like you o A brand new world. Es justo entonces, cuando el optimismo y la energía de la música en directo empieza a apoderarse una vez más de nuestras almas, cuando recibo en mi móvil la noticia de que Amy Winehouse ha sido encontrada muerta en su apartamento de Londres. La otra cara del rock me abofetea en un día en el que, tal vez por la falta de sueño, estoy especialmente sensible, y me sorprendo de bajón en la última noche del festival, justo antes de un concierto que había estado esperando desde hacía tiempo.

Pero si algún grupo puede llevarse todas mis penas de un plumazo, esos son Mando Diao. Muy elegantes y acompañados de toda una orquesta de músicos (doble batería, piano, violines y violonchelo), los suecos repasan algunos de los mejores temas de su discografía con una puesta en escena más adulta y unos arreglos más elaborados, pero sin perder la garra rockera ni la frescura punk con la que se dieron a conocer al mundo.

Canciones como The Band, You can’t steal my love, Mr Moon o Long Before rock’n’roll le hacen a uno recuperar la fe en el rock, en la vida y en todo lo que vale la pena. Suenan también un par de temas nuevos: Losing my mind, con el vozarrón profundo e insondable de Bjorn Dixgard arrastrándose en la noche como una sombra en la que perderse, y No more tears, melódica y gentil como una caricia a dos voces. El cantante y guitarrista Gustaf Noren dedica unas palabras a todos los que están sufriendo en Noruega a raíz de la horrible tragedia, antes de arrancar con la esperanzadora If I don’t leave today then I might be here tomorrow. La siguen una muy buena versión del Leave me be de los Zombies, para cerrar con la discotequera Dance with somebody y dar así por acabado un conciertazo en toda regla.

De la actuación de los mallorquinos L.A alcanzamos a ver, muy a mi pesar, tan sólo el final, y mientras las multitudes se concentran en Love of Lesbian, nos dirigimos al escenario Stereo para presenciar la divertida actuación de Capsula que, ataviados con sus galas glam, interpretan íntegramente - y muy bien- el Ziggy Stardust de David Bowie.

Shout Out Louds

Y llega entonces el último concierto del festival en el que tengo interés, el de los también suecos Shout Out Louds. “Gracias por estar aquí tan tarde”, nos dicen, inocentes, probablemente sin saber que esa es la mejor hora en la que uno puede tocar en un festival en España.

La mayoría del público se concentra en The Klaxons, pero los pocos que estamos en el escenario azul ¡qué bien lo pasamos! Las buenas canciones se siguen una tras otra: The Comeback , Please, please, please, Your parents leaving room, Impossible o Tonight I have to leave it, con sus percusiones enganchosas, su cadencia marcial y la voz nostálgica del cantante y compositor Adam Olenius rompiendo en la noche de verano y llevando de la mano nuestros canturreos felices. También ellos parecen contagiarse de nuestra alegría y se muestran mucho más animados de lo que se habían dejado ver hacía unos meses en su concierto en Barcelona. Espero tener la oportunidad de verles de nuevo muy pronto.
Los djs se encargan de despedir la noche una vez más: la sesión más dura de Steve Aoki, la ecléctica propuesta de KGB djs y los temazos indies de la mano de Santos & Mr. Chase.

Amanece un nuevo día en Benidorm y una manada de gentes ojerosas nos arrastramos por sus calles ahora desiertas que en tan sólo unas horas quedarán abarrotadas de turistas y jaleo pachanguero. Con las cabezas abotargadas de canciones y buenos recuerdos, nos metemos en la cama y aplaudimos en silencio. Bravo Low Cost. Nos ha ofrecido exactamente lo que prometía y que, de hecho, quedaba resumido en el cartel que colgaba en lo alto de uno de los escenarios. Grandes momentos te esperan, podía leerse. Y cuánta razón tenía.

    Fotos: Tunya / Ana

    Crónica publicada en Binaural
   http://www.binaural.es/cronica-concierto/low-cost-festival-2011-benidorm-fotos/

¡ENTREVISTA A TWO GALLANTS!

2011-07-14T09:15:00.000-07:00

Adam Stephens y Tyson Vogel se conocieron en San Francisco siendo apenas unos críos y llevaban una larga trayectoria de conciertos a sus espaldas cuando su primer disco The Throes vio la luz en el 2004. De una fiereza poética y arrebatadora, la grandeza de su debut ─rock intenso de raíces folkies, arreglos crudos y lirismo descarnado─ resultaba aún más chocante si se tenía en cuenta que sus responsables eran dos veinteañeros de rostros aniñados armados únicamente con una batería, una harmónica, una guitarra, una voz sobrecogedora y un puñado de buenas historias. What the toll tells (2006) y Two Gallants (2007) llegaron después, cargados de piezas tan atormentadas como cautivadoras que presentaron por el mundo a lo largo de dos largas giras tras las que decidieron regresar a su madre patria para tomarse un descanso y emprender caminos musicales por separado. El pasado febrero anunciaron su esperado regreso a los escenarios y este domingo los tuvimos en Barcelona ofreciéndonos un concierto memorable.

Un par de horas antes tuve la oportunidad de charlar con ellos un rato. Mientras Adam (voces, guitarra y harmónica) cambia las cuerdas de su guitarra, Tyson (batería, voces) nos ofrece una cerveza. Son amables y sonrientes y, aunque algo distantes y parcos en palabras en un principio, poco a poco van abriéndose y nos hacen partícipes de sus opiniones y proyectos.

¿Cómo os sentís estando de gira después de estos dos años? ¿Qué habéis estado haciendo en este descanso?

ADAM- Nos sentimos muy bien. Ambos tenemos nuestros grupos por separado y hemos estado haciendo cosas con ellos durante este tiempo.

TYSON- En cierta manera hemos cambiado, lo que es normal después de tanto tiempo… Creo que ambos nos sentimos muy positivos ahora mismo.

Acabáis de empezar vuestra gira europea y cuando esta finalice os embarcaréis por una extensa gira por América. ¿Notáis diferencias entre el público europeo y el americano?

T- La verdad es que es un honor estar en Europa, es una cultura diferente y creo que en cierto modo la gente tiene una manera diferente de sentir la música aquí. En América la gente es más dura, menos apasionada.

A- Es un poco como si estuvieran saturados y hubieran perdido la capacidad de apreciar algunas cosas. Supongo que es porque hay muchos grupos en América, en cada ciudad hay un nuevo grupo que toca cada noche, y como aquí, obviamente, no hay tantos grupos americanos, la gente es más entusiasta, se emociona más.

¿Creéis entonces que os valoran más aquí en Europa?

T- Bueno… es diferente. Los americanos son más duros de pelar.

He leído que tenéis canciones nuevas. ¿Significa eso que sacaréis un nuevo álbum pronto?

T- Sí, esa es la idea. Si todo va bien saldrá en febrero aproximadamente.

¿Y tenéis alguna idea de cómo será a nivel de arreglos y de producción o sencillamente entraréis en el estudio a tocar y a ver qué pasa?

A-Tenemos alguna idea, sí… pero queremos que sea una sorpresa. (risas)

T- Estamos planeando cambiar la guitarra y la batería por un teclado y un i-pad. (risas)

Sé que el nombre de vuestro grupo viene de un relato de James Joyce que se titula de la misma manera. A mí me dieron muy mal rollo los protagonistas de ese relato. ¿Cómo es que decidistéis coger ese nombre?

A-Nos identificamos con ellos (risas)

¿En serio?

A- Sí. Nosotros damos también bastante mal rollo (risas)

Vale… ¿ y también engañáis a las mujeres para que roben dinero para vosotros?

A- Claro, ¿para qué estaríamos hablando contigo si no? (risas). No, vale, en realidad más que lo que hacen esos dos tipos es la relación que mantienen lo que nos resulta más significativo…. Más que lo que son, la manera cómo interactúan entre ellos.

Vale, ya entiendo. Pero bueno, entre ellos eran también un poco raros, ¿no? ¿Creo recordar que no acababan de confiar el uno en el otro?

A-Sí... bueno… estamos trabajando para mejorar eso. (risas)

Vuestras letras son normalmente bastante oscuras, habláis sobre asesinatos, suicidios, pobreza… ¿Encontráis más inspiración en las cosas oscuras de la vida que en las cosas bellas?

A –En realidad esas letras se escribieron hace años y creo que hemos cambiado bastante desde entonces. Nuestras letras son un poco más esperanzadoras ahora. Pero bueno, la muerte es algo de lo que no podemos escapar y siempre va a acabar estando en alguna de nuestras canciones… Pero tal vez no haya tantos asesinatos en nuestras letras, eso lo hemos dejado atrás.

¿Te sientes más creativo cuando estás triste?

A- No, no necesariamente. De hecho todo lo contrario.

¿Nos encontraremos entonces con canciones más felices en este nuevo álbum?

A- Sí bueno… definitivamente son letras menos violentas, menos agresivas.

Tengo una curiosidad acerca de una canción que me gusta mucho, Las Cruces Jail, en la que se hace mención a Andalucía. ¿A qué viene esa referencia y de qué trata la canción?

A-Tenemos una amiga llamada así, Andalucía, y sencillamente me gustaba cómo sonaba ese nombre. Pero ella no tiene nada que ver con el argumento de la canción, la canción trata sobre… ¿sabes quién es Billy The Kid?

Sí.

Pues es un retrato ficticio de sus últimos días.

¿Cuál ha sido la última canción o disco que os ha emocionado?

A- Bueno, a mí me gusta mucho el nuevo disco de Fleet Foxes. Me ha costado un poco y tuve que escucharlo varias veces, pero finalmente he logrado apreciarlo y me gusta mucho.

Vuestras canciones suenan muy íntimas y auténticas. ¿Creéis que un éxito masivo que os obligara a tocar en grandes estadios mataría esta esencia de vuestra música que la hace tan especial?

T- Es difícil proyectar cómo sería eso y ponernos en esa situación, pero me gusta pensar que lo que hacemos es más grande y sustancial que eso y que en ese sentido la esencia de nuestra música se mantendría intacta. Sin embargo al mismo tiempo soy consciente de que un cambio en el entorno hace que las cosas cambien… Pero tenemos mucha fe en nuestra música y eso es en realidad lo que más importa.

Vuestras canciones son normalmente pequeñas historias, con letras muy elaboradas y literarias, ¿Creéis que un mensaje es más importante que un estribillo pegadizo?

A-No, no lo creo. Creo que por supuesto las letras tienen un efecto profundo en la gente pero una melodía bonita tiene un efecto inexplicable, algo que las palabras no pueden conseguir. Una buena melodía, o no necesariamente una buena melodía sino algo que suena bien a tus oídos, es mucho más poderoso que escuchar la letra de una canción.

¿Qué es lo mejor y lo peor de estar en un grupo de éxito?

A- ¿Somos un grupo de éxito?

Hombre yo creo que sí. Estáis de gira y llenáis locales de Europa y América…

A-Ok.

T- Lo mejor es que nos haya permitido tocar tan a menudo. Hemos estado expuestos a tantos sitios y tantas cosas, hemos viajado, conocido a gente… Pero al mismo tiempo eso es también la parte más difícil ya que, en cierta manera, nos hace perder conciencia de lo que es real. Es increíble y a la vez es muy duro.

A- Creo que ambos tenemos sentimientos parecidos. Cuando llevamos demasiado tiempo en casa nos inquietamos y queremos salir de gira… y lo mismo al revés, cuando llevamos demasiado tiempo de gira llega un momento en que tenemos ganas de volver a casa.

Vuestra música suena bastante tradicional y nostálgica de los tiempos pasados. ¿Escucháis nuevos grupos o únicamente a los clásicos?

A- Creo que los dos intentamos escuchar nuevos grupos.

T- Sí, creo que hay muchos grupos interesantes ahí fuera y intentamos exponernos a nueva música lo máximo posible… es una manera de absorber cultura, en realidad.

¿Pero os obligáis a hacerlo o sencillamente lo hacéis porque os apetece?

T- Bueno, yo disfruto escuchando música, los dos disfrutamos, así que en ese sentido es una obligación ya que queremos saber las cosas interesantes que la gente está haciendo.

¿Qué podemos esperar del concierto de esta noche?

A- Unas buenas jams

T- Adam va a salir en traje de baño. (risas)

A- Y no se… sí, probablemente estaremos muy borrachos. (risas)

Bien, todavía os quedan un par de horas para eso…

A- Sí… estaremos secretamente borrachos… ni siquiera nosotros mismos sabremos que lo estamos… (risas)

¿Cómo se presenta el futuro para Two Gallants?

T- Mañana nos vamos a Alemania…

A-No solemos hacer planes a largo plazo sino que tendemos a centrarnos más en el presente. Los planes que tenemos por el momento es la gira por Europa y por Estados Unidos y más tarde la grabación del disco, seguida de una nueva gira, supongo. Y esto es todo, por el momento.

FOTOS: TUNYA

Entrevista publicada en Binaural
http://www.binaural.es/entrevista/two-gallants-verano-2011/

BARCELONA, JULIO DEL 65

2011-07-14T01:31:00.000-07:00

Foto: Xavier Mischerach

Aquel día el bar estaba abarrotado y yo no daba abasto. Cuando me disponía a servir a la chica del peinado cardado, llamó mi socio para decirme que llegaría tarde. En aquel momento estallé: “¡No puedo más, esto está llenísimo!”. Había interferencias. “¡Necesito ayuda! ¡Ayuda! ¡Necesito a alguien!”, chillé.

La conexión se cortó y colgué de malos modos. Al volverme, me percaté de que el melenudo joven extranjero que había estado escribiendo desde su llegada me miraba con curiosidad. Yo me encogí de hombros a modo de disculpa. “Ya estoy mayor para esto. Cuando era joven no necesitaba ayuda de nadie, pero ahora…” Él sonrió y continuó con lo suyo. Me resultaba extrañamente familiar.

Una vez se hubo marchado, encontré en su mesa una servilleta llena de garabatos entre los que distinguí el dibujo de un hombre con una cómica expresión de desesperación.“Help, I need somebody!”, podía leerse dentro de un globo que salía de su boca como en los tebeos. Me hizo gracia y me la guardé en el bolsillo. Horas después, de camino a casa, me crucé con mi hija que, muy excitada, se dirigía a la Monumental para ver actuar a su grupo favorito.

Entrada del concierto que los Beatles dieron en Barcelona el 3 de Julio de 1965.
Poco después saldría a la venta su quinto álbum Help!

Relato ganador del certámen de microrrelatos ¿Qué te cuentas de los 60?, convocado por el Ayuntamiento de Ribadedeva (Asturias) (Julio 2011)
http://www.elcomercio.es/v/20110707/oriente/elisenda-hernandez-gana-certamen-20110707.html

¡CONCIERTO DE TWO GALLANTS EN BARCELONA! Apolo 2, 10 / 7 / 2011

2011-07-13T11:02:00.000-07:00

Con 3 discos brillantes y diez años en la carretera a sus espaldas, Two Gallants decidió tomarse un merecido descanso a principios del 2009. Dos años después y 4 desde que trajeran su intenso directo a la ciudad condal por última vez, el dúo californiano volvió ayer a Barcelona y nos regalaron, como en los viejos tiempos, una noche para recordar.

Adam Stephens

Combinando sus mejores temas del pasado con un puñado de nuevas canciones que tienen previstas salir a la luz en forma de un esperado cuarto álbum el próximo año, Adam Stephens y Tyson Vogel se apropiaron brutalmente de nuestras almas como los personajes oscuros que protagonizan sus canciones. Y lo hicieron sin tregua, ya que, a pesar de que la mitad del repertorio estuvo compuesto por temas nuevos que nadie conocía, incluso estos sonaron sobrecogedores, rompiendo en la noche a golpetazo limpio de la mano implacable (y como más tarde pudimos comprobar, malherida) de nuestros protagonistas; la de Stephens arrancando arpegios de su espléndida Gretsch roja y brillante, la de Vogel aporreando la batería con panderetas y con lo que haga falta, presa de un arrojo que viene de lo más profundo y que va más allá del rock y del punk y de cualquier otra etiqueta.

Tyson Vogel

Ya pueden ser historias de amor atormentado como Despite what you’ve been told, The hand that held me down o Nothing to you, crudas estampas de muerte y pobreza como Steady Rollin o Long summer day o arrolladores retazos de westerns carcelarios como Las cruces jail (pudimos escucharlas todas ellas), las de Two Gallants son canciones que remueven, estremecen, le envuelven a uno con el sentimiento desgarrado de unas melodías que susurran a chillidos verdades oscuras que, sin embargo, suenan tan hermosas…

Cerraron el concierto de la mejor manera, con Seems like home to me, el reflejo de la soledad errante, casi romántica, del trovador desarraigado que en la noche mira el cielo y piensa en un amor del pasado… Me doy cuenta, mientras escribo estas líneas, de que me estoy emocionando por momentos y, francamente, tanto me da. La música está para sentirla y la de Two Gallants consiguió, en la escasa hora y veinte que duró el concierto, vapulear nuestros espíritus y hacernos disfrutar de nuestros agridulces sentimientos a flor de piel. Una verdadera maravilla.

FOTOS: ANA / TUNYA

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine

http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_two-gallants_100711.html

¡VUELVEN TWO GALLANTS!

2011-07-01T04:05:00.000-07:00

Han pasado dos años desde que el dúo californiano Two Gallants decidió tomarse un descanso tras haber estado de gira por todo el mundo presentando su último disco homónimo. Siguiendo la línea de sus trabajos anteriores, éste le inyectaba a la esencia del blues y el folk más gringo y tradicional una fiereza punky y una poesía punzante que perfilaban grandes canciones de belleza rústica y desgañitada.

Hoy, con fuerzas renovadas y un puñado de nuevas canciones que todavía no han visto la luz, Adam Stephens y Tyson Voguel han cogido sus bártulos (guitarra, batería y harmónica, no necesitan nada más) y han dicho que ya era hora de volver de nuevo a la carretera. ¡Felices noticias! Porque esta pareja de trovadores punks crecen en el escenario y, explotando al máximo sus limitados recursos ─la batería salvaje, la harmónica arrastrada, la voz rasgada de Stephens que un segundo te abofetea para acariciarte al siguiente─ consiguen crear una atmósfera única y emocionante.

Amigos desde la adolescencia, Stephens y Voguel tienen una larga trayectoria de conciertos a sus espaldas, habiéndose iniciado en los parques, almacenes y variopintos locales de su San Franciso natal y llegando a ir de gira hasta 4 veces por los Estados Unidos sin contar ni siquiera con un contrato discográfico. Al más puro estilo DIY organizaban ellos mismos los conciertos y regalaban sus grabaciones caseras hasta que una de sus demos llamó la atención de la discográfica Alive Records. Con ellos publicaron su LP de debut The Throes (2004), un disco visceral en el que los arreglos lo-fi recrudecen y embellecen a la vez historias oscuras y desgarradas como la voz del propio Stephens. Le siguieron What the toll tells (2006, Saddle Creek Records)- igual de taciturno y brillante- , el acústico de 5 piezas The Scenary of Farewell (2007, Saddle Creek Records) y ese último Two Gallants (2007, Saddle Creek Records), en el que piezas como The hand that held me down o Despite what you’ve been told presentaban, tal vez por primera vez, estribillos abiertamente enganchosos sin perder en ningún momento esa autenticidad anárquica y palpitante marca de la casa.

Ahora, tras un merecido descanso, se embarcan en una extensa gira por Europa y Estados Unidos que afortunadamente tiene prevista tres fechas en nuestro país. Rock con alma y estómago que nos recuerda la belleza que se esconde tras las cosas más sencillas.

July 08 Torelló / Festus Festival
July 09 Madrid / Moby Dick
July 10 Barcelona/ Apolo

Publicado en Paisajes Eléctricos Magazine

http://www.paisajeselectricos.com/material/previo_two-gallants_062011.html

KINK, LA AUTOBIOGRAFÍA DE DAVE DAVIES (Lenoir Ediciones)

2011-06-14T10:14:00.000-07:00

Siempre he pensado que sería interesante tomar una muestra de todos los gritos y súplicas, los ruidos y sonidos de este planeta, mezclando los gritos del torturado con el sonido de las cascadas, el ruido del tráfico, los lloros de los niños que nacen, las bombas que explotan, los pájaros que cantan, la parienta echándote la bronca porque llegas tarde del pub… la cacofonía absoluta del sonido de la humanidad. Me gustaría conectar todo eso a un amplificador de diez trillones de gigavatios y tocarlo como un acorde.
(Dave Davies)

Publicada en 1996, Kink es la autobiografía del pequeño de los hermanos Davies y un muy entretenido testimonio de las locuras y excesos que envuelven la historia de uno de los grupos más influyentes y probablemente, infravalorados de la historia del rock.

Desde su infancia en el barrio londinense de Mushwell Hill y la formación del grupo en el 56 siendo él apenas un adolescente, hasta su final disolución a mediados de los noventa, sus recuerdos nos guían por el transcurso de la prolífica y tortuosa carrera de Los Kinks así como por los entresijos más privados de toda una vida sobre los escenarios. Expulsado del colegio a los 15 años, la vida de Davies transcurre en paralelo a la de los Kinks y ambas están llenas de altibajos y giros novelescos.

Como la adolescencia, los años de esplendor del grupo pasaron rápida y escandalosamente. Impulsados por ese You really got me que les lanzó al estrellato, el grupo gozó de gran éxito comercial durante la década de los sesenta para caer en el olvido en los setenta con sus discos conceptuales y experimentar una leve recuperación en los ochenta y los noventa con discos más rockeros. Cuatro décadas en la carretera dan para mucho, y tras la historia ─el éxito mundial, la todavía hoy algo confusa prohibición de tocar en los EEUU, los problemas con discográficas y managers, las subidas y bajadas en las listas de éxitos, las giras, los viajes, los discos─ aparecen las anécdotas, los romances, las impresiones personales. Éstas, explicadas de forma muy espontánea y natural por parte de Davies ─que a veces da la impresión de estar escribiendo sobre la marcha lo que le viene a la cabeza en ese mismo momento─ constituyen el grueso de la narración y son, para que vamos a engañarnos, enormemente entretenidas. Fiestas en la noche londinense en compañía de los Beatles y los Rolling Stones, amores de película truncados por el destino, y sobre todo, mucho desfase. Excesos de todos los gustos y colores: destrozos en hoteles, fiestas que acaban en el hospital, peleas en el escenario, embarazos adolescentes, juicios de paternidad, bisexualidad, drogas, sexo, sexo y más sexo. ¡Viva el rock’n’roll!

Y aunque evidentemente fue Ray el motor del grupo y el creador de casi todo el repertorio de los Kinks ─obras maestras como Days, Waterloo Sunset, A well respected man, Sunny afternoon, Wonderboy, o tantísimas otras─ tampoco hay que despreciar a David, responsable de la característica guitarra del grupo y de uno de los riffs más famosos en la historia del rock. Hablo por supuesto del riff de You really got me, con aquel sonido distorsionado y salvaje que convulsionó el mundo y que el adolescente Dave Davies consiguió rasgando un altavoz con una hoja de afeitar. Dejar un impacto permanente en el sonido del rock y sentar las bases para estilos futuros, en el salón de la casa de tus padres, siendo apenas un crío no está del todo mal, ¿no?

Dave escribió también algunos buenos temas, entre ellos, Susannah’s still alive o Death of a clown. En esta última, escrita en un momento de bajón, Dave se ve a sí mismo como un payaso triste y solitario del que nadie espera más que bromas y juerga. Un revelador reflejo de su desencanto hacia ese estilo de vida superficial y enloquecido en el que estaba inmerso y una canción bastante triste, en realidad, a pesar de sus la la las y su festivo piano.Y es que como comentaba antes, es una vida novelesca y llena de altibajos en la que no faltan tampoco episodios de depresión y paranoia. Davies explica cómo llegado un momento de su vida empezó a escuchar voces en su cabeza y pensó que se estaba volviendo loco.

Pero el episodio más angustioso del libro tiene lugar sin duda, unas páginas más hacia delante, cuando una vez ya (supuestamente) recuperado de sus problemas mentales, Davis nos habla de su “renacimiento espiritual” y durante un capítulo muy largo y aburrido, nos detalla sus experiencias místicas protagonizadas por ovnis, magias ocultas, magnetismos etéreos y el mismísimo Jesucristo. Una ida de olla en toda regla que resulta especialmente desasosegante después de haber simpatizado tanto con Davies y haber sido partícipe de su pasado impregnado de drogas y borracheras…

Excentricidades aparte, Dave cae simpático y nos hace pasar un muy buen rato con sus memorias, tan adictivas como los geniales estribillos de las primeras canciones de los Kinks y tan escandalosas como los guitarrazos que definieron su estilo y marcaron la historia del rock para siempre.

Artículo publicado en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/kink-autobiografia.html

¡¡PRIMAVERA SOUND 2011!! 26, 27 y 28 de Mayo

2011-06-05T07:35:00.000-07:00

Un año más, el Primavera Sound tomó Barcelona y despidió mayo con una muy buena selección de música en directo. Han sido días intensos y felices y, sin embargo, no todo ha sido bueno en esta última edición del festival. La organización ha presentado varios fallos que me dejan con ciertos sentimientos contradictorios. Empezaré con ellos y así me saco de encima la molesta tarea que supone el criticar algo a lo que se le tiene cariño…

La eterna cola para conseguir la pulserita de prensa que me impidió ver a Echo &The Bunnymen y a Caribou el miércoles en el Poble Espanyol por llenarse el recinto del aforo hizo que me estrenara con mal pie y fue por desgracia un presagio de lo que vendría después. Porque estas esperas se repitieron en el Fórum durante los tres días siguientes, frente a las barras y los lavabos, entorpeciendo el movimiento constante que exige un festival tan apretado como este, especialmente un año en el que se había ampliado el recinto y las distancias entre escenarios se habían agigantado. Pero lo más escandaloso fue sin duda el fracaso absoluto del nuevo sistema de pago mediante tarjeta que estrenaba la organización. La idea no parecía mala. Se trataba de sustituir los tradicionales tickets por una tarjeta que podía cargarse con dinero y así agilizar los pagos. Nadie podía prever que el sistema se colapsaría y que durante más de tres calurosas horas estuviéramos el jueves sin poder beber ni una gota, a menos que estuviéramos dispuestos a soportar larguísimas esperas frente a los “Mochilaman” que servían cerveza con expresión desbordada y que probablemente, jamás habrían esperado estar tan solicitados.Espero que al menos fueran a comisión y algo positivo se pudiera sacar de aquello. Por no hablar, por supuesto, de los precios desorbitados… Pero bueno, ya basta de quejas. Centrémonos en la música que es lo que importa y lo que ─espero─ fue el motivo de que este año el Primavera Sound contara con más de 120.000 asistentes.

La primera actuación que vi fue la de los norteamericanos Of Montreal, que convirtieron el escenario en un circo surrealista ─máscaras de cerdos y luchadores de wrestling incluídos─ y le dieron una divertida puesta en escena a su pop juguetón de tintes psicodélicos. Grandes canciones como Coquet Coquette, acompañadas de bailoteos excéntricos y verbeneros, consiguieron monopolizar nuestra atención y casi hacernos olvidar la sed.

The Fresh & Onlys
¡Que levanten la mano los que crean que el escenario Pitchfork
tiene problemas de sonido!

Nos dirigimos después al Pitchfork para escuchar el guitarreo efervescente y enganchoso del cuarteto de San Francisco The Fresh & Onlys. Lástima que algunas de sus grandes canciones como Waterfall o Strange Disposition quedaran algo empañadas por un sonido sucio y disperso, debido probablemente a la mala acústica del escenario, a orillas del mar, más que a su propia actuación. Los para muchos considerados padres del post punk, John Lydon y sus Public Image Limited, nos esperan luego en el escenario Llevant, uno de los más grandes y apartados. A pesar de que los berreos de Lydon me parecen más cómicos que otra cosa y que su paranoica mezcla de estilos no me convence, sí soy capaz de reconocer lo innovador de su propuesta, que hoy no sorprende a nadie pero que a finales de los setenta debió de quedarse con todos.

Y al Pitchfork volvemos para ver a The Walkmen. Encabezados por el elegante Hamilton Leithauser, estos rockeros neoyorkinos cumplen con nota frente a una ─sorprendente─ multitud, que, a pesar de los ya mencionados problemas de sonido del escenario, se anima especialmente con arrolladores temazos como Angela Surf City o The Rat.

La noche avanza y les toca el turno a unos de los cabezas de cartel, Interpol, que nos ofrecen un concierto correcto aunque a ratos algo monótono. El líder Paul Banks da cuenta de su perfecto español y se dirige simpáticamente a la audiencia, entonando sobre todo temas de su último disco homónimo ─algo más flojillo que sus anteriores, en mi opinión─ pero también, por supuesto, algunos de sus grandes éxitos del pasado como Evil o Slow Hands.

1 globo, 2 globos, 3 globos. The Flaming Lips homenajean a
Gloria Fuertes. Foto: Primavera Sound

The Flaming Lips nos demuestran, una vez más, ser los mejores cuando se trata de liarla y convertir un concierto en una fiesta constante. Pero si bien es cierto que es difícil no pasarlo bien con la burbuja gigante, los globos multicolores y los vistosos espectáculos audiovisuales, también lo es el hecho de que entre tanto exhibicionismo colorista, a menudo las canciones puedan pasar algo desapercibidas. Afortunadamente no es el caso de Do you Realize?, con la que cierran el concierto, que junto con el confeti y la multitud entregada, perfilan un muy triunfal broche final de mi primera jornada en el Primavera.

El brutal y vergonzoso desalojo por parte de los Mossos d’Esquadra de los indignats acampados en la Plaza Catalunya me obliga a asistir a la manifestación de protesta del viernes por la tarde y me impide ver los conciertos de Avi Buffalo y M Ward.

Matt Berninger de The National
Foto: Primavera Sound

Sí llego, afortunadamente al concierto de The National y soy testigo de su genial directo. La privilegiada voz de barítono del cantante Matt Berninger – muy sobrio y elegante, vestido de negro como la noche que ya se asienta en el escenario Llevant- es sobrecogedora y logra imponerse por encima de todo lo demás. Tocan temas de su último disco como Afraid of everyone, Terrible Love ─con la grata e inesperada irrupción de Surfjan Stevens en el escenario─ o Bloodbuzz Ohio, así como las “antiguas” y emocionantes Apartment Story o Fake Empire pero, antes de lo que habríamos deseado, tenemos que correr para coger un buen sitio para Belle Sebastian.

Belle & Sebastian, una familia feliz

Los de Glasgow no nos defraudan y nos dan exactamente lo que esperábamos: una deliciosa sesión de pop goloso y primaveral (nunca mejor dicho). Canciones de siempre como If you’re feeling sinister, The boy with the arab strap o Judy and the dream of horses van combinándose con otras más recientes como If you find yourself caught in love, The blues are still blue o I want the world to stop. La vida es mejor si se llena de dulces melodías y eso Stuart Murdoch y los suyos parecen saberlo mejor que nadie. A pesar del buen rato que me hacen pasar, echo de menos muchas canciones: Jonathan David, Waking up to us, The model, entre tantas otras, pero supongo que es difícil acertar con todas cuando se tiene tan extenso y luminoso repertorio…

Let's all meet up in the year 2011, won't it be strange when
we're all fully grown...

¡Y al fin llega el momento! Tras nueve años de silencio, Pulp aterrizan en el escenario San Miguel y bajo unas espectaculares luces de neón que dibujan su nombre, nos regalan un concierto para recordar. Lo tuvimos todo: los bailoteos, los suspiros dramáticos, los movimientos de cadera, la elegancia, el sex- appeal y, sobre todo, las canciones, los exitazos: Do you remember the fist time, Babies, Disco 2000, Pink Glove, Underwear, Sorted for E’z &Wizz, Something changed... Casi veinte años tras los inicios del brit pop allí estamos todo el Primavera Sound, brincando al servicio del Jarvis más entregado y carismático. El momento álgido de la noche y, probablemente, de todo el festival, fue minutos antes de que empezara a sonar el Common people, en el que Cocker quiso homenajear a los indignados de la Plaza Catalunya con unas sencillas pero coherentes palabras (Se lo molesto que es que alguien de fuera pretenda saber lo que pasa en tu país pero sé también que algo va mal cuando la policía golpea a gente por no hacer nada). Como colofón final, la genial Razzmatazz, que dedicó a la mítica discoteca en la que ha hecho de dj en numerosas ocasiones.

Acabamos la noche en el escenario ATP al son del dj set de Barry Hogan, el promotor de conciertos responsable del festival de música All Tomorrow’s Parties y de la discográfica de mismo nombre, que nos hace bailar con una ecléctica mezcla que no acaba de convencernos pero que dadas las horas, ya nos sirve.

El sábado comienza de manera muy especial. Hacia las seis aparece el ex Velvet Underground John Cale en el escenario del Auditori para interpretar íntegramente su obra maestra Paris 1919 ante una audiencia privilegiada entre la que, gracias al cielo (y a mi cuñado Alex que me descubrió el disco), me encuentro. Durante los casi cuarenta y cinco minutos que dura el álbum, nos sumergimos en una burbuja apartada del mundo en la que nada tiene sentido más que la hermosura de su música. Su sonido, sencillo y mágico, envuelto de delicados arreglos que nos acarician el alma, nos transporta a otro lugar, uno en el que los modernitos con peinados y el grupo super cool del momento parecen de repente lejos, muy lejos, tan empequeñecidos ante el peso de lo que de verdad importa, lo que de verdad trasciende, esas canciones que, a pesar de haber sido compuestas hace casi cuarenta años, están aquí para siempre.

Fleet Foxes. Foto: Primavera Sound

La vuelta al mundo real no resulta tan dura de la mano de los Fleet Floxes, a los que nos dirigimos a ver luego. Tal y como nos explica el cantante Robin Pecknold, es la primera vez que tocan en España y su estreno es digno de aplauso. Su particular folk con reminiscencias sesenteras suena en directo igual de bello y armonioso que en sus dos discos, cuyas canciones van intercalando más o menos a partes iguales. Con temas antiguos como Mykonos, Your Protector o, por supuesto, White Winter Hymnal, y también nuevos como Battery Kinzie o Helplessness Blues, nos meten en sus bolsillos y nos dejan con ganas de recibirles de nuevo pronto.

Deep Sea Arcade

Llega el momento de la Champions y mientras la multitud se dirige al escenario Llevant, en el que se han instalado pantallas gigantes para retransmitir el partido, unos pocos escogemos seguir con la música, en nuestro caso, de la mano del grupo australiano Deep Sea Arcade. Seguimos haciéndoles reverencias a los sesenta: si los Fleet Foxes bebían de los arreglos y la introspección melódica de Brian Wilson o Crosby, Stills & Nash, los Deep Sea Arcade beben del pop luminoso y el rock’n’roll más directo y bailable de los Beatles y los Kinks. Canciones enganchosas y radiantes que siempre me encontrarán con los brazos abiertos y que nos hacen pasar un muy buen rato. Y tras un breve encuentro con el garage juerguista y simpático de los portorriqueños Davila 666, corremos hasta el escenario San Miguel donde está a punto de salir P.J Harvey.

Ataviada con un vestido blanco y un peinado de lo mas extravagante al mas puro estilo ninfa mitológica, le dio un extenso repasó su a su último disco Let England Shake. Alternando la guitarra con el autoharp, nos ofreció una actuación menos menos rockera de lo habitual, en la que también dio cabida a clásicos como C'mon Billy, Meet Ze Monsta o Down By the Water. Un concierto comedido e interesante, en el que a ratos eche de menos, sin embargo, algún punto de desmelene.

Nos despedimos del festival bailando la siempre genial selección de repertorio de Dj Coco, que contó esta vez con una muy feliz sorpresa: la irrupción del grupo Mujeres en el escenario interpretando canciones de los Beatles. No se me ocurre mejor manera de acabar la noche.

Qué lejos quedan las críticas con las que he comenzado esta crónica ahora que he llegado hasta aquí y he revivido tantas buenas actuaciones. Y es que a pesar de los fallos y los agobios, ya lo comentaba al principio, han sido tres días intensos y felices y supongo que eso lo compensa a todo. Esta edición deja, sin embargo, errores de organización que espero encuentren una solución en el futuro. Morir de éxito es morir, al fin y al cabo, y yo le deseo al Primavera Sound una larga y próspera vida por delante para que siga llenando de buena música y grandes recuerdos cada mes de mayo que queda por llegar.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_primavera-sound-2011a.html

¡THE WOMBATS EN BARCELONA! Apolo, 21/ 5 / 2011

2011-05-24T07:41:00.000-07:00

Pop acelerado de una noche de fiesta. Eso es lo que son The Wombats y eso es exactamente lo que nos ofrecieron el pasado sábado en la sala Apolo de Barcelona. Venían a presentar su segundo disco This modern Glitch, que salió hace tan solo 3 semanas y sigue con la línea de aquel primer álbum que les dio la fama. Guitarra, órgano, bajo y batería que perfilan ritmillos bailables sobre los que se dibujan historias sobre chicas, discotecas y otras cosas igualmente profundas. Esas son las armas con las que cuenta este trío de Liverpool y que muestran sin complejos y sin ninguna otra pretensión más que la de hacérnoslo pasar bien.
Y desde su arranque con ese Our perfect disease con el que empieza el último disco, a eso se dedican durante la hora y cuarto que dura el concierto: a divertirnos.

Lo mejor es que ellos lo hacen también y su energía verbenera es tan contagiosa como sus canciones. Éxitos de su primer disco como Backfire at the disco, Party in a forest, Patricia the stripper o Here Comes the anxiety, van combinándose con nuevos como Techno fan, Schumacher the Champagne, 1996 o la algo más taciturna Jump into the frog.

Entre canción y canción Matthew Murphy, Daniel Hagáis y Tord Øverland-Knudsen (este último es noruego), que así es como se llaman, van leyendo frases en catalán y comentando simpáticamente la jugada. Suenan también singles como, Kill the director, Moving to New York o su más reciente Tokyo. Nosotros saltamos, ellos saltan y todos contentos.

Tras los bises les toca el turno a Anti- D –incluso un wombat se siente triste a veces- y, por supuesto, Let’s dance to Joy Division, su homenaje a uno de los grupos más oscuros de la historia acerca de bailar enloquecidamente esa triste canción que es en realidad Love will tear us apart y que, sin embargo, tanto se presta al canturreo borrachil de una noche de marcha como la que narra la canción. Let’s dance to Joy Division and celebrate the irony, everything is going wrong but we’re so happy. Pues eso. Que a pesar de las preocupaciones, seguimos bailando. Y es que The Wombats son así, no es un grupo de metáforas, significados ocultos ni dobles sentidos, pero sí uno que nos hace cantar, bailar y recordar lo genial que es ser joven una noche de sábado en Barcelona, ¿y quién quiere filosofar sobre la vida mientras puede tener eso?

Crónica publicada en Binaural
http://www.binaural.es/cronica-concierto/the-wombats-barcelona-sala-apolo-21-mayo-2011/

CONCIERTO DE MANEL EN PALAFRUGELL! 30/4/2011

2011-05-05T04:53:00.000-07:00

Una semana después de haber llenado el teatro Romea de Barcelona durante 5 noches consecutivas, los Manel hicieron un nuevo llenazo en la recién estrenada sala La Bóvila, en el pueblo gerundense de Palafrugell.

¡Clicka encima para escuchar el disco en
Spotify!

Si su excelente disco de debut Els millors professors Europeus los convirtió en el grupo revelación del momento en Cataluña (aquí en Barcelona hubo unos días en los que no se hablaba de otra cosa), este 10 milles per veure una bona armadura que venían a presentar fue el disco más vendido en toda España y, lo que es más importante, confirmó que ese entusiasmo mediático ─que todo hay que decirlo, hacía cierto tufo─ estaba, afortunadamente, justificado. Lo demostraron una vez más el pasado sábado en un concierto que empezó algo apático ─tal vez la reciente derrota del Barça tuvo algo que ver─ y que fue ganando a medida que avanzó la noche.

Así, la refrescante melodía que es El Miguel i l’Olga tornen que abrió el concierto sonó algo insípida, haciendo que se echara en falta la felicidad primaveral de la versión del disco y la segunda voz de la chica con la que, a pesar de lo afinados que han demostrado ser todos los miembros del grupo, ninguno de ellos pareció atreverse en el directo, más allá del breve diálogo que recitó con desgana el guitarrista Roger Padilla.

La siguieron otros dos temas nuevos, La bola de cristall y El gran salt ─una de esas canciones que crece a cada escucha, con su juego de voces, sus repentinos golpes de batería y su glorioso y a la vez algo melancólico desenlace “la nit caurà, la nit caurà…”─ para seguir con la “antigua” Pla Quinquennal ─echo de menos también los coros de la original─ que siempre me ha encantado a pesar de que nunca he logrado desentrañar su significado.

Boomerang es acogida con gran alegría por el público, que empieza ya a bailotear al son del ritmillo electrónico sobre el que el cantante Guillem Gisbert construye su entrañable recuerdo de infancia veraniega. Luego, una de mis favoritas, Dona estrangera, una gentil y arrastrada caricia a manos esta vez de la dulce voz de Roger Padilla, para continuar con la enorme y arrolladora En la que Bernat se’t troba: ukelele, silbidos, un nas gros desde el llit y empezamos a estar ya todos muy felices.

Esto se hace más que evidente al llegar al final de la canción, cuando las voces de los grupos de quinceañeros, los matrimonios con hijos y los jóvenes que, como yo, ya no lo son tanto, se funden en una sola y se separan algo después para entonar ─esta vez de manera espontánea y sin las instrucciones de Gisbert, como en la gira anterior─ su feliz y caótico canon final. Si yo hubiera compuesto esa canción creo que ese momento me habría emocionado de verdad. De hecho me emocioné sin necesidad de haber compuesto nada. Que bonic, que bonic!

La cançó del soldadet, Flor groga y le llega el turno a Aniversari, que, despojada de los numerosos arreglos con los que cuenta en el disco y defendida tan sólo con ukelele, guitarra eléctrica, bajo y batería, sigue sonando de maravilla; más sencilla y, en este sentido, más auténtica, más acelerada pero sin perder su especial delicadeza ni sus aires de fábula mágica.Ya ni siquiera me molesta esa introducción narrada y casi disfruto con ese algo impostado Que demani un desig, que tan cursi e irritante me había parecido en un principio…

La sigue Captatio Benevolentiae, triunfal y emocionante como siempre y luego, el nostálgico retrato de esa historia que ya se ha acabado que es Ai Dolors. Tras ella, Benvolgut, la estupenda carta de presentación dirigida al ex de una novia que abre el nuevo disco, bajo cuya cadencia marcial y victoriosa (el ex ha quedado atrás, al fin y al cabo), se esconde una reflexión algo más deprimente, en mi opinión, sobre cómo la gente que un día significa tanto al siguiente no es más que una foto olvidada en un cajón; reflexión que se repite, de hecho, en la canción con la que vuelven tras los bises, la melancólica mirada al futuro de Criticarem les noves modes de pentinats y su “potser no seré el teu amic, ni tendré res a veure amb si ets o no ets feliç…”

Esta última, como siempre, me pone un poco triste, así que agradezco que continúen con su versión de Pulp La gent normal, antes de arrancar con El mar e inundar la sala con sus canturreos despreocupados y sus palmas de un día de sol…

Para finalizar el concierto, la habanera Deixa-la Toni, deixa-la, que resulta de lo más apropiada encontrándonos como nos encontramos tan cerca de esa Calella de la que procedía aquel famoso abuelo que se fue a Cuba a hacer fortuna… Las simpáticas divagaciones de Gisbert nos hablan esta vez de unos sabios marineros que abordaron desde la orilla un día al multiinstrumentalista Martí Maymó con aquel arrastrado consejo… Éste, muy serio, emprende su solemne acompañamiento vocal al que muy pronto se le une el público para finalizar con un último y entregado cantar de taberna.

Tras sonrisas y saludos se da por finalizado el concierto, dejándome más que satisfecha aunque sin poder evitar echar de menos esa genial Els guapos són els raros, de su primer disco (que, un apunte curioso, está compuesta por el batería Arnau Vallvé).

Pero habrá más ocasiones. Entre tanto, recurro al Spotify y la escucho repetidamente, a pesar de que ¡maldita sea!, ahora funciona con limitaciones. En fin, ya pagaré cuando se me agoten las horas permitidas. De momento me quedan todavía 8 horas de música, que son aproximadamente 4 professors europeus y 4 bones armadures…
¿Crisis en el sector? Que se lo digan a los Manel.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_manel_300411.html

THE EZRA BEATS + PETER DOHERTY EN BARCELONA! APOLO, 18/ 4 / 2011

2011-04-20T07:48:00.000-07:00

The Ezra Beats

Ayer vivimos una rockera noche de lunes en Barcelona de la mano de los hermanos Doherty. Si bien era el siempre controvertido Peter el protagonista indiscutible de la velada, su hermana mayor Amy Jo (profesora de inglés residente en Madrid que fue, por cierto, la responsable de que Carl Barat y su hermano se conocieran y, en este sentido, de la formación de The Libertines) y su grupo The Ezra Beats despertaron también considerable expectación.

Amy Jo Doherty

Resultaron ser un trío de lo más simpático formado por batería y dos guitarras acústicas, que con sus melodías frescas y sencillas ─aderezadas al ritmo de unas botellas de batido recicladas a modo de maracas que repartieron animadamente entre el público─ nos hicieron pasar un muy buen rato. Rock acústico a dos voces, tan primitivo como auténtico, con desparpajo y feliz tendencia al canturreo contagioso con el que me dieron una muy buena primera impresión.

Unos pocos minutos más tarde de lo previsto y ante un público considerablemente joven ─ chicos y chicas que en su mayoría no parecían superar la veintena─ aparece Peter Doherty con una guitarra y, siguiendo el formato intimista y acústico de su disco en solitario Grace / Wastelands, arranca con Can’t stand me now, uno de los temas más míticos y geniales de Libertines que narra, precisamente, la turbulenta relación entre Barat y Doherty que acabaría desembocando en la final disolución del grupo.

Su característica voz rasgada y su trovadoresco cantar entre caótico y poético es tal vez más apreciable en esta versión acústica, pero en mi opinión se echa de menos, y mucho, el diálogo intercalado y la garra rockera de la original. La sigue Arcady, de su disco en solitario, que sí ha sido escrita para ser cantada sencilla y libre de arreglos como la ocasión exige, para continuar con la juguetona Beg, steal or borrow de Babyshambles. Tras ella What a waster y la romántica For lovers con la irrupción de dos bailarinas que bailotean a su son y que irían apareciendo intermitentemente a lo largo del concierto, en lo que me pareció una pretenciosa jugada completamente innecesaria y absurda. Pero para gustos, colores. Las canciones siguen siendo muy buenas y Doherty, a pesar de sus característicos tambaleos, sonrisas bobaliconas y provocadores cigarrillos ─ no dejó de fumar en todo el concierto y así hicieron también sus adolescentes admiradores que se sentían especialmente rebeldes al saltarse la ley tal y como lo hacía su ídolo─ está en buena forma: afinando, tocando correctamente y deleitándonos con su música que es ─ o debería ser─ el motivo por el que estábamos allí.

Y es que supongo que se lo ha ganado a pulso y que está ya muy visto decir esto, pero de verdad que estoy muy harta de que a Peter Doherty se le conozca más por sus excesos que por sus canciones. Y no lo digo por los periodistas sensacionalistas que lo machacan ni por el ciudadano corriente al que se le obliga a conocer sus trapicheos con camellos y supermodelos, sino por parte del público mismo que se amontonaba ayer en la sala Apolo y parecía estar deseando encontrarse con alguien lo más pasado de vueltas posible. Tengo en mente mientras escribo estas líneas a unos adolescentes que estaban a mi lado y que aplaudían y celebraban con genuino entusiasmo cada vez que Doherty pegaba un trago de lo que fuera y que luego ni siquiera reconocían sus canciones más emblemáticas. (Uno de ellos incluso llegó a exclamar con los ojos brillantes de excitación: ¡Es un porro! ¡Se esta fumando un porro! No lo era, pero si lo hubiera sido, ¿por qué te hace eso tan feliz?, me habría gustado preguntarle). Por supuesto y afortunadamente, no toda la audiencia era así. Muchos otros sí parecían valorarle por el talento que se esconde tras la parafernalia mediática ─ de la que, todo hay que decirlo, Doherty es probablemente el primero en beneficiarse─ y de verdad se emocionaban cuando entonó maravillas como Don’t look back into the sun, Music when the lights go out, The Delaney, What Katie did o The good old days, una de mis favoritas, con la romántica declaración de principios de su memorable estribillo: “If you’ve lost your faith in love and music the end won’t be long”.

Entre canción y canción Doherty lanza latas de cerveza al público, recibe cartas, declaraciones, cigarrillos e incluso un libro del que chapurrea incomprensibles frases en español, con una amabilidad atolondrada que me habría resultado entrañable de no haber tenido a aquellos adolescentes carcajeando cada una de sus gracias.

Suenan también Unbilotitled y The lost art for murder, de Babyshambles, con esa imposible combinación de cruda delicadeza que las hace tan especiales, así como Lady don’t fall backwards, Sheepskin tearaway, Salome, o su último single The last of the English roses, de su disco en solitario. Tras Delivery, llega el turno del himno encrespado que es Fuck Forever, triunfal y provocador a partes iguales. Y para acabar, Albion, su ensoñado y melancólico homenaje al país bajo cuyos cielos negros y azules decidió coger una guitarra y cantarle a la vida…

Antes de marchar saca una botella de algo y tras darle un trago se la pasa a las primeras filas instándoles a que le den un sorbo y la compartan con las demás. Lo que a mí me parece un gesto cómico y espontáneo, para muchos otros no es más que otra excusa para sonreír entre dientes y aplaudirle por desfasado y borrachuzo. En fin, que cada uno le aplauda por lo que quiera. Yo me quedo con sus melodías y su caótica poesía que sí crean adicción pero no dan resaca alguna.

Crónica publicada en Binaural

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JACK DANIEL'S MUSIC DAY! Barcelona, Terraza del Estadi Olímpic, 9 / 4 / 2011

2011-04-15T09:33:00.000-07:00

La terraza del Estadio Olímpico de Montjuic alojó el pasado sábado el esperado Jack Daniel’s Music Day, un mini festival de un día en el que el indie y el bourbon fueron los principales protagonistas. Por sus dos escenarios fueron desfilando un total de quince artistas, tanto españoles como extranjeros, en el prematuramente veraniego anochecer de una Barcelona vestida de fiesta con los colores negro y blanco de su patrocinador.

Estrenó el escenario principal el señor Chinarro, que ante la mirada atenta del público más puntual ─ entre el que se encontraba Jota de Los Planetas que unas horas más tarde iba a hacer su sesión como dj ─ entonó varios temas de su último trabajo ─ Babieca o Vacaciones en el mar, entre otros ─ junto con algunas de sus canciones más emblemáticas como Tímidos, Esplendor en la hierba o Los ángeles.

I am Kloot

Le siguieron los británicos I am Kloot y su pop sobrio y melancólico con influencias dylanianas evidentes en temazos como Northern sky. En el otro escenario, más pequeñito y al aire libre, los gallegos Fran3s y más tarde los catalanes Odio París le dieron caña a las guitarras con su rock lo-fi y su noise envolvente de cosecha nacional, antes de dar paso a Nadiuska, el grupo ganador del concurso de maquetas Jack Daniel’s backstage. Intercaladas las actuaciones con breves sesiones de djs diversos (Dj Capo y Nacho Ruiz en el escenario pequeño y Pin & Pon djs en el escenario principal), hacia las once empezó a sonar el pop con tintes retros de Frankie Rose & The Outs (la misma Frankie Rose que ha tocado en grupos como Vivian Girls, Crystal Stilts o Dum Dum Girls), antes de dar paso a Arizona Baby ─ los vallisoletanos más gringos y barbudos que te puedas echar a la cara ─ y su rock psicodélico con dejes country.

Keith Murray de
We are Scientists

En el escenario grande, We are Scientists hicieron bailar a la multitud con su indie festivalero y juerguista. Liderados por el canoso y carismático Keith Murray, los de California fueron combinando nuevos temas de su último disco como Rules don’t stop me o I don’t bite con los más veteranos que les dieron la fama como Nobody Moves, nobody gets hurt , After hours o The great Scape.

Y finalmente llegó el plato fuerte de la noche de la mano de Nada Surf que, tal y como ya nos había adelantado nuestro paisano Daniel Lorca hace poco, aparecieron acompañados de dos miembros adicionales: Doug Gillard de Guided by voices con una segunda guitarra y Martin Wenk de Calexico a la trompeta (que por cierto, tocarán también en el nuevo disco que están preparando y cuya salida está prevista para el próximo octubre).

Nada Surf

Entrañables y enormes como de costumbre, Matthew Caws, Daniel Lorca e Ira Eliott nos ofrecieron una hora larga de hits memorables y pop cómplice y rejuvenecedor. Versiones pertenecientes a su último disco If I had a wi-fi ─ las geniales Electrocution de Billy Fox , Enjoy the silence de Depeche Mode, o su homenaje a los españoles Mercromina con Evolution ─ nos adentraron felizmente en la madrugada, salteadas con hits atemporales como Inside of love, Happy Kid, 80 windows o su mavilloso himno ensalzador de los buenos sentimientos Always love.

No podían faltar tampoco las más recientes See these bones o Whose authorithy de ese discazo que es el Lucky, con la voz limpia y cálida de Caws arropando profundas reflexiones ─ sobre la muerte, la primera, y la soledad del que no cree en Dios, la segunda─ revestidas de acompañamientos guitarreros y melodías tan contagiosas que se quedan contigo para siempre. Para finalizar semejante celebración de la grandeza del pop, nada mejor que su Blankest year y su memorable tonadilla “Oh fuck it, I’m gonna have a party”, coreada por el público con feliz entrega.

Para acabar la velada, el electro experimental de Cold Cave y la sesión indie de dj Juli (de Love of lesbian) y Los Planetas djs nos acompañaron hasta que el cierre nos sorprendió antes de lo que esperábamos.

A pesar de las largas colas para los lavabos, barras etc. ─ que afortunadamente los de prensa nos ahorramos al tener acceso a la muy cuidada zona vip que, tengo que apuntar, me pareció llena de gente apalancada a la que lo último que le interesaba era la música ─ y los problemas de sonido ─ especialmente en el escenario pequeño ─ nos despedimos del primer festival de la temporada con un muy buen sabor de boca. Con una sonrisa adormilada bajamos las escaleras hasta las fuentes de Montjuic y contemplamos cómo Barcelona amanece a nuestros pies al son de buenos estribillos que todavía rondan por nuestras cabezas y nos recuerdan lo especial de la velada. Esperamos poder repetirla el año que viene.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
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SHOUT OUT LOUDS EN BARCELONA! APOLO 2, 6 / 4 / 2011

2011-04-15T08:33:00.000-07:00

El quinteto sueco Shout Out Louds hizo parada ayer en Barcelona para deleitar a los pocos afortunados que decidieron pasar del fútbol y se reunieron en la sala Apolo a darles la bienvenida tras 4 años sin atravesar nuestras fronteras. (No pisaban España desde el Summercase en el que casualmente el cantante vestía una camiseta del Barça, así que es probable que el público no fuera el único que lamentara la coincidencia de fechas).

Su 1999 fue la encargada de abrir la noche, tal y como lo hace también en el nuevo disco que venían a presentar. Titulado Work, su último trabajo deja algo de lado los efectos de producción y la gran diversidad de instrumentos que caracterizaba el sonido de sus predecesores para apostar por un estilo más sobrio y sencillo. El resultado es bueno, aunque en mi opinión, no llega a alcanzar la esplendidez de sus dos discos
anteriores. Es probable, sin embargo, que el listón estuviera muy alto.

Shout Out Louds en el Apolo. Foto: Ana Hernández

La sigue South America, sensible y hermosa a pesar de los engorrosos problemas de sonido que por desgracia empañaron ligeramente todo el concierto, para continuar con el primer temazo de la noche: Very Loud, de su álbum de debut. Tras otras tres canciones nuevas ─ Paper Moon, Fall Hard y Candle Burned Out ─ llega el subidón absoluto con la siempre maravillosa Tonight I have to leave it, en la que el cantante venció su reconocible timidez para bajar a la pista y dejarse arropar por una audiencia entregada y feliz.

Después de Throwing stones suenan los familiares acordes de otro tema antiguo y genial. Se trata de The Comeback, con esa curiosa combinación de escándalo guitarrero y delicada belleza que caracteriza ese primer disco que les presentó al mundo. Y luego, ¡qué feliz sorpresa!, una de mis favoritas: Your parents livingroom con su emocionante estribillo y la voz única del cantante y compositor Adam Olenius tejiendo con nostalgia unos recuerdos de infancia en los que todo el mundo puede identificarse. La sigue Too late, too slow ─un poco flojilla, a mi parecer─ y una marchosa antes de los bises: Please, please, please.

Los problemas de sonido se ceban en Hard Rain, enmudeciendo por completo el trozo que canta la chica Bebban Stenborg. Y de nuevo, una joya: Impossible, otra canción triste ─ su segundo disco Our ill will está lleno de ellas─ capaz de hacer feliz a la gente.

Para acabar, Walls, su último single, un buen tema pegadizo y canturreable aunque tal vez incapaz de darle al concierto el triunfal final que habría merecido.

Saludan y desaparecen, probablemente hacia el autobús que les llevará a Madrid donde han agotado entradas. Finaliza así el concierto, haciendo evidente que, a pesar de los problemas de sonido y el mejorable carisma de los inexpresivos integrantes del grupo─ entre los que, achaquémoslo a la frialdad sueca o a la muy apretada agenda de conciertos del grupo, reconozcámoslo, no parecía haber mucha química ─ las buenas canciones hablan por sí solas y son suficientes para ofrecer una muy memorable velada. Desde aquí les suplico que vuelvan pronto y en un intento de parecer ingeniosa, lo hago tal y como lo hacen ellos: Please, please, please, come back to me!

Crónica publicada en Binaural
http://www.binaural.es/cronica-concierto/shout-out-louds-barcelona-sala-apolo-06-abril-2011/

ENTREVISTA A NADA SURF

2011-04-08T04:42:00.000-07:00

El trío norteamericano Nada Surf – Matthew Caws, Daniel Lorca y Ira Elliot- es un feliz ejemplo de que el talento, la constancia y la humildad tienen su recompensa aún cuando la industria musical te da la espalda. Catapultados repentinamente al estrellato más frívolo de la MTV con su “Popular”- que criticaba precisamente los pilares de ese mismo sistema hipócrita y superficial que les dio la fama- su discográfica Elektra (división de Warner) dejó de respaldarles poco después al no considerar su siguiente disco “The proximity effect” suficientemente comercial. Tras batallas legales obtuvieron los derechos de la controvertida grabación y a partir de entonces lo hicieron a su manera. Cinco discos y once años después, Nada Surf han alcanzado la madurez de la mejor manera posible: respaldados por el respeto de unos fans que no entienden de modas ni de estrategias de marketing sino únicamente de buenas canciones.

Tengo el privilegio de hablar por teléfono con el simpático bajista Daniel Lorca, de familia madrileña pero afincado en NY desde su infancia. A pesar de pillarle en pleno festejo familiar y de la ínfima calidad del modo manos libres de mi móvil, soporta mi exhaustiva entrevista con gran amabilidad y durante casi una hora comparte conmigo sus proyectos y sus batallas del pasado. Esto es lo que me cuenta:

¿Por dónde andáis ahora? ¿Ya estáis en España no?

Sí, yo ya estoy por aquí. Mateo (se refiere a Matthew Caws, cantante, guitarrista y compositor de Nada Surf) tenía que irse a Inglaterra a estar con su chaval y yo he aprovechado y me he venido aquí antes de hacer la gira para estar con la familia. El miércoles tocamos en Toledo, el jueves en Granada y el sábado en Barcelona.

Sí, el sábado nos veremos en el Jack Daniel’s Music Day, ¿Conoces a alguno de los grupos con los que compartiréis cartel?

Sí, I am Kloot, We are Scientists… a estos últimos tenemos muchas ganas de verlos

Creo que estáis a punto de sacar un nuevo disco…

Sí, desde octubre que estamos tocando y llevamos ya un par de meses de preproducción bastante fuerte, componiendo y arreglando todos los días. Ya tenemos fecha para entrar en el estudio, a finales de abril. Esta vez, en vez de trasladarnos a Seattle o a San Francisco y pasarnos allí un par de meses en un estudio, como hicimos con los anteriores, hemos decidido quedarnos en NY y grabarlo allí. Como los estudios son tan caros en Nueva York queremos tener las canciones bien preparadas antes de entrar. Masterizaremos el 1 de junio y el disco saldrá la primera semana de octubre en Europa y a mediados en EE UU.

¿Y podremos escuchar algún nuevo tema en los conciertos o todavía no?

Pues mira, la verdad es que nosotros sí queremos, pero toda la gente del bussiness de la música nos dice “No, no, guardaros las canciones, ni se os ocurra tocar ninguna canción nueva”. Nosotros hemos dicho: “Ah, bueno, vale”, pero yo estoy seguro de que nos haremos los tontos y alguna caerá fijo… al menos un par, ¿no?

Claro, hombre, ¿y por qué están tan en contra de que toquéis alguna?

Pues supongo que para generar más expectativa y evitar que se filtre alguna canción por ahí en la web… Yo creo que es más bien una cosa de logística del bussiness, toda esa parte que a nosotros no nos interesa tanto, ya que lo que nos hace ilusión ahora mismo es eso, saber lo que la gente piensa de las nuevas canciones. También nos gustan las canciones antiguas, claro, pero siempre es más emocionante tocar una cosa que todavía no has tocado nunca.

Así como en Lucky, contasteis con muchas colaboraciones, como con Ben Gibbord de Death Cub for Cutie o John Roderick de Long Winters, ¿podemos esperar alguna para este nuevo disco?

Tenemos una muy especial, la de Doug Gillard, guitarrista y co-compositor de Guided by Voices, que es un grupo que nosotros idolatramos. Ya en nuestro último disco de versiones “If I had a hi-fi”, hizo unos punteos en un par de canciones y se vino de gira con nosotros, y bueno, tocar en vivo con una segunda guitarra fue un lujazo. Y para este disco ya va a estar desde el principio, de hecho, la semana pasada ya tocamos con él. Cuando estábamos en Seattle las colaboraciones surgieron de manera muy espontánea. Lo de Death Cub surgió una noche que se vinieron a cenar, yo estaba acabando de preparar la cena y Mateo estaba grabando unos coros y les dije “Oye, por qué no os vais abajo a meter coros también”, y así fue. En nuestro loft en NY sucede algo parecido, muchos grupos que están de gira se quedan a dormir en casa o dejan la furgoneta en nuestro garaje… Otro que sabemos que vendrá seguro es Martin Wenk, el que toca la trompeta en Calexico, con el que también hemos estado de gira varias veces y al que le apetecía mucho venir a NY y colaborar con el disco... y luego ya los que caigan.

¿Cómo surgió la idea de hacer un disco de versiones? ¿Surgió también como las colaboraciones, de manera espontánea?

Pues la idea surgió un poco para poder tomarnos un descanso. Escribir un disco nuevo y componer las letras y todo es mucho trabajo. No queríamos tardar mucho en sacar otro disco tras la gira pero tampoco queríamos ponernos a escribir canciones nada más llegar. Nuestras letras son muy personales, hablan de nuestras vidas y no íbamos a volver de gira y ponernos a escribir sobre cómo había ido, nos hacía falta vivir un poco. Nos planteamos la posibilidad de grabar un disco de versiones y nos pareció una idea interesante. Por otro lado coincidió que justo un productor amigo nuestro acababa de montar un estudio. Nosotros queríamos que se viniera de gira pero él nos dijo que no tenía un duro y que no podía. Estuvimos hablando y quedamos en que grabaríamos el disco de versiones en su estudio y así el ganaría el dinero suficiente para poderse venir de gira con nosotros. La verdad es que fue muy fácil porque sabíamos perfectamente que no iba a ser un disco que iba a definir nuestras más altas influencias ni iba a reflejar lo que pensábamos que eran las mejores canciones del mundo. Mateo e Ira se venían a casa a cenar o a tomar unas copas y cada uno con nuestro ordenador nos íbamos poniendo canciones. “Ah, mira, pues yo he estado escuchando mucho esto”, “Ah, mira, pues yo esto”, y así acabamos con una lista de ciento y pico canciones y luego poco a poco fuimos haciendo la selección.

Normalmente a los grupos que hacen versiones se les suele acusar de falta de ideas y sin embargo vuestro disco ha recibido muy buenas críticas, ¿A qué crees que se debe esto?

Yo creo que ha sido porque lo hemos hecho con muchísimo cariño y nos lo hemos tomado muy en serio como cualquier otro trabajo nuestro. Somos muy perfeccionistas y nos comemos muchísimo el coco cuando hacemos un disco y eso se refleja en este último también. Menos el haber escrito la letra y la música de las canciones, el resto del proceso ha sido exactamente igual que para cualquier otro disco de Nada Surf. Las hemos arreglado juntos con muchísimo esmero y cuidado, intentando aportar nuestro propio estilo. De hecho, había un montón de canciones que yo no conocía y que después de haberlas oído y de que me parecieran canciones acojonantes, me negué a volverlas a escuchar porque no quería aferrarme a la versión original, sino que quería tener la libertad de poderles poner mi propia influencia y mis propios arreglos.

Tras todos los problemas que tuvisteis con Elektra Records, ¿habéis ya descartado por completo volver a grabar con una multinacional?

Yo creo que a estas alturas sería una estupidez para un grupo como nosotros, que ya tenemos una base bastante sólida, aunque no sea muy grande. Somos totalmente independientes y los sellos que tenemos son sellos de distribución, nosotros entregamos el producto completamente acabado y luego los diferentes sellos que tenemos lo distribuyen. Tenemos varios: uno en Japón, otro en Australia, otro en EEUU, otro para Europa menos España y otro diferente para España. La grabación la hacemos con gente con la que nos gusta trabajar y con la que nos llevamos bien, volver otra vez a los sellos multinacionales no vendría a cuento para nada.

Tengo entendido que Ernie records tiene previsto reeditar todo el catálogo de Nada Surf en España…

Así es. Le tenemos un especial cariño a España y estamos hartos de la mala distribución que hemos tenido aquí, así que estamos trabajando con Ernie, que es un amigo de hace años, para que poco a poco su sello saque todos nuestros discos hasta que salga el nuevo en octubre, que sacaremos con él también.

¿Tendrán estas reediciones algo que no tenían los originales? ¿No os da miedo que la gente no vaya a comprarlos teniendo en cuenta que llevan ya tanto tiempo en circulación y que pueden conseguirse fácilmente por internet?

No, porque estamos hablando de cantidades relativamente modestas para los fans de verdad que, por ejemplo, no pudieron ir a un concierto y no pudieron comprar un disco concreto. Lo que sí tenemos planeado hacer cuando salga el disco nuevo es sacar un box set, una caja con todos los álbumes en vinilo, con un libreto súper especial con muchas fotos y con cosas muy divertidas.

Si tuvieras que quedarte con una canción de Nada Surf, ¿con cuál te quedarías?

Suele ir cambiando y va por épocas, puedes tener una canción favorita cuando se estrena el disco y luego cuando llevas ya un par de meses de gira hay una canción que toma otra vida y que de repente se convierte en algo súper especial. Ahora mismo yo me quedaría con una nueva en la que estamos trabajando y que se llama “No snow in the mountain”. Es una de las que más se nos ha resistido pero creo que esta última semana ya la hemos empezado a domar, o nos ha empezado a domar ella a nosotros. De momento es la canción con la que me despierto por la mañana y la que tengo en la cabeza cuando me voy a dormir.

Una de las canciones que más me gusta de Nada Surf es “Whose Authority” pero nunca he logrado entender bien su significado, ¿me lo podrías explicar?

La canción gira en torno al problema con el que se encuentra una persona que no es religiosa, que no tiene fe en una entidad divina o sobrenatural o como quieras llamarlo. Esto es engorroso ya que no puedes creer ciegamente en algo y en este sentido es mucho más difícil ser ateo, ya que no puedes esconderte ni refugiarte en ninguna otra autoridad diferente de la de tu propia persona…. ¿Entiendes lo que quiero decir?

Sí, sí, ya te entiendo. Uno está un poco como desamparado…

Si, uno se puede encontrar un poco solo y las cosas tienen que discurrir desde otros puntos de vista, como puede ser la moral, por ejemplo.

Durante mucho tiempo identifiqué Nada Surf únicamente con la canción “Popular” ¿Crees que eso pueda haberle pasado a más gente y que a pesar del exitazo que fue, en este sentido, “Popular” haya podido cerraros alguna puerta?

Pues yo francamente creo que no, porque, aunque fue una subida espeluznante en la montaña rusa, hemos acabado teniendo la carrera profesional que siempre habíamos querido. Poco a poco, quitando la anomalía que supuso de repente tener esta canción, con nuestros otros discos, hemos conseguido lo que queríamos: Sin ser súper enormes, no ser tampoco totalmente desconocidos y poder vivir de nuestra música. Cada vez tocamos en sitios un pelín más grandes pero sin tener que tocar en estadios todas las noches. Yo creo que “Popular” nos ayudó a captar una base de cierta gente y que algunos se quedaron con nosotros y otros no. Es decir, que en ningún caso diría: “Ojalá nunca hubiéramos tenido ese exitazo”. De hecho es una de mis canciones favoritas de Nada Surf, una de las más oscuras y crueles que tenemos. Mucha gente no lo captó, se creían que estábamos ensalzando el sistema de los colegios americanos y no supieron ver la crítica. La canción es muy oscura y está dirigida también a los consejos de los adultos cuando uno es joven, a esos rocambolescos y kafkianos consejos que dan los adultos a los adolescentes. A mí lo que me impresionaba cuando tenía 15 o16 años era el hecho de que adultos me daban unos consejos que ni yo ni ellos mismos respetaban. Gente que ni siquiera era feliz me decía que lo importante era hacer esto y lo otro y buscar un trabajo y casarse y bueno, todo esto lo exageramos en la letra de "Popular". En un momento dado tienes que mandarlo todo a la mierda y decidir por ti mismo sobre lo que es importante en la vida. Yo me acuerdo muy bien, por ejemplo, cuando mi hermano mayor me decía: “No puedes vivir como ovejita porque te van a comer los lobos” y yo pues es una cosa que nunca me creí, prefiero morir como ovejita y no hacerle daño a nadie que ir por ahí comiéndome a la gente.

Otra canción que me encanta es “Happy Kid” y a pesar de que es tan melódica y enganchosa siempre me llena de una cierta nostalgia. ¿Consideras que es una canción alegre o más bien triste?

La música y las letras siempre tienen un valor de interpretación. Yo por ejemplo cuando estoy triste me puedo poner una canción triste y me eleva el ánimo porque me hace pensar que no soy ni el primero ni el último en sentirse así y eso me puede dar un cierto nivel de esperanza. Creo que la música, las letras, el rock’n’roll, el pop, tienen un cierto aspecto curativo. Y la letra de “Happy Kid” tiene dos facetas, porque por una parte estás diciendo que no eres más que un chaval contento y bueno, pues eso es una cosa muy guay, pero por otro lado, tener 35 años y decir que no eres más que un chaval contento, eso ya supone que te estás escapando de la realidad y que se trata de una felicidad transitoria o superficial.

¿Qué grupos escucháis? ¿Cuál es el último disco que te has comprado?

La verdad es que desde octubre estamos con el nuevo disco y he estado un poco desconectado de los grupos que han ido saliendo. Mateo es el que está todo el día escuchando cosas nuevas y aconsejándome sobre los grupos que cree que me van a gustar. Nos conocemos desde que tenemos 14 años y es mi principal fuente de música nueva, me conoce perfectamente y sabe perfectamente lo que me gusta. A veces escucha algo y dice: “Esto le va a encantar a Daniel” y entonces me lo pasa, y hace poco me pasó un disco que me encantó, de unas chicas americanas que se llaman Dum Dum Girls.

En el intervalo que tuvisteis problemas legales con la discográfica, tengo entendido que os pusisteis a trabajar…

Sí, Mateo había trabajado ya de más joven en una tienda de discos y había sido redactor en la segunda revista más grande de EE UU y yo era programador y volví a escribir unos cuantos programas, pero bueno, fue poca cosa, un año, un año y medio. Luego ya nos pusimos a currar para elaborar la estructura post Elektra. Bueno post Elektra y post de todo, porque acabamos con todo, ya no teníamos manager ni promotor de conciertos ni nada. Eso fue un curro, nos tuvimos que montar una gira para ir a presentar el disco que no había salido y nos fuimos de NY hasta Los Ángeles. Teníamos pensado llegar y grabar un disco allí, pero no sabíamos si podríamos alquilar el estudio justo cuando llegáramos. Resulta que justo el grupo que estaba grabando el disco allí se disolvió porque sus miembros se pelearon entre ellos. Como estaban con una multinacional, el sello ya había pagado el estudio y nosotros pudimos grabar un par de semanas gratis y luego un poco más con el dinero que habíamos conseguido vendiendo discos y camisetas en la gira de camino, así que tuvimos mucha suerte.

Os debisteis asustar en algún momento, ¿no? Pensar: Bueno, esto se ha acabado…

Bueno, nosotros teníamos mucha fe y ya nos habíamos dado cuenta de que si uno quiere hacer música nadie te lo va a impedir, aunque estés trabajando en una oficina o donde sea. Esta fue de hecho la historia de Nada Surf, surgió como nuestro antigrupo. Mateo y yo estábamos currando, yo programaba y ganaba una pasta… me cogía una avioneta privada para largarme al Caribe con mi novia en su cumpleaños y la invitaba a una estancia en una isla privada…

(Risas) Debías de ser muy buen programador…

Bueno en NY los sueldos son muy altos y yo estaba metido en todo ese mundo de la programación justo cuando empezaba el mundo del Internet, las webs y todo… Por otra parte Mateo también estaba súper contento siendo redactor. Tocábamos los fines de semana pero nada, sin hacer conciertos ni nada y un día nuestros amigos empezaron: “Oye, venga, va, pesaos, por qué no hacéis un concierto que estáis siempre tocando y nunca venís a las cenas ni a las fiestas, siempre en el sótano, a ver qué coño estáis haciendo”. Entonces bueno, pues decidimos hacer un concierto. Y tampoco queríamos tener nombre, ya te digo, era nuestro antigrupo, no teníamos ningún interés en que la gente nos conociera y se nos ocurrió llamar al grupo “Nada”, que es una palabra que se utiliza mucho en EE UU. Cualquier americano, aunque no hable ni una palabra de castellano, la conoce. Pero luego a los pocos días nos enteramos de que había un grupo de San Francisco que había sacado un disco bajo ese nombre y entonces Mateo dijo: “Mira si le ponemos lo de surf detrás seguro que no hay ninguno con ese nombre porque no puede haber nombre más raro”. Al principio me pareció horrible pero luego pensé que no era tan horrible porque podía significar “surfear sobre la nada”, osea, aunque todo sea una puta mierda, si consigues sobrevolar tus problemas y surfear por encima del vacío consigues estar por encima, sobrellevar las preocupaciones.

Ah vale… qué curioso, nunca lo había pensado

(Risas) Pues sí, así fue...

¿Y qué planes tenéis ahora?

Pues esta semana hacer gira por España, luego Mateo se tiene que volver a Inglaterra y el 18 hemos quedado por la mañana en casa en NY para tocar. Ya llevaremos casi dos semanas sin tocar las canciones nuevas y nos las vamos a currar una semanita más -que si nos va a hacer falta piano, que si nos va a hacer falta trompeta tal y cual- y empezamos el día 25 a grabar en NY con un ingeniero que se llama Cris Shaw que es buenísimo. En un principio queríamos hacerlo nosotros, pero un tío como ese que ha hecho discos acojonantes (Super Furry Animals, Bob Dylan, Weezer, Jeff Buckley o Lou Reed, entre otros) pues eso tiene un valor incalculable. Y luego ya en junio cuando acabemos el disco grabaremos el video, nos haremos la sesión de fotos obligatoria y para finales de agosto empezaremos la promo en EE UU y en Europa. Se supone que a principios de julio nos íbamos a ir a Japón pero no sabemos cómo estarán las cosas… Y luego ya empezaremos la gira por Europa y EE UU a finales de septiembre o por ahí.

Muchísimas gracias por tu tiempo y nos vemos el sábado en el Jack Daniel’s Music Day…

Sí, allí nos veremos. Va a ser muy especial porque seremos un súper grupo, cinco en el escenario: nosotros tres junto con Doug Gillard de Guided by voices y Martin Wenk de Calexico….

Entrevista publicada en Paisajes Eléctricos Magazine

http://www.paisajeselectricos.com/material/entre_nada-surf_0411.html

Nada Surf, siempre a la altura

www.nadasurf.com
www.myspace.com/nadasurf

Fran Healy, Barcelona, Sala Be Cool, 18 /02 / 2011

2011-02-25T09:08:00.000-08:00

Estaba un poco preocupada por lo que este concierto pudiera depararme. Travis es uno de los grupos más míticos de mi adolescencia y uno de los que más han conseguido emocionarme en directo. Me daba un poco de miedo que el buen recuerdo que guardo de ellos pudiera quedar algo empañado con esta presentación del disco en solitario de su líder que, por mucho que me pese- odio decir algo negativo de esa entrañable criatura que es Fran Healy- me había dejado un poco decepcionada. Sin embargo, no exagero si digo que el recital que nos regaló el viernes en la muy pequeña y familiar sala Be Cool, quedará grabado en mi memoria como uno de los más especiales a los que he asistido en mi vida.

Travis

Sale él solo con su guitarra y su sonrisa amable y de pronto es como si un amigo hubiera tomado el escenario. Las canciones suelen ser pequeñas historias con música, y las de Fran Healy te llegan al corazón porque son tan honradas y asequibles que acaban siendo tuyas. Él nos las regaló, desnudas y vulnerables, sin más arreglos que su voz, su guitarra acústica y las historias que las inspiraron.

Healy parece ser el primero en saber que el suyo es un público nostálgico y arranca con una vieja cara b de Travis, 20, una preciosa melodía de despedida a la adolescencia que escribió cuando cumplió tan señalada edad y según él “una de las primeras que compuse que no resultó ser una mierda”. No sólo no es una mierda sinoque es una de esas canciones que te absorben en su particular universo, y así, escuchándole cantar sobre clases de lengua y amores adolescentes, recuerdo la primera vez que escuché aquel tema, en el Razzmatazz, en la gira de presentación de The invisible band y siendo yo una quinceañera con los mismos miedos y esperanzas que los que narra la canción. Me sorprendo de repente perdida en mis propios recuerdos, con la piel de gallina y sin saber bien si me siento melancólica o contenta, o las dos cosas a la vez. Y el concierto apenas acaba de empezar.

La sigue Holiday, de su reciente Wreckorder – la canción que suena más a Travis del disco, probablemente porque colaboró Andy Dunlop con su característica guitarra punteada- y luego su maravillosa Writing to reach you, una canción que siempre me ha encantado y que ahora, conociendo el contexto en la que fue escrita y que tan cómicamente compartió Fran con nosotros- el mal de amores, el invierno en Glasgow, los Oasis en la radio y el futuro incierto- todavía me gusta más si cabe.

Luego, la romántica Anything seguida de As you are, de nuevo acompañada de una anécdota, esta vez una muy bonita y emocionante historia sobre el poema que un desconocido en un tren le escribió siendo él un niño. Fly in the Ointment, Side, As it comes – cuya línea de bajo fue tocada en el disco por el mismísmo Paul McCartney- Sing, Rocking chair- una triste melodía sobre el Alzeimher- Sierra Leone- un simpático bonus track que no llegó a incluirse en el disco…, los nuevos temas se van combinando con grandes éxitos del pasado- obviando, curiosamente, su último single Buttercups- hasta que tras Re-offender - su canción sobre la violencia de género incluida en aquel disco algo oscuro que nos explica que fue 12 memories- empieza el turno para las peticiones. El público le lanza sugerencias que él acoge con alegre diligencia, y así tenemos el privilegio de escuchar canciones que no suele tocar en directo como la intimista Dear Diary o la preciosa Indefinitely. No podían faltar tampoco My eyes- la canción que compuso cuando nació su hijo- o Flowers in the window, desbordante como siempre de primaveral exaltación romántica. La siguen Pipe dreams, el cover de Britney Spears Baby one more time- que suena cojonudo, para que vamos a engañarnos- y la triunfal y brillante Turn.

Healy firmando autógrafos, ¡qué majete! Foto: Tunya

Se despide muy cariñosamente y cuando estamos ya resignados a marcharnos- de verdad parecía que no iba a salir y tras dos horas de generosa entrega, nadie iba a reprochárselo- aparece de nuevo. Les toca entonces el turno a otras dos maravillas: Driftwood y Closer.

Finalmente, Healy decide acabar con dos de sus temas más antiguos y britpoperos, All I want to do is rock y Happy, y el estribillo de “I’m so happy cause you’re so happy” parece más apropiado que nunca. Sin embargo, por si todavía no nos hemos enterado, una vez acabado el concierto se baja del escenario para firmar autógrafos y hacerse fotos con todo el mundo.

Buenas canciones hay muchas, pero canciones capaces de transmitir y emocionar tanto con tan sólo una voz y una guitarra no hay tantas. Las de Healy son melodías de una belleza sencilla y sincera que te acarician el alma y te guían por delicados parajes como una gentil y generosa mano amiga. Música humilde y con sentimiento para redescubrir la parte más dulce y bonita de la vida.

Crónica publicada en Paisajes Electricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_fran-healy_180211.html

LORI MEYERS + ELASTIC BAND, Barcelona, Apolo, 28/01/2011

2011-02-04T08:06:00.000-08:00

Elastic Band

La noche del pasado viernes Barcelona se llenó de gracia rockera procedente de Granada. La de Elastic Band nunca la había presenciado en directo y me sorprendió muy gratamente con una arrolladora interpretación de su muy original álbum de debut “Boggie Beach Days”. Mandolinas psicodélicas, curiosas bases pregrabadas, batería cañera y ritmillos bailables combinados con destreza para crear un directo intenso y diferente. Liderados por Pablo Román- ex Cecilia Ann- sobrado en vozarrón y tablas, canciones como “My right time”, “A little bit of loving” o “Oh my soul!!” me dejaron con un muy buen sabor de boca y ganas de verles pronto de nuevo.

Lori Meyers chuleando de gafas

Los Lori Meyers llegaron después, muy elegantes con sus americanas y sus corbatas, y mientras arrancaban con su “Viaje de estudios”, no pude evitar acordarme de la primera vez que les vi, hace ya tiempo, en aquella misma sala y presentando aquel mismo disco, cuando actuaron como teloneros de mis queridos Ash. Por entonces yo no les conocía de nada, aunque sí recuerdo quedar muy contenta con su indie greñudo y guitarrero.

Cuatro discos y siete años después, bastaba echarle un vistazo al abarrotado Apolo para comprobar lo bien que les han ido las cosas desde entonces. Ya desde los primeros acordes quedó clara la dinámica que imperaría durante la noche: Lori Meyers quiere a su público y su público les quiere a ellos de igual forma. Ellos se emocionan y el público se emociona viéndoles. Es tan sencillo y a la vez tan complicado como eso.

Tener un repertorio brillante, desde luego, ayuda, y de eso les sobra a los granadinos. Desde temas más veteranos como “Dilema”, “La mujer esponja", “Hostal Pimodán” o mis favoritas “Ham’a’cuckoo” o “Sus nuevos zapatos” hasta nuevas joyas como “Nuevos tiempos” o “Explícame”, las buenas canciones se fueron sucediendo una tras otra durante las casi dos horas que duró el concierto.

Mención especial mereció la siempre fantástica “Luciérnagas y mariposas” que contó con la colaboración especial de Santi Balmes y Julián Saldarriaga de Love of Lesbian o por supuesto, sus grandes éxitos “Luces de neón” o la más reciente “Mi realidad”, acogidas con entusiasmo por un público entregado y bailongo. Y es que el buen rollo era generalizado y auténtico, no de las típicas gentes fiesteras que se apuntan al carro de ver al grupo del momento, sino basado en la auténtica alegría del que disfruta con la música del artista al que respeta.

Noni
Foto: Iván González

Liderados por el larguirucho y carismático Noni, (que me hizo pensar – creo que sólo a mí- en un Jarvis Cooker hippioso y andaluz), que se turnaba entre el órgano, la guitarra y los bailoteos, Lori Meyers eran a la vez causa y consecuencia de este buen rollo, generándolo y nutriéndose de él a partes iguales. Tras los primeros bises, sus temas más discotequeros y controvertidos “Religión” y “¿Aha han vuelto?”, este último con un divertido asalto al escenario de chicas que lanzaban cintas ochenteras al público en referencia a su recién estrenado videoclip. Luego, un par de versiones, “Esperando nada”, de Antonio Vega y “La caza”, su muy acertada versión de Juan y Junior incluida en su segundo disco “Hostal Pimodán” y canción a la que siempre le he tenido un cariño especial.

Y para concluir por todo lo alto, su himno “Alta fidelidad” con un divertido final de palmas y cierto deje aflamencado. Alta fidelidad la que se ganaron a pulso en una Barcelona inusualmente desapacible y lluviosa, tal vez porque la ciudad había almacenado todo su calor en el Apolo para darles la bienvenida que se merecían.

Clicka encima para escuchar en spotify una selección de canciones de Lori Meyers (mis favoritas)

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_lori-meyers_280111.html

VELVET GOLDMINE (TODD HAYNES, 1998)

2011-01-24T01:21:00.000-08:00

"Un hombre es menos sincero cuando habla de si mismo. Dadle una máscara y os dirá la verdad." (Oscar Wilde)

Velvet Goldmine narra el ascenso a la fama del ficticio cantante de glam rock Brian Slade (Jonnathan Rhys Meyers), a través de las investigaciones de un joven periodista (Christian Bale) al que le es encomendado escribir sobre su paradero tras años de silencio y olvido.

Dirigida por Todd Haynes (Poison, I’m not there) en 1998, podría hablarse de esta película como de un falso documental, ya que sus dos protagonistas están profundamente influenciados por las figuras de David Bowie e Iggy Pop, así como por otros personajes de la escena del glam rock inglesa y norteamericana.

Estructurada a partir de diferentes saltos en el tiempo, la primera escena del film se remonta al Dublín de la época victoriana, a las puertas de una casa en la que misteriosamente aparece un bebé Oscar Wilde con una esmeralda verde en su chaqueta. Dicha joya sirve como el hilo conductor que teje el argumento, un amuleto que pasa de personaje a personaje, impregnando de brillante luz cada una de sus historias.

La que más brilla es sin duda la de Brian Slade y la de su alter ego galáctico Maxwell Demon (evidente referencia al personaje Ziggie Stardust que encarnó el joven Bowie en su mítico disco conceptual The rise and fall of Ziggie Stardust and the Spiders from Mars), un joven músico inglés que revoluciona la juventud setentera al izar la bandera de la fastuosidad y la ambisexualidad como forma de vida y/o como principal reclamo publicitario. Felizmente casado con la también muy extravagante Mandy Slade (Toni Collette), su matrimonio se tambalea cuando entra en escena el salvaje rockero pasado de vueltas Curt Wild, brillantemente interpretado por un joven (y guapísimo) Ewan McGregor, en un momento en el que su carrera musical está de capa caída debido a su adicción a la heroína. Slade ayuda a Wild a salir del pozo en el que se encuentra, ofreciéndole proyectos musicales en común y apoyo incondicional (que en la película desemboca en una tortuosa historia de amor), en lo que es un claro paralelismo de la amistad y las colaboraciones que Bowie y Iggy Pop mantuvieron desde mediados de los setenta.

Mención especial merece la escena en la que Curt Wild interpreta con su grupo The Rats, el éxito de los Stooges “Tv Eye” y que el propio McGregor entona en la realidad, con sus admirables dotes como cantante.

Las referencias a la persona y las obras de Oscar Wilde abundan en la película, en forma de citas y diálogos de los personajes que, como el genio de Dublín, hacen gala de la ostentación y el escándalo desde su perspectiva más poética y literaria.

Y es que tal y como alude la cita que abre este escrito, ésta es una película de máscaras y disfraces: de encubiertas identidades sexuales, de amores escondidos, de artistas que se visten de brillantes criaturas del espacio, de mensajes encerrados tras canciones, guitarras y maquillajes estrafalarios.

La excelente banda sonora incluye temas de T Rex, The Stooges, Roxy Music o Lou Reed, así como canciones especialmente compuestas para la ocasión por gentes como Thom Yorke o Pulp, un maravilloso broche final para culminar esta exhibicionista celebración de la grandeza del rock y de sus excéntricos protagonistas.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/velvet-goldmine.html

CELEBRACIÓN

2011-01-07T04:39:00.000-08:00

Era la noche de fin de año y la familia Rodríguez comía langostinos y canapés de salmón.

-Esta todo buenísimo mamá- dijo Clara, la hija mayor.

-Gracias, puedes llevarte lo que sobre, así Edu podrá probarlo. Qué lástima que se haya puesto enfermo justo hoy.

Al escuchar aquello Clara sintió como se le humedecía la mirada. No, Edu no lo probaría, porque tras dos meses de matrimonio se había dado cuenta de que no le gustaba la vida de casado y se había largado de casa.

-Gracias, buena idea.

-Por cierto Santi- dijo Eva dirigiéndose a su hermano pequeño- Ayer me encontré con tu amigo Gerard, está muy guapo, a Sandra le encantó y me pidió que se lo presentara.

Santi forzó una sonrisa y sintió como le daba un vuelco el corazón. Era un hipócrita, tenía que explicárselo de una vez. ¿Pero que iba a decirles? Gerard nunca se va a fijar en ella, a él le gustan los hombres, como a mi, ¡qué cosas! ¿Me pasas la mantequilla? Decidió cambiar de tema.

-¿Qué harás luego, te irás de fiesta?

-Vendrá Víctor a recogerme en coche e iremos al local de un amigo- mintió.

En realidad, se irían directos a casa porque al día siguiente tenía que servir desayunos a extranjeros resacosos en el hotel en el que acababan de contratarla. Sus padres todavía no sabían que la habían despedido de su último trabajo así que no tenía demasiado sentido explicarles aquello.

-Hay muchos borrachos sueltos- dijo su padre preocupado- ¿No sería mejor que fuerais en transporte público?

Al acabar de cenar, se sentaron frente a la televisión y en silencio, formularon un deseo.

El señor Rodríguez no pudo seguir el ritmo de las campanadas y seguía comiendo las uvas tranquilamente una vez tocadas las doce. Cada año la misma broma.

-¡Pero papá, la gracia está en comérselas a tiempo!

-Yo voy a mi ritmo- contestó con una sonrisa resignada. Todos soltaron una carcajada y por unos segundos se sintieron arropados y cercanos como en los viejos tiempos. Luego salieron a la calle y continuaron con sus vidas.

A veces las familias ocultan secretos...

Relato ganador del segundo premio en castellano de la segunda edición del concurso de relatos Breves del Diari de Terrassa (diciembre 2010)

A CIEGAS

2010-12-06T05:57:00.000-08:00

El invierno había cubierto Barcelona de frío y sombra. A través de un cristal empañado, el joven escritor contemplaba la ciudad que despertaba. Se sentía alicaído, triste, falto de inspiración.

─Me voy a dar una vuelta─ le dijo a su madrugadora madre que planchaba en el comedor las camisas de cuadros de su marido.
─ ¿A dónde vas, a estas horas y con este frío?

─ Me voy en busca de inspiración.

─¿No puedes encontrarla en tu propia casa?─oyó que le replicaba justo antes de cerrar la puerta tras él.

Anduvo por calles húmedas y vacías y el viento helado se coló por su garganta y agrietó sus manos y llenó su cabeza de oscuros pensamientos de miedo y soledad. Llegó a la zona peatonal y decidió detenerse en una cafetería a desayunar y entrar en calor. Se sentó en la barra y pidió un café. A su alrededor escuchaba conversaciones que le deprimían: la infección de la niña, la lotería de Navidad, la operación de menisco de la suegra.

"Me senté en la barra y pedí un café negro y espeso como mi tormento", escribió en el pequeño cuaderno que siempre cargaba con él, y de inmediato se sintió mejor. Qué especial que se sentía, anotando tristes pensamientos en su pequeña libreta. Escribió sobre lo oscura que era la existencia, lo vacías que estaban las personas. Mientras, devoraba un mini de beicon con queso porque, de repente, le había entrado hambre.

No quedaban ya historias sobre las que escribir, todo era banal, vulgar, triste y aburrido.

Muy cerca, un hombre canoso fumaba un cigarrillo tras otro mientras le daba sorbos nerviosos a su cerveza. Sudaba a chorros y a cada segundo levantaba su mirada para comprobar la hora. Aquella gente no tardaría en llegar, se decía. Tenía que salir bien, tenía que salirse con la suya o no llegaría a ver la luz de un nuevo día. Se dio cuenta de que estaba agarrando la maleta con tanta fuerza que la mano le dolía. Basta, tenía que tranquilizarse. No iban a descubrirle. No eran expertos en diamantes, tan solo matones de barrio.
No se enterarían hasta pasada la frontera, cuando se los entregaran al especialista y éste los examinara con sus detectores de baratijas, o lo que fuera que usaran. Y para entonces él ya estaría lejos, muy lejos, disfrutando bajo las palmeras de aquella segunda oportunidad que le daba la vida. Todo eso si no le pegaban un tiro aquella misma mañana, claro.

El joven escritor pagó y se dirigió a puerta. Se cruzó con dos tipos enormes vestidos de negro y cargados con sendos maletines que justo entraban en el bar cuando él salía, pero no les prestó atención, tan perdido andaba en su literario pesar.

Las calles estaban ya muy animadas, el amanecer gris había dado paso a una bulliciosa y concurrida mañana de sábado. Atravesó padres arrastrando carritos y niños cargando globos, estudiantes con carpetas y jóvenes con auriculares y ensoñadas miradas. Pasó por delante de bares de escandalosas conversaciones, hornos con olor a pan recién hecho, tiendas de ropa, y de comida y de artículos del hogar, hasta que llegó al parque. Entonces, como cada fin de semana, decidió perderse en sus verdes esquinas y tras andar un rato, se sentó en uno de los bancos que bordeaban el paseo.

Allí estuvo durante casi una hora, escribiendo enrevesadas frases sobre la vacuidad del ser humano y la falta de inspiración que ofrecía aquella sociedad superficial y carente de emociones en la que le había tocado vivir.

Escuchaba de fondo la dulce guitarra de un joven que entonaba alegres melodías bajo la sombra de un pino. Estaba el músico inquieto, escudriñando su alrededor a la espera de una mirada, de aquella mirada que hacía que llevara días con dificultades para dormir, para comer, para centrar su atención en algo más aparte de en su recuerdo. Justo cuando estaba a punto de desechar su última esperanza, la vio llegar. Sus piernas empezaron a temblarle mientras ella se acercaba. Esta vez tenía que hacer algo, no podía limitarse a sonreírle cuando ella le tirara la moneda, como cada sábado, para verla alejarse con el corazón en un puño sintiéndose estúpido y cobarde. No podía seguir viviendo así, tenía que decirle algo, hacerle ver que era la mujer de su vida, encerrarse con ella en una habitación de hotel y no salir en cuatro semanas. O al menos, invitarla a un café. No, ésa vez no la dejaría escapar.

No muy lejos, un hombre hacía ver que leía el periódico. Lo hacía ver, porque en realidad, no podía apartar la mirada de aquel joven que escribía en un banco cercano. Todavía no podía creerse que fuera verdad. Pero la evidencia hablaba por sí sola: aquella mirada apagada, aquellos lacios cabellos, María no le había engañado al decirle que se parecía a él.
Cómo podía habérselo ocultado durante tanto tiempo. Cómo podía llevar 25 años teniendo un hijo sin apenas saberlo. Cómo decirle a aquel joven de expresión huraña que garabateaba tristes pensamientos en un pequeño cuaderno, que aquel tipo con sus mismos ojos que le miraba de refilón mientras hacía ver que leía el periódico no era otro rostro anónimo en la ciudad sino su propio padre.

El joven escritor se levantó y de dispuso a volver a su casa. Atravesó el paseo con la mirada perdida en algún lugar de aquel parque “carente de interés, tan soporífero, necio y falto de sentimiento como las personas que lo ocupaban”, tal y como lo había descrito en su libreta. Tan enfrascado estaba en su pedante amargura que no se dio cuenta de que un hombre le llamaba por su nombre y trataba de alcanzarle, antes de caer en el desánimo y darse media vuelta con rostro compungido.

Atrás dejó también a una chica que se había detenido frente un frondoso pino bajo el que un joven entonaba alegres melodías. “Vaya, hoy no tengo nada suelto” le había dicho con una tímida sonrisa. “¿Te apetece que nos tomemos un café?” había añadido luego.

Él no se dio cuenta de nada de aquello porque tenía la cabeza ocupada, llena de pensamientos sobre el poco sentido que tenía todo. Al llegar a su casa su madre le esperaba con preguntas:

─¿Qué, como ha ido el paseo? ¿Has encontrado la inspiración que buscabas?

─He encontrado la confirmación a mis sospechas, que ni dentro ni fuera hay nada, que no quedan historias que contar porque la literatura se basa en la realidad y la realidad está vacía de contenido─ le contestó, sintiéndose todo un maestro del intelecto al haber dado con semejante declaración de ingenio.

─ Hijo, estás lleno de tonterías─ le dijo su madre mientras troceaba los tomates que acompañarían la ensalada─. A veces basta con abrir los ojos.

El joven escritor sonrió con expresión paternalista. Qué sabría ella, al fin y al cabo, con su delantal con dibujos de hortalizas. Para ella resultaba más fácil vivir engañada con sus superproducciones hollywoodienses creyendo que todavía quedaban experiencias dignas de ser contadas. Y es que ya lo decía aquel viejo refrán, se dijo mientras se quitaba el abrigo y lo colgaba en el perchero del comedor, “No hay más ciego que el que no quiere ver”

Relato publicado en la antología de relatos "Leyendo entre líneas" (Varios autores), Editorial Hijos del Hule (2010) y en Culturamas
http://www.culturamas.es/blog/2011/10/20/a-ciegas-de-elisenda-hernandez-janes/

LA MISTERIOSA MUERTE DE BRIAN JONES

2010-11-28T11:16:00.001-08:00

"Sí, quiero ser famoso. Y no, no quiero cumplir treinta años" (Brian Jones, 1942-1969)

A lo largo de la historia son muchas las muertes de célebres personajes que han quedado en nebulosa. Tras la versión oficial aparecen casi siempre teorías alternativas y suposiciones sobre conspiraciones y asesinatos. Elvis, Marilyn, Morrison… algunas no se sostienen por ninguna parte, otras, sin embargo, plantean dudas más que razonables.

El entretenido biopic sobre Brian Jones “Stoned” (Stephen Woolley, 2005) me hace pensar en lo fácil que es culpar a las drogas de la muerte de un rockero. Es evidente que ellas están detrás en muchas ocasiones pero ¿es posible que en algunos casos sean la perfecta fachada para ocultar otras más pérfidas implicaciones?

Brian Jones fundó los Rolling Stones junto con Mick Jagger y Keith Richards en 1962 y fue durante los primeros años de la formación su líder y principal instrumentista. Con tan sólo 27 años fue encontrado ahogado en la piscina de su casa poco después de ser expulsado de su propio grupo, tras años de excesos que parecían haberle despojado de toda ambición y creatividad. El que un día había sido un músico brillante e innovador (le gustaba experimentar con todo tipo de instrumentos que conseguía tocar con sorprendente habilidad aún sin apenas conocerlos) se había convertido en un tipo violento y paranoico recluido en su mansión de Sussex sin otra aparente ocupación más que la de pasarse todo el día borracho y/o drogado. No es de extrañar, por tanto, que la versión oficial culpara a las drogas de su repentina muerte al dictaminarla un “ahogo accidental”.

La película sin embargo sostiene otra versión y apunta a un asesinato por parte de un constructor que trabajaba en su casa llamado Frank Thorogood. Thorogood era un amigo de Tom Keylock (asistente personal de los Rolling al que se le había encargado “echarle un ojo a Brian”) que había sido contratado como albañil para arreglar el jardín de Brian pero que había acabado en la práctica convirtiéndose en una especie de niñera.

Unidos por una tortuosa relación, marcada por constantes humillaciones por parte de Jones (que además, le debía dinero), la película muestra a un Frank resentido y recién despedido que en un chapoteo nocturno, mete la cabeza de Brian debajo del agua con la intención de asustarle y acaba provocando su muerte por ahogamiento.

El propio Tom Keylock (despedido de la organización de los Rolling Stones pocos días tras la muerte de Brian) trabajó como asesor para la película y declaró que poco antes de morir, en 1993, Frank Thorogood le había confesado haberse “cargado” a Brian.

También la que era por entonces novia de Keylock y la que descubrió el cuerpo, afirmó creer que Frank Thorogood estaba detrás de su asesinato así como Anna Wohlin, la última novia de Brian. Ésta aseguró que no solo Thorogood la instruyó sobre qué decirle a la policía, sino que no se le permitió asistir al funeral y se le hizo firmar un documento que la obligaba a pedir autorización al entorno de los Stones antes de conceder entrevistas.

Finalmente, a pesar de que su autopsia descubrió un notable deterioro de su hígado y su corazón reveló también unos índices de alcohol y drogas bajos en su sangre comparado con las cantidades que solía ingerir normalmente.

Todos estos datos llevaron a la policía a reabrir la investigación en el 2009 y actualmente son muchos los que exigen la exhumación de su cuerpo para realizar una autopsia definitiva que con la tecnología de hoy en día, sería capaz de revelar el verdadero motivo de su muerte.

¿Conoceremos algún día la verdad? A estas alturas, con el principal sospechoso y los testimonios más relevantes muertos, parece difícil. Mientras tanto el misterio planea sobre su memoria y ayuda a alimentar aún más la leyenda del fatídicamente destinado club de los 27 en general (Cobain, Hendrix, Morrison, Joplin, todos muertos a los 27) y de Brian Jones en particular: el genio oscuro de los Rolling Stones, perdido en vida y desterrado por su propio grupo pero eternamente recordado en el corazón del rock’n’roll.

LOCURA EN HTML

2010-11-21T10:33:00.000-08:00

Le vi enloquecer poco a poco: como una soleada mañana de otoño que va apagándose a medida que avanza el día, su mente pareció también irse nublando de absurdos pensamientos y realidades distorsionadas.

Empezó por llevarse el ordenador a la mesa. Decía que esperaba un importante email de trabajo que requería de inmediata respuesta y, entre cucharada y cucharada de sopa de fideos, clickaba el ratón compulsivamente para ver si le había llegado algún nuevo correo. Dejó de hacer la siesta porque tenía que estar pendiente de si alguien le hablaba por el messenger y de camino al trabajo, cambió el coche por el autobús porque mientras conducía no podía hablar por el móvil, ni actualizar su estado en el facebook, ni hacer tests sobre su personalidad ni jugar a coleccionar animales de granja virtuales.

Durante la jornada laboral seguía conectado, por supuesto, porque todo su trabajo consistía en intercambiar información, en localizar a gente y estar localizable, en chatear con uno y en discrepar con aquél, conversaciones muy intensas y de gran repercusión, vitales para el buen funcionamiento de la compañía, pero siempre ciegas, a través de las redes informáticas, sin llegar jamás a conocer el rostro y a veces ni siquiera la voz de su interlocutor.

Dejamos de ir al cine porque se bajaba todas las películas de internet y de ir a conciertos porque, según él, los podía ver a través del youtube. Se empeñó en comprar todo por e-bay, incluso la comida, a pesar de que teníamos un supermercado a la vuelta de la esquina. Se quedaba hasta altas horas de la madrugada viendo absurdos videos y mantiendo conversaciones con extraños y, a menudo, cuando volvía a la habitación y conseguía dormirse, entre sueños, le escuchaba balbucear con voz temblorosa los anuncios del Spotify mientras se removía inquieto abrazado a su mac.

Pasado un tiempo, cuando ya le habían ingresado, sus compañeros de oficina me explicaron que en ocasiones le veían sudoroso y pálido, enfrente del ordenador, con sus dedos temblorosos sobre el ratón, apretando entre espasmos el botón de enviar y recibir al borde de un colapso nervioso.

Por supuesto, dejó de leer, llegando incluso a olvidar lo que era un libro. "Pero no lo entiendo, ¿dónde se enchufa?" me preguntó con expresión desconcertada mientras señalaba el que yo tenía entre las manos. "¿Esas letras, de dónde salen? Que fuente más curiosa tienen, son como una arial sans serif con un leve matiz a verdana helvética", añadió impresionado. "Nunca había visto una de esas".

El detonante tuvo lugar una mañana en el desayuno. Se estaba llevando una tostada a la boca mientras con la otra mano manejaba el ratón, cuando un mal gesto hizo que se le volcará el café sobre el teclado del ordenador. De pronto, un sordo chispazo apagó la pantalla. Por unos segundos pareció quedarse paralizado. Luego alzó su mirada y su aterrorizada expresión quedó al descubierto: su rostro estaba pálido como el papel, sus ojos, muy abiertos, parecieron haberse convertido en cristal congelado. Jamás en los 6 años que llevábamos de matrimonio le había visto tan conmocionado, ni siquiera cuando nos atracaron a punta de navaja en nuestro viaje a Nueva York, ni cuando el pitbull del vecino se había escapado de su caseta y había corrido tras él por todo el barrio. Ese día su mirada podría haberse calificado de sosegada si se comparaba con la de pánico absoluto que se apoderó de él aquella mañana.

Entonces se levantó con violencia de su asiento, estalló en desconsolados sollozos y se puso a dar vueltas por la cocina con el rostro desencajado. Finalmente, empezó a darse cabezazos contra la pared hasta perder el conocimiento y desplomarse en el suelo.

A partir de ese momento su deterioro se aceleró. Estaba convencido de que había un virus informático en su cabeza y de que todo a su alrededor era un software infectado.

“Veo que el virus no ha dañado tu pixelado” me dijo una madrugada en vela mientras me acariciaba el rostro con la mirada extraviada “sigues teniendo una muy buena definición”

Los médicos le diagnosticaron un Transtorno de Paranoya Informática Severa y le recetaron unas pastillas de color rosa. Él las tomaba con resignación, creyendo que le ayudarían a limpiar su sistema operativo como si de un antivirus se tratara. Así, entre batas blancas y visitas de especialistas, los días se fueron sucediendo en el hospital bajo la sombra de su perturbada mirada.

Pasado un tiempo el tratamiento empezó a hacer efecto: su delirio informático pareció irse diluyendo hasta que un feliz día volvió a llamarme por mi nombre y los médicos decidieron darle el alta.

Volvimos a casa cogidos de la mano bajo el sol de una primavera que se prometía cálida y gentil. Pronto la normalidad se apoderó de nuevo de nuestras vidas: él cambió de trabajo y empezó a en una fábrica, alejado de ordenadores tal y como nos había recomendado el médico. Yo me reincorporé en la oficina y, poco a poco, aquel episodio fue quedando atrás.

El día en el que se cumplieron tres meses desde su regreso decidimos vestirnos de gala y celebrarlo con una cena por todo lo alto en un lujoso restaurante. Tras dejarnos servir por un elegante camarero, él alzó su copa y, con su verde mirada brillante y feliz, propuso un brindis:

“Por nosotros. Por una larga vida de salud y felicidad”

Yo sonreí, bebí de aquel vino delicioso y dejé perder mi mirada en la noche sintiéndome afortunada. Entonces, añadió:

“Y por el ingeniero que supo configurarme tras el accidente. Hay veces en las que no hay más remedio que resetear y reiniciar de nuevo”.

Casi se me cae la copa al escuchar aquello. Forcé una sonrisa y le miré con la esperanza de que estuviera bromeando. Pero no me devolvió la mirada. Por el contrario, se limitó a fijarla en su plato mientras con gestos mecánicos, cortaba la carne en diminutos pedazos.

Relato incluído en la antología de relatos "Leyendo entre líneas" (Varios autores), Editorial Hijos del Hule, (2010) y en Culturamas
http://www.culturamas.es/blog/2012/01/13/locura-en-html/

COSAS QUE LOS NIETOS DEBERÍAN SABER, Mark Oliver Everett (Blackie Books)

2010-10-08T15:12:00.000-07:00

Me parece increíble que hace tan sólo una semana lo único que supiera de Mark Everett fuera que era el cantante y compositor de Eels. Que ignorara donde había nacido, de qué trabajaba su padre o si tenía hijos o hermanos. Hoy me siento como si hubiera compartido un montón de cosas con él, como si le conociera de toda la vida. Me da la impresión de haber presenciado su infancia en Virginia, sus enamoramientos adolescentes y su ascenso a la fama. Me parece haber sufrido con él los silencios de su padre y los excesos de su hermana, su soledad, sus miedos. Me he reído con cómicas anécdotas de su vida y he llorado con la trágica historia de su familia. Ahora le veo con su barba y sus gafas en entrevistas y videoclips y es casi como si un amigo entrañable estuviera en la pantalla y me siento contenta de que haya alcanzado la fama con su música, después de tantas penas y tanto esfuerzo.

Y ni siquiera conozco al tipo. No le he visto jamás ni he intercambiado nunca palabra con él. Pero con su autobiografía “Cosas que los nietos deberían saber”, me ha contado la historia de su vida y, tal y como había hecho antes con sus canciones, me ha cautivado con sus palabras. Y esta vez tiene más mérito, porque no venían arropadas en delicadas melodías ni las entonaba con su dulce voz rasgada. Esta vez se han limitado a narrar recuerdos, con una sencillez y una sinceridad jovial que no sólo han hecho que disfrutara de una muy amena lectura sino que me han convertido en cómplice de sus andanzas.

Y la verdad, haber sido cómplice de las andanzas de Mr E, que así es como le llaman, ha sido un verdadero placer. Y eso que no ha sido el suyo un pasado fácil. Lleno de complejos e inseguridades (desde los tiempos en los que en el colegio, se quedaba el último cuando hacían equipos en clase de gimnasia- anécdota con la que se ganó ya desde el principio todas mis simpatías) y con una juventud marcada por la soledad y la muerte de sus seres queridos, abundan en su historia episodios tristes y oscuros.

Su padre, Hugh Everett, era un científico incomprendido avanzado a su tiempo que, apenas en la veintena, formuló una teoría (la teoría de los universos paralelos) que tendría decisiva influencia en el campo de la física cuántica unos años después. Siempre en silencio y perdido en sus propios pensamientos, Hugh Everett era para su hijo un completo desconocido cuando con apenas 19 años, éste se lo encontró muerto en su cama víctima de un ataque al corazón. Años después le seguiría su hermana Liz que se suicidó tras un largo historial de intentos y cuya carta de despedida hablaba de reunirse con su padre en otro y mejor universo paralelo.

Son éstas tragedias que le encogen el corazón a uno y que por desgracia, van acompañadas de otras más. Y sin embargo, por muy estremecedor que pueda sonar- que es- todo esto, en ningún momento cae Everett en el dramatismo al que se presta una historia como la suya. Por el contrario, el libro está narrado con humor y plagado de divertidas anécdotas: de asquerosas profesoras del colegio, de novias desequilibradas, de managers chaqueteros, de fiestas de Neil Young y centros budistas llenos de gente rara. Y por supuesto, de música, de canciones, las suyas, muchas de las cuales son autobiográficas y narran también la historia de su vida. Porque Everett ha volcado su vida en la música y ha encontrado en las canciones su salvación, su vía de escape, su luz al final del túnel. Una luz que le ha llevado a lugares y a personas completamente inesperados, una luz bajo la que el mundo se convierte en un lugar inspirador y lleno de belleza. Porque tal y como pasa con muchas de sus canciones, la lánguida tristeza que impregna parte de la obra de Mark Everett es dulce y reveladora e inexplicablemente hermosa. Una belleza que emociona, conmueve y da esperanza, una belleza parecida, probablemente, a la que él se refiere en los inicios de su historia:

La vida está llena de hermosuras impredecibles y sorpresas extrañas. A veces, la belleza me supera y no se como afrontarla. ¿Conoces la sensación? ¿Cuándo algo es demasiado hermoso? ¿Cuándo alguien dice algo o escribe algo o toca algo que te conmueve hasta las lágrimas o que llega incluso a cambiarte?

Es curioso que me preguntes eso, Mark Oliver Everett, porque conozco esa sensación. La conozco perfectamente.

* Eels interpretando"Things the grandchildren should know", canción incluída en su disco "Blinking lights and other revelations" que da título a su autobiografía.

*Existe un muy interesante documental titulado "Parallel worlds, parallel lives" en el que Mark Everett habla con diferentes físicos acerca de las fascinantes teorías de su padre. Se puede ver (en inglés) en el siguiente link: http://www.veoh.com/browse/videos/category/entertainment/watch/v15491416CPsP3prx

CRIMEN Y CASTIGO, Fiodor Dostoievski (1866)

2010-10-03T14:35:00.000-07:00

“-¿Mi crimen? ¿Qué crimen?- gritó él, de súbito, en un repentino ataque de furor-. ¿El que haya matado a un piojo nocivo, asqueroso, a una vieja usurera que no hacia falta a nadie? Por matarla habían de perdonar la mitad de los pecados"

Tal y como lo describió el propio autor Crimen y Castigo es “la historia psicológica de un crimen”. La historia de Raskolnikov, un joven con grandes dificultades económicas que malvive en una pensión de mala muerte, que un día asesina a la ricachona y vil vieja usurera a la que empeña sus pertenencias para robarla y sin tenerlo previsto, tan sólo porque pasaba por allí, acaba matando también a su hermana.

A pesar de que el principal motivo del asesinato parece ser el robo, a medida que avanza uno en la lectura se da cuenta de que el incentivo tras el asesinato es en realidad el poner en práctica las teorías filosóficas ideadas por el protagonista: la existencia de dos tipos de hombres: los normales, que se rigen por la ley y las convenciones sociales y los extraordinarios, a los que su especial naturaleza les permite actuar saltándose la ley, ya que sus acciones quedan justificadas al ser beneficiosas para su propia persona y en definitiva, para la humanidad. Recuerda mucho esta hipótesis a las teoría del Superhombre de Nietzche y es que por lo visto, Dostoievski ejerció una gran influencia en el filósofo (y no a la inversa, como mucha gente cree) llegando este último a afirmar que “lo único que se de psicología lo aprendí de Dostoievski”.

Y es que tal y como he comentado al principio, se trata de una historia psicológica en la que la descripción del estado mental del protagonista es el factor clave que motiva toda la novela: sus remordimientos y paranoias, su malhumor y su desconfianza, sus paseos atormentados de nervios y culpabilidad por las calles de San Petesburgo. Un San Petesburgo tan oscuro y sórdido como él mismo, corrompido por las desigualdades, la miseria, el alcoholismo, la mendicidad y la tisis.

Por lo visto Dostokevski sacó la esta idea del asesino filósofo en las prisiones de Siberia (en las que pasó 4 años acusado de revolucionario, tras habérsele conmutado en el último momento la pena de muerte por una de prisión), en las que llegó a conocer a varios criminales muy cultivados y con grandes aspiraciones intelectuales.

El febril estado de nerviosismo y ansiedad en el que se encuentra el protagonista tras cometer el asesinato me ha hecho pensar en la película “Match Point” de Woddy Allen (y un poco también, en su anterior “Delitos y faltas”) particularmente en la angustiosísima velada en la ópera que pasa Jonattan Rhys- Meyers tras haberse cargado a su novia (una de las mejores escenas de la película, a mi parecer). Recurro a internet para investigar sobre el asunto y efectivamente, aparecen muchas entradas en las que se comenta esta influencia. De hecho, aparecen en “Match Point” alusiones explícitas a la obra: Jonattan Rhys-Meyers, el protagonista, aparece leyendo a Dostoievski en diversas ocasiones e incluso llega a mantener una conversación con su suegro acerca del autor. También, el segundo asesinato fortuito y sin premeditación de un personaje completamente inocente (si es que se puede considerar al otro culpable) y ajeno al protagonista, y la manera como tiene lugar la entrevista con la policía suceden de manera muy similar en el libro y la película y son otras muestras de lo mucho que Allen toma prestado de Dostoievski.

Lo mejor de la novela es a mi parecer la genial manera en la que están retratados los personajes, dejando ver toda su complejidad psicológica y sus contradicciones. El epílogo final, sin embargo, me ha parecido un poco precipitado y tratado de forma algo superficial si se compara con la minuciosísima precisión con la que están narrados muchos otros episodios de la novela tal vez menos importantes. A pesar de lo largo y denso de la historia, llega el final y uno se queda algo inquieto, con ganas de saber más. ¿Qué le tiene guardado el destino a Raskolnikov y a Sonia tras tanta desgracia y desesperación? Aunque pensándolo bien, ¿Qué mejor elogio para un libro de más de 500 páginas que acabarlo y tener ganas de más?

Una curiosidad final: Existe una versión en cómic de Crimen y Castigo en el que el protagonista Raskolnikov es nada más y nada menos que... ¡Batman! Mas información en el siguiente link: http://www.zurdasiniestra.org/2007/09/18/crimen-y-castigo-de-dostoievsky-la-version-raskolnikov-batman/

DE FIESTA POR EL CIELO

2010-08-20T02:24:00.000-07:00

—¡Bienvenido! — me dijo el melenudo del smoking blanco.

Yo estaba aún algo atontado por la medicación de los últimos meses y tras tanto tiempo inmóvil en la cama de un hospital, la sensación de contar con unas extremidades que realmente, respondieran a mi voluntad todavía me tenía algo desconcertado. Eso y por supuesto, el hecho de que acabara de sobrevolar Barcelona en helicóptero hasta llegar a aquella surrealista oficina impecablemente blanca.

—Gracias— le contesté, y mi voz sonó clara y real. No estaba soñando—. ¿Donde estoy? ¿Es esto..? — El melenudo me interrumpió.

— Sí, sí, el cielo, sí —su tono era amigable aunque algo impaciente. A ver, le cuento todo esto rapidito, cuanto antes acabemos con estos vulgares trámites, mejor. Acaba de morirse y ha desaparecido de la tierra, a partir de ahora se quedará por aquí.

Me sonrió e hizo un gesto con los brazos, como queriéndome decir: "es lo que hay".
Yo me limité a asentir con la cabeza, no porque me pareciera bien lo que me decía sino porque por mi trabajo, estoy acostumbrado a demostrarle a mi interlocutor que cuenta con mi atención en todo momento.

—Bueno, supongo que algún día tenía que pasar—comenté resignado.

—Eso mismo, eso mismo.. y tiene sus cosas buenas, no se crea... — Ahora era él quien asentía con la cabeza —. Está muerto así que ya puede dejar de preocuparse por ser alguien en la vida, o por llegar a fin de mes, o por cuidar de su salud… — Mientras hablaba, el tipo abría y cerraba cajones, se atusaba el pelo y rebuscaba nerviosamente entre papeles —. A ver, tampoco quiero engañarle, la cosa tiene también sus contras… a sus seres queridos que están en la tierra no va a verles hasta dentro de un tiempo… pero bueno, ¡no se puede tener todo!

—No — repetí yo por inercia sin saber muy bien lo que estaba diciendo, algo aturdido con sus bruscos movimientos y su hablar atolondrado —, todo no se puede tener en esta vida, eso es verdad.— Luego pensé en lo absurdo de aquel comentario : ¿en esta vida?

— ¡Bueno, pues aquí está! — exclamó de repente con expresión satisfecha, interrumpiendo mis pensamientos—. Necesito que por favor, rellene este formulario con sus datos y me lo firme. Es una mera formalidad, tan sólo indica la fecha exacta de su llegada y cosas del estilo...

Confundido como estaba, lo firmé sin apenas leerlo y ese insignificante detalle fue la prueba definitiva de que realmente aquel hombre tenía razón y yo había dejado de ser yo. El exitoso abogado que en vida había sido jamás habría firmado un documento sin previamente examinarlo minuciosamente, comprobar posibles lagunas jurídicas y sopesar todas sus posibles consecuencias: ¿Podrían beneficiarme? ¿Podrían utilizarse en mi contra? ¿Las habrían incluído deliberadamente para que yo incurriera en ellas?

La verdad es que en cierta manera fue un alivio, por una vez, no ser un listillo tocanarices y cumplir sin rechistar órdenes de un melenudo hortera vestido de blanco del que antes habría sospechado sin dudar. Qué cosas tenía esto de la muerte.

— Muy bien, perfecto, gracias. Lo siguiente sería hacerle un pequeño examen físico y mental para ver en qué estado se encuentra, pero ya se lo haremos mañana, no hay prisa. Como ha muerto usted relativamente joven no es urgente y es probable que no tenga que pasar demasiado tiempo en manos del Maestro. Él es muy bueno haciendo apaños y corregirá todo aquello que se le haya atrofiado con el paso de los años.

— ¿Cómo dice? — le pregunté inquieto— , ¿haciendo apaños?— Siempre he sido bastante aprensivo y tras tanto tiempo en un hospital, lo último que me apetecía era oir hablar de curanderos— .¿El Maestro? ¿Qué es, como una especie de médico?

— ¿Cómo, nunca ha oído hablar de nuestro Maestro? — El tipo parecía realmente extrañado— .¡Sí, hombre, tiene que conocerle! De origen humilde pero gran talento, reconocido por la comunidad internacional, licenciado por la universidad de Nazaret, experto en medicina asiática y psicología cognitiva… — Yo le miraba desconcertado. Al ver que no decía nada, él continuó— Con múltiples y curiosas habilidades, entre ellas, cocinar pescado para grandes multitudes, tratar el agua con especias para convertirla en vino.. incluso admirado atleta, creador de una innovadora modalidad de surf que simula el andar...

— El andar sobre las aguas, claro— le interrumpí con una media sonrisa. Aquel tipo tenía que estar tomándome el pelo. Sin embargo me contestó con toda naturalidad:

— ¡Exactamente! Veo que sí le conoce, entonces.

— ¿Pero todo esto va en serio? ¿Me está usted hablando de Jesús? — le pregunté, incrédulo. Pareció alegrarse al escucharme decir su nombre.

— ¡Él mismo!

— ¿El que fue crucificado y resucitó a los 3 días y luego ascendió a los cielos y murió para salvar nuestros pecados?

El hombre soltó entonces una sonora y repentina carcajada que me sobresaltó.

— Sí bueno.. la parte esa de los pecados nunca la hemos entendido muy bien aquí en el cielo. Pero sí sí, ese mismo es.

— No, esa parte no la entendí tampoco nunca yo— admití.

Volvió a reírse escandalosamente y de repente me sorprendí riéndome yo también. La verdad es que su risa era de lo más contagiosa. Empezaba a caerme francamente bien aquel tipo.

— Es gracioso como se ha ido adornando la historia a medida que ha pasado el tiempo. Hay quienes dicen, por ejemplo, que a mí me crucificaron boca abajo... — volvió a estallar en estruendosas risotadas —¡Imagínese, pobre de mí! ¡Crucificado al revés! ¿Por qué se inventarían semejante ocurrencia? ¡Hay que ser retorcido! ¡Y nunca mejor dicho! — Encantado con su ocurrencia, soltó una nueva sarta de alborotadoras carcajadas. Así estuvo unos segundos, retorcido por el esfuerzo y medio llorando de risa, cuando de repente, se puso serio— . Lo que más me fastidia es que me cuelguen el muerto de ser el cabeza de la iglesia — frunció el ceño— . Eso sí que me toca las narices. Y la historia del gallo y las tres negaciones tampoco me hace gracia, la verdad. Puedo ser muchas cosas pero chaquetero, jamás.. Nunca jamás habría renunciado a mis principios por…

A medida que hablaba el tipo se iba exaltando más y más. Empezaba a estar algo contrariado ante los repentinos cambios de humor de aquel barbudo, cuando me pareció escuchar ruido tras la puerta y desvié mi mirada. Un rostro familiar arrancó entonces toda mi atención. Llevaba más de diez años sin verle así que tardé unos segundos en reconocerle, y cuando lo hice, me quedé tan estupefacto que no pude proferir palabra alguna. San Pedro se dio cuenta de mi conmoción y miró hacia la puerta.

— ¡Mierda! — soltó entonces— ¡Les dije claramente que se escondieran! ¡Siempre igual, siempre me hacen lo mismo... En fin, supongo que ya es hora de que pases a la sala del reencuentro— concluyó resignado — .Te hemos preparado… ¿te importa que te tutee?

Yo negué con la cabeza aunque ni siquiera le miraba. No podía creer lo que veían mis ojos. Era él, estaba allí mismo, delante de mí. Carlos. Mi hermano, mi mejor amigo. Con su misma mirada achispada y su mismos rizos revueltos, joven y sonriente como nunca había dejado de ser. Tenía una cerveza en la mano y estaba charlando animadamente con un tipo algo estrafalario vestido de época. A su derecha divisé a mi padre, y a su lado, mi madre, vestida con el traje chaqueta que se ponía para las ocasiones especiales, para mi primer juicio, para la cena de Nochebuena.

Me levanté de un brinco y me abalancé contra la puerta. La forcé, pero estaba cerrada. Me temblaban las piernas y el corazón me palpitaba tan fuerte que me hacía daño. Traté de llamar su atención dándole golpes pero no parecían poder escucharme.
— Tranquilo, no te preocupes, ahora mismo podrás hablar con ellos. Estan aquí para recibirte. Hemos reunido a todos tus seres queridos para darte una pequeña fiesta de bienvenida. Hemos avisado también a unos cuantos Vips, personajes famosos a los que admiraste en vida, que no han querido perderse la ocasión. Si es que con barra libre la gente se apunta hasta a un bombardeo...

Yo seguía sin dar crédito con la mirada pegada en el cristal. Divisé entonces a la abuela Carmen y al abuelo Paco. Y a Claudia, mi amiga de la universidad que se fue a vivir a Sudamérica y a la que había perdido el rastro, y a Edu, mi mejor amigo del colegio, muerto en un accidente de coche siendo tan sólo un adolescente. Y de repente, entre todos ellos, a John Lennon, con sus gafas redondas y sus melenas, enfrascado en una conversación con un hombre de etiqueta que me era de lo más familiar… ¡El tío Jorge! ¡Aquel hombre de etiqueta era el tio Jorge!

Posé de nuevo la mirada en mi madre y en su traje chaqueta y una lágrima resbaló por mi mejilla. Aquello no podía estar pasando. Entonces reconocí al hombre de época con el que charlaba mi hermano. Era Oscar Wilde, refinado y rechoncho como en las fotos en blanco y negro de mis libros de literatura. Y a su lado, George Harrison y Syd Barret, sano, cuerdo, dándole fuego a Sandra, mi primer amor, a la que tan pronto el cancer le había arrebatado la vida… Todos risueños, todos jóvenes, todos felices, charlando y esperando con ilusión mi llegada al reino de los cielos.

Sonreí y pensé que aquél era justo el sitio en el que quería estar.

— Bienvenido al paraíso — me dijo entonces San Pedro mientras me abría la puerta —. Disfruta de tu fiesta

Relato publicado en Culturamas
http://www.culturamas.es/blog/2011/03/29/de-fiesta-en-el-cielo-elisenda-hernandez-janes/

FARADAY FESTIVAL, Vilanova i la Geltrú, Julio 2010

2010-08-16T01:19:00.000-07:00

El pasado 2, 3 y 4 de Julio, Vilanova y la Geltrú se puso sus galas indies para recibir al Faraday, el festival de música independiente que viene celebrándose en la ciudad costera desde hace ya 7 ediciones, apostando por interesantes propuestas a menudo desapercibidas incluso en la propia escena del pop alternativo de nuestro país.

Sólo llegar al recinto me doy cuenta del carácter especial de la velada, su emplazamiento elevado con vistas al mar, sus dos escenarios de reducidas dimensiones, su única barra sin colas, incluso su público; todo parece impregnado de cierta sensación de acogedor encanto familiar.

Me estreno con 3 cantautores, cada uno su estilo particular y su sello propio. El gallego Abraham Boba y sus elegantes melodías de corte clásico me dan la bienvenida, pero es la ecléctica y animada actuación del catalán guasón Joan Colomo (miembro de, entre otras formaciones, los recientemente disueltos the Unfinished Sympathy) que con su curiosa combinación de estilos e idiomas, me arranca los primeros bailoteos. El estrafalario trovador maño Bigott y la completa banda de músicos que le acompañan toman luego el escenario y anochece en Vilanova al son de su voz cristalina y su particular estilo entre solemne y socarrón. Suenan temas de su último disco como “Dead mum walking”o “Cool single wedding” así como pertenecientes a sus anteriores trabajos como “She is my man”; taciturnas melodías impregnadas de cierto deje surrealista y cómica autoparodia ("Sounds like: una mierda" puede leerse en su myspace. Nada más lejos de la realidad).

Le siguen los norteamericanos Clem Snide, que interpretan el disco “Zuma”, del maestro Neil Young. Se engloba esta curiosa actuación en el interesante ciclo de conciertos “We used to party” en el que grupos versionan en directo discos que les hayan influenciado en su trayectoria. Luego, los veteranos The Wedding Present se apropian de la noche y ofrecen una huracanada sesión de punk en la que no pueden faltar algunos de sus temas más míticos como “Brassneck” y “Kennedy”.

Les suceden los barceloninos Mujeres y su pegadizo garage guarrote, que como ya hicieron en el Primavera Sound, nos hacen pasar un buen rato de guitarreo cachondo y sin pretensiones. Cierran la noche los ritmos electrónicos de Is Tropical y la muy variada sesión de Our fauvorite club djs que pinchan desde Surfer Blood hasta flamenco, con un gracioso fondo de pantalla de cine en el que se proyecta la mítica película de los 80 “Teen Wolf”, con la que me tienen ganada ya desde un principio.

Los británicos Apples y su pop refrescante resultan el mejor antídoto para combatir el bochorno y la resaca del recién inaugurado sábado. Combinando soleadas armonías sesenteras con el encanto hortera de los 80 y los ritmillo bailables de grupos contemporáneos como Vampire Weekend o The Mystery Jets, el quinteto británico nos inyecta felicidad en vena con temas como"Theo", "Reason 45" o una muy lograda versión a capella del "Dreaming of you" de The Coral.

Tras el indie folk campestre de El petit de Can Eril, llega el plato fuerte de la noche: Jeff Tweedy. Aparece sólo en el escenario rodeado de guitarras acústicas y atavíado en todo momento con una muy afable expresión, ofrece una actuación intimista y simpática en la que no faltan algunos de sus grandes éxitos con Wilco como “Jesus etc”, “Either way” o “I’ll fight”.

Tras él aparecen los Punsetes y su peculiar puesta en escena, para algunos original, para mí únicamente absurda. Luego, el pop aniñado de Linda Mirada y el punk soul con sentimiento de Maika Makovski y finalmente, despedimos la noche al ritmo del bailongo electro rock de los escoceses Errors y de temazos indies de la mano de dj Amable.

El cartel del domingo era reducido aunque intenso: Louis Eliot & The Embers (Louis Eliot era el cantante del grupo de brit pop de los 90 Rialto) y el legendario gentleman británico Nick Lowe. Los dos conciertos me sorprenden por su calidad y su familiar puesta en escena: los primeros Louis Eliot y los suyos, me cautivan con sus melodías country rock y su pegadizo encanto folk y más tarde, el señor Lowe, con su sonrisa entrañable y sobretodo, sus inmortales clásicos como “Cruel to be kind” o “What's so funny about peace, love and understanding”.

Al ritmo de su guitarra acústica y su voz clara, se da por finalizado el Faraday de este año. Tomamos el camino de vuelta a nuestras casas y con un muy buen sabor de boca, de buenas canciones, festividad estival y cálida brisa marina, nos despedimos de la playa de Vilanova, hasta el año que viene.

Fotos: Antonio Bertran

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
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PAUL McCARTNEY, DUBLÍN, Junio 2010

2010-08-16T00:46:00.000-07:00

A Paul McCartney se le perdona todo: los liftings, los pelos teñidos, las mediocres cancioncillas de videoclips pretendidamente artísticos con Natalie Portman haciendo bailoteos absurdos. Se le perdona todo, no sólo por ser el responsable de casi el 50 % del repertorio del mejor grupo de la historia sino también porque a sus 68 años, multimillonario y habiendo superado con creces los límites del éxito que una persona puede llegar a alcanzar en su vida, sigue empeñado en subir a los escenarios y hacer felices a las multitudes que se amontonan a celebrar su talento en cada una de sus conciertos.

2 horas y 45 minutos de felicidad fue exactamente lo que ofreció el pasado sábado 12 de junio en Dublín, antes de partir hacia la isla de Wight, hacer parada por Escocia e Inglaterra y cruzar el charco para embarcarse en una extensa gira que le llevará por los Estados Unidos y por Canadá.
Ataviado con una elegante chaqueta con el característico cuello Beatle sobre una camisa blanca con tirantes, aparece con más de una hora de retraso (¿Y esa puntualidad británica, Paul?) y abre el concierto con 2 canciones de sus épocas con The Wings: “Venus and Mars/ RockShow” y “Jet”, y ya muy pronto, empieza a darnos lo que queremos: "All my loving", tan sencillamente espléndida como siempre, "Got to get you into my life" o "The long and winding road", con su piano y su poesía, arrastrados por la brisa del anochecer dublinés y empañando las miradas de los más fanáticos. Tras algunas de sus canciones en solitario como "Highway" o "Let me roll it" les llega el turno a "My love", la bonita balada para Linda, y luego "I'm looking through you", "Two of us" (¡maravillosa sorpresa!) y "Blackbird", que tal y como explica, fue escrita en plena época de lucha por los derechos civiles de la población negra ("bird" es un término coloquial que utilizan los ingleses para llamar a las chicas).
"But times have changed now, we have a black president!" reflexiona en voz alta, y a todos nos viene a la cabeza el concierto que dió hace poco en la Casablanca y que emitieron todas las televisiones del país en las que se veía a Obama cantando animadamente las canciones del ex beatle. Y sí, eso de que una estrella del rock se codee con políticos y millonarios hace tufo, pero como ya he dicho, a McCartney se le perdona todo.

Continua con "Here today", que, nos cuenta: "habla sobre decirle a las personas lo que sentimos antes de que sea demasiado tarde", y que, por supuesto, dedica a su amigo John. Aparecen en las pantallas imágenes de un joven Lennon riendo y haciendo el burro y de nuevo, a algunos, a los más idólatras, o a los más idiotas, que cada uno lo llame como quiera, se nos asoma la lagrimilla, porque por mucho que pasen los años, hay pérdidas que nunca dejarán de pesar. La sigue "Dance tonight", el single de su último disco que tanto me había desagradado en un principio y al ritmo de cuyo ukelele me sorprendo cantando animada y comentando: "hombre, tampoco está tan mal" para culminar con un desconcertante "a ver, la verdad es que es bastante buena", tal es el efecto subidón que produce el ex beatle y su maravillosa interpretación.

Tras "Mrs Vanderbilt" llega “Eleanor Rigby” y su melancólica reflexión acerca de las gentes solitarias, y luego, sin darnos tiempo de recuperarnos, nada más y nada menos que "Something". Empieza de manera algo decepcionante, a ritmo de ukelele, como homenaje a George (al que le gustaba mucho este instrumento). Sin embargo, cuando estoy a punto de criticar estos arreglos por haberse cargado la dulzura y la delicadeza de la versión original, ¡sorpresa! empieza a sonar el característico punteo de Harrison que da paso al "Something" que conocemos, y este repentino encuentro con la obra maestra del Abbey Road, resulta aún más emocionante si cabe al llegar de manera tan inesperada.

La sigue “Sing the changes”, del disco experimental que sacó junto con el productor Martin Glover bajo el nombre de The Firemen, el éxito de The Wings "Band on the run" y a partir de entonces y hasta el final del concierto no nos da tregua. El cachondeo de Ob-la-di Ob-la-da, el genial rock'n'roll de “Back in the URSS”, el lado más soul de “I gotta Feeling”, los afinadísimos coros de “Paperback Writer” y la experimental “A day in the life”, la obra maestra de John con las logradas distorsiones de George Martin, interpretadas por Paul y su banda más de 40 años después y manteniendo intacta su evidente calidad. Enlaza ésta última con un inesperado y siempre animado “Give peace a chance” y entonces llega uno de los puntos álgidos de la noche (otro más de los muchísimos que ha tenido, quiero decir): Paul se sienta al piano y se pone con el “Let it be”, siempre insuperable, siempre sobrecogedora. Y es aquí cuando las palabras no son suficientes ya que ningún grandilocuente adjetivo que pueda yo redactar ahora le haría justicia al sentimiento que le embarga a uno al escucharla en directo.

Llega “Live and let die”, con su nostálgico inicio desembocando en un espectacular y precioso juego de fuegos artificiales que estallan en la noche y dan paso a su frenético estribillo instrumental. Luego, otra de sus maravillas al piano y de nuevo, me quedo sin palabras: “Hey Jude”, tan dulce, tan sublime, tan sencilla y llena de trascendencia al mismo tiempo. Culmina la melodía, por supuesto y como no podía ser de otra manera, con su arrastrado y entrañable coro final, cantado por una multitud entregada y dirigida por un simpático Paul que va orquestando con alegría (now only the ladies.. now only the fellas.. now all together!).

Llega el momento de los bises, y durante los momentos en los que el escenario se queda vacío, respiramos hondo, e intentamos recuperar el aliento y nos miramos todavía fascinados, conscientes de estar viviendo algo que recordaremos para siempre. Pero aquello dura poco: tras unos segundos aparecen con “Day Tripper” y las reflexiones se van a la porra al son de su característica línea de bajo. Las siguen “Lady Madonna” y “Get Back”, tras la que el grupo hace reverencias, saluda y se despide: parece que realmente el concierto ha llegado a su fin. Nos quedamos esperando a oscuras con la sospecha de estar haciendo el tonto pero con un resquicio de nerviosa esperanza: puede que vuelvan a salir. Y efectivamente, así lo hacen, tras dos largas horas de concierto, el multimillonario de 68 años nos ofrece un segundo bis.

Sale Paul sólo con una guitarra, y nosotros sonreímos felices, porque sabemos bien lo que toca ahora: “Yesterday”, por supuesto, inmortal, única. Luego un cambio radical: la desgarradora y sorprendentemente moderna para su época “Helter Skelter” y finalmente, el “Sgt Pepper’s” en su versión reprise, enlazada con el “The End” que cierra el Abbey Road, y a la vez, este insuperable concierto.

“And in the end the love you take is equal to the love you make”, nos canta Paul con su voz suave, antes del triunfal y emocionante guitarreo final. Y no le falta razón. Sigue dándonos amor Macca, que nosotros continuaremos devolviéndotelo con la devoción y el cariño que te mereces.

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PRIMAVERA SOUND 2010!

2010-06-18T09:17:00.000-07:00

Son muchos los Barceloneses que esperamos el Primavera Sound con el entusiasmo de un niño en la noche de reyes y nos regodeamos con su llegada desde tiempo atrás. Actualizaciones en el Facebook del estilo ¡Tan sólo una semana!, largas listas en el Spotify y meticulosos excels con pequeñas anotaciones al lado de los grupos que no conocemos para distinguir entre los que prometen y los que no tenemos interés en descubrir, son algunas de las triquiñuelas que nos van adentrando en el terreno y acrecentando nuestras expectativas e ilusión. Y al fin llega y lo damos todo y no nos decepciona, y en un domingo de resaca y sin voz, llega el momento de sentarse por fin, un rato, y compartir con el papel lo vivido…

Estrenamos el festival el Jueves con un puñado de buenas canciones de los rockeros españoles Half Foot Outside (en el que fue su último concierto antes de tomar rumbos por separado) haciendo una breve parada por el grupo de culto post punk The Fall para terminar en el escenario Pitchfork y presenciar el final de la actuación cañera y divertida de Titus Andronicus y de su estrafalario y barbudo líder. La aglomeración es brutal en the XX, el grupo inglés al que el hype (¿exagerado?) ha encumbrado como uno de los grupos del momento, por lo que decidimos alejarnos de la multitud. Una feliz sorpresa nos agradece el gesto: los niños melenudos Smith Westerns nos hacen pasar un muy buen rato y nos enganchan con su garage desgarbado dejándonos ganas de más. Y más tenemos, de la mano de Superchunk y su rock melódico, de los desmadrados Broken Social Scene y finalmente, del electro-rock de The Big Pink, algo aburridotes, a mi parecer, si no llega a ser por sus dos grandes temas “Dominos” y “Tonight” que parecieron los únicos capaces de alegrar el cotarro.

Y a la una (menuda jugarreta la que nos hicieron a los que al día siguiente teníamos que ir a trabajar), el plato fuerte de la noche: Pavement, los reyes del lo-fi y del rock más underground de la escena americana de los 90 y que tras 10 años de separación, acaban de reunirse para irse de gira mundial.

Abren el concierto con su single más conocido “Cut your hair” y van desgranando temas de sus 5 álbumes, entre los que cabe destacar la genial “Shady Lane” con sus peligrosos juegos al desafine que nunca llega a desafinar, las taciturnas “Here” y “Spit on Stranger” o la apacible melodía con dejes country “Range Life”.

Las pocas horas de sueño y la larga jornada laboral me tienen algo inquieta durante todo el viernes, especialmente cuando ésta me obliga a perderme uno de los grupos que esperaba con más ilusión: los poperos canadienses The New Pornographers que acaban de estrenar nuevo disco. Amigos de los coros joviales y las melodías radiantes, ofrecieron según me explicaron mis afortunados amigos que sí pudieron verles, un memorable recital, con temazos tan maravillosos como "My right versus you" o "All the old showstoppers".

Pero de nada sirve regodearse en las desgracias: la jornada ofrecía todavía muy estimulantes perspectivas. Me estreno con los norteamericanos Spoon y su rock amable con tintes folk, que con canciones como "The way we get by" o "The underdog" arrancan los primeros saltos en la multitud y más tarde, con los tranquilitos Beach House y su pop lánguido y soñador con chica de curiosa voz al frente (que recuerda a ratos, a la oscura y melancólica voz de Nico, la del mítico album de Velvet Underground).

La noche se iba descubriendo y tras unos Wilco siempre acertados, siempre impecables (excepto tal vez, por un par de problemillas técnicos en las dos primeras canciones) que nos deleitan con maravillas como “Heavy metal drummer”, “You are my face” “Impossible Germany” o “I'll fight” llegó el momento más esperado del festival por lo que a mí respecta: Pixies.

En cuanto a repertorio fue un concierto muy parecido al que dieron hace cuatro años en Benicassim (esta vez sin avalanchas), pero a quién le importa, tratándose de himnos como los suyos: que nunca envejecen, que nunca podrán llegar a cansar. "Cecilia Ann", "Debaser", "Gouge Away", "Here comes your man", "Monkey gone to heaven", "Waves of mutilation", "Velouria", "Allison"... durante la intensísima hora y media larga que duró su concierto, no dieron tregua. Yo que me había prometido a mí misma no gritar para no quedarme afónica, qué ilusa. Cómo no va a gritar uno con el graznido desgarrado de Thame, con el diálogo histérico en Hey o los aullidos enloquecidos de Where is my mind. Como no tatarear con la risueña inocencia de un enamorado en primavera (o mejor dicho de invierno, dado el título de la canción) cuando entonan ese Winterlong, la maravillosa versión de Neil Young con la que los de Boston muestran su faceta más cálida y romántica.

Francamente, me da igual si en realidad se odian entre ellos, si lo único que persiguen es el dinero o si no han compuesto ni una nota juntos desde los noventa. Con una recopilación de canciones como la que nos ofrecieron en la noche del viernes, ya pueden ir viniendo de gira una vez cada tantos años que yo seguiré pagando religiosamente mi entrada para verles.

Acabamos la noche con el rock experimental de Yeasayer, al que la verdad, no prestamos mucha atención, y con Mujeres, que a pesar de la hora tardía y de nuestra falta de expectativas tras un conciertazo insuperable como el de Pixies, lograron engancharnos con su desenfrenado buen rollo rockanrollero.

Inauguramos el sábado con la muy lograda actuación de The Drums en la que fue su primer directo en nuestro país. Encabezados por un simpático líder que se empeña en retorcerse cómicamente en el escenario mientras interpreta sus canciones, estos norteamericanos cachondos son una curiosa combinación entre Vampire Weekend y Joy Division, que manchada de tintes surferos y un cierto deje retro, van hilvanando canciones pegadizas y fáciles de hacerse querer como “Best friend” “Let’s go surfing” o “Don’t be a jerk, Johnny”.

Les siguió un triple dilema: el pop melódico de los gallegos Niño y Pistola, el particular rock de los norteamericanos Built to Spill o el encanto británico de los míticos The Charlatans, que tocaban a la misma hora. Finalmente optamos por estos últimos y nos dirigimos al escenario principal en el que los de Manchester interpretan íntegramente su disco “Some friendly”. Geniales odas indies como “You’re not very well” o “The only one I know” nos hacen disfrutar como enanos, aunque el descarado parecido con sus compatriotas The Stone Roses, tanto en la voz, estilo de canciones como incluso en los movimientos orangutanados de su líder en el escenario, rozan peligrosamente lo ridículo. Aunque supongo que bien mirado, a quién le importa: una buena canción es una buena canción, independientemente de sus influencias y reminiscencias.

Los Pet Shop Boys se adueñan del festival con una extravagante puesta en escena: mujeres bailongas metidas en cubos de plástico y otros curiosos disfraces según la temática de la canción, y uno de los miembros del grupo, el de la mesa de mezclas, con una planta en la cabeza. No sabemos bien si tienen pretensiones futuristas o sencillamente quieren hacer reír, pero el caso es que tienen su gracia y con canciones como “Go west” “It’s a sin”, “Always on my mind” o “Se a vida e” nos ofrecen un memorable espectáculo de lo más divertido. Nunca hubiera supuesto que un concierto de Pet Shop Boys me haría disfrutar tanto. Qué cosas.

La madrugada avanza y el festival toca a su fin. Mientras la mayoría de los asistentes se concentra en Orbital, los que preferimos las guitarras nos dirigimos al escenario ATP y lo despedimos con la ecléctica y genial sesión de Dj Coco que lo mismo nos pincha Elvis, como Beatles, The Stooges, Judas Priest o Arcade Fire.

Y así, tras tres intensos días de buena música y ajetreo festivalero, queda cerrada esta última edición del Primavera Sound dejándonos un muy buen sabor de boca. A pesar de los modernillos pretenciosos, la carísima cerveza y las larguísimas colas en los lavabos que en momentos han crispado nervios y enturbiado actuaciones, miramos atrás con feliz nostalgia y colgamos nuestras fotos, e intentamos reconstruir los setlists, y en un domingo de resaca y cansancio, nos sentamos frente al ordenador para plasmar nuestros recuerdos en papel y evitar que se borren con el final de la primavera.

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ADAM GREEN EN BARCELONA! 2/3/2010

2010-03-12T02:48:00.000-08:00

Que Adam Green está como una cabra era algo que ya me suponía desde hacía tiempo, por sus extravagantes camisetas de flecos y sus atolondrados paseos por el escenario, por sus ridículos bailes y también, por supuesto, por sus surrealistas letras en las que pide ser enterrado con el cubo de Rubik o habla de gordas a las que les salen ladrillos por la vagina. Pero siempre me quedaba la duda ¿qué es natural y qué es una absurda farsa? Y sí, no cabe duda de que él mismo se ha encargado de crear ese personaje cuidadamente enloquecido y que probablemente, cuando va andando sólo por la calle, no se arrastra haciendo descabellados giros como hace en el escenario, pero tras este concierto me quedó claro que por mucho que el chico esté exagerando sus excentricidades, muy bien de la cabeza, no puede estar. Y que conste que no lo digo como un defecto. Fueron sus contantes idas de olla combinadas, por supuesto, con su innegable talento, las que hicieron del concierto del martes pasado un espectáculo que me va a costar olvidar.

Salió despechugado, con la mirada perdida y pegando brincos y ya desde los primeros acordes de "Cigarrete burns forever", la encargada de abrir el concierto, lo veo claro: este tipo va a hacer que nos lo pasemos muy bien. Y no me equivoco. Su directo no suena como sus discos, aquellas armoniosas melodías pop folk son ahora frenéticos y disparatados punks, que acompañados por sus descuajeringados bailoteos, convierten una audiencia que se prometía tranquila en un contagioso hervidero de cachondeo. Entre saltos y simpáticos chapurreos en español, el neoyorquino va combinando temas de sus seis discos en solitario: “Gemstones”, “Drugs” “Bluebirds” y una exaltadísima “Emily” en medio de la que se lanza del escenario para ser recogido con alegría por un público que, como él, enloquece por momentos.

La siguen, entre otras, la excelente “Pay the toll”, “Why does he act so bad” (mi favorita de su último disco) y su nuevo single “Buddy Bradley”,antes de coger la guitarra acústica y parar quieto en el escenario por primera vez desde que ha salido.

Se tranquiliza entonces y la oscura sala se torna silenciosa y aunque pueda parecer mentira, reflexiva, mientras su voz privilegiada entona la taciturna “Boss inside”. Con “No legs” su voz sigue sonando clara y sosegada, a pesar de su letra brutal y pasada de rosca y con la simpática “Give them a token”, a uno le dan ganas de pasear en la primavera en blanco y negro de una película antigua por las calles de Nueva York…

Aparca la guitarra de nuevo y nos hace a todos felices con su brillante “Friends of mine”, y aunque seguimos algo desubicados con los cómicos desvaríos de este tipo estrafalario- que aprovecha el lanzarse al público para morrearse con chicas de las primeras filas o se empeña en arañarse el cuerpo con un cascabel que cuelga de su cuello mientras chilla, vete tú a saber por qué “¡mamá!” “¡papá!” - y seguimos sin saber si está de cachondeo, quedándose con nosotros, o drogado hasta las cejas, con temazos como aquél, a quién le importa.

Sigue el subidón con “Morning after midnight”, “Dance with me” y por supuesto, “Jessica”, esta vez fiel a la arrastrada y melódica versión del disco, su particular caricatura de la cantante y actriz norteamericana Jessica Simpson, en la que afirma en tono cómicamente entristecido: “Jessica Simpson, where has your love gone? It’s not in your music, no…“.

Acaba el concierto con “Baby’s gonna die tonight”, más energúmena que nunca, y para culminar su chiflada actuación se lleva a una chica de la primera fila como si fuera un saco de patatas antes de desaparecer y dejarnos todos con una sonrisa desconcertada.
Y es curioso, porque toda esta estrambótica actitud podría muy fácilmente resultar patética, y en cierta manera, tal vez lo resulte, si uno se para a pensarlo. Pero inexplicablemente, lejos de restarle credibilidad a sus canciones, las dota de una singular personalidad y convierte sus conciertos en inimitables espectáculos enormemente divertidos de presenciar.

Probablemente porque Adam Green no es un payaso carismático cualquiera, sino un payaso carismático con una voz fuera de lo normal, un montón de geniales canciones y un muy particular sentido del humor que le convierten en el personaje único que es. Un personaje al que me muero de ganas por ver de nuevo en un escenario.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
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ENTREVISTA A THE MOOG

2010-02-02T12:44:00.000-08:00

Con su primer disco se ganaron la etiqueta de ser los

Strokes húngaros y sus pegadizos sonidos les llevaron a viajar por el mundo hasta llegar al mismísimo Japón. Ahora vuelven con un segundo álbum bajo el brazo y demuestran de nuevo que las fronteras pierden sentido ante la universalidad del rock. Son jóvenes, guapos y carismáticos y, por supuesto, tienen talento, capaces de combinar el bullicio enganchoso de una noche de humo y chaquetas de cuero con el oscuro glamour de una velada de literatura y espeso rimmel, consiguiendo sonar garage un segundo para sonar complejos y elegantes al siguiente -probablemente porque su música es una buena recopilación de elementos preexistentes combinados con excelencia para crear su única inspirada mezcla-. Que cada uno lo llame como quiera, garage rock, glam punk, goth pop... lo importante es que es real, engancha y te lleva a sitios a los que quieres ir. Conoce a The Moog, conoce los sonidos del rock’n’roll global y conoce a su líder y compositor Tonyo Szabó.

¿De dónde viene vuestro nombre? Es curioso porque hay una discoteca aquí en Barcelona bastante famosa llamada Moog y otra llamado Razzmatazz, muy similar al título de vuestro nuevo disco "Razzmatazz Orfeum" ¿supongo qué es tan sólo una coincidencia?

Pues no, en absoluto. De hecho bautizamos nuestro grupo por la discoteca de Barcelona. Hemos estado allí de vacaciones en diversas ocasiones y fuimos al Moog en Barcelona durante nuestra estancia en 2003. Nos lo pasamos tan bien en ese local que acabamos cogiendo ese nombre para el grupo. Estuvimos en el piso de arriba emborrachándonos y bailando pop de los 80 hasta por la mañana, fue muy divertido. Incluso nos hicimos amigos del exhuberante dj que se iba peinando mientras bailaba y ponía sus discos. Creo recordar que su nombre era Pur Pur, o algo así. Me gustaría decirle hola a través de esta entrevista. Hemos estado en Razzmatazz y lo hemos pasado muy bien y también en el Apolo pero en este caso no, el nombre de nuestro segundo disco no tiene nada que ver con el de la discoteca.

¿Cómo empezasteis a hacer música?

Yo empecé a tocar el piano cuando tenía 8 años y después de 6 meses ya me pareció aburrido tocar música de otra gente así que empecé a componer canciones sencillas y simples, cosa que de hecho todavía no he dejado de hacer. (Risas) En fin, he estado escribiendo canciones desde los 9 años, pero tras un tiempo empecé a lanzarlas con The Moog.

He leído que sois el primer grupo húngaro en firmar con una discográfica americana, ¿Cómo sucedió?

Teníamos una demo con 3 canciones que sonaba fatal, pero que por aquel tiempo yo pensaba que era genial, así que empecé a contactar discográficas. No pasó mucho hasta que encontré MuSick Recordings (una conocida discográfica situada en Los Angeles) en Myspace y empezamos a comunicarnos con ellos hasta conseguir finalmente un contrato discográfico internacional, lo que fue bastante especial para un grupo húngaro.

No sé mucho acerca de grupos de rock procedentes de Hungría. ¿Teneis allí una escena con la que os podais identificar o estais más influenciados por música procendente del extranjero? ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Estamos más influenciados por música extranjera, sobre todo americana e inglesa. De todas formas también tenemos una escena aquí con grupos como E.Z, Basic, Amber Smith, Jacked, Hangmas etc. Nuestras influencias se van haciendo cada vez más variadas, desde el pop y el garage de los 60, la música más oscura de los 80 o los grupos alternativos contemporáneos de los 90. Si tuviera que escoger a un grupo que ha tenido una gran influencia en mí recientemente diría Super Furry Animals. Oh, y mi cantante favorito, Gene Pitney, también.

¿Crees que las cosas habrían sido más fáciles para el grupo si fuerais de Londres o de Nueva York por ejemplo? ¿O por el contrario, crees que el hecho de venir de un sitio en el que este tipo de música no es tan popular como en esas ciudades ha sido útil para destacar de entre el resto?

Creo que proceder de Hungría ha tenido sus ventajas y sus inconvenientes. No estamos en un país en el que haya muchos grupos que puedan inspirarnos y Hungria no acaba de apreciar el legado del estilo de música que nos ha inspirado, así que en este sentido es algo difícil desarrollar y mantener el entusiasmo por un grupo como nosotros y competir con todos los grupos americanos que tienen unos antecedentes más apropiados. El otro inconveniente de ser de Hungría es que estamos muy alejados de todos los centros neurálgicos musicales como Londres, Nueva York o Los Angeles. Como nuestro manager vive en Los Angeles, The Moog ha tocado en América en unas cuantas ocasiones. Cuando estamos por allí sí que el hecho de ser de Hungría nos hace parecer más especiales, ya que procedemos de un país del que no saben nada. En Estados Unidos eso nos hace más interesantes, así que en este sentido, sí que supone una ventaja.

Vuestro primer album Sold for tomorrow, suena bastante sesentero y directo... Y diría que bastante británico, también, mientras que este último disco suena más oscuro y complejo. ¿Cómo creeis que vuestra música ha evolucionado desde vuestro primer disco?

Hemos estado escuchando diferentes estilos de música, rock oscuro de los 80, metal y por supuesto pop, lo hemos mezclado todo y ésto es lo que ha salido. Tampoco diría que nuestra música ha evolucionado desde nuestro primer disco, creo que sencillamente, ha cambiado, lo que siempre es necesario porque si no el grupo se vuelve aburrido, incluso para sus propios miembros. Especialmente si hablamos de un grupo tan inquieto como The Moog.

El segundo single se llama "You raised a vampire". Me da la impresión de que últimamente oigo mucho hablar sobre vampiros, tengo un amigo que está obsesionadon con la serie ’True Blood’ y a todos los sitios a los que voy veo anunciadas pelis de vampiros... Siendo vosotros de la Europa del Este, ¿Estáis influenciados por toda esa tradición? ¿Cuál es el concepto tras You raised a vampire"?

Es una desafortunada coincidencia que justo después de que sacamos "You raised a vampire", de repente todo el mundo pareciera estar interesado en vampiros. Yo utilicé este tema sobre vampiros como una metáfora que reflejaba mi vida personal pero ahora parece que hubiéramos querido seguir la corriente y aprovecharnos de la popularidad que estaban cogiendo todos estos temas.. pero no lo hicimos, fue tan sólo una casualidad.

¿Cuál ha sido el último concierto al que has ido y cuál ha sido el mejor concierto de vuestra vida?

El último concierto al que fui fue uno de un grupo húngaro llamado Tátrai Band. Son un grupo de hombres mayores tocando old school pop rock húngaro. Fue una invitación así que tuve que ir, pero al final del espectáculo me demprimí tanto que me he jurado que a partir de los 40 no cantaré ni siquiera una nana (Risas). No te sabría decir cuál ha sido el mejor concierto al que he ido, pero sí puedo decirte uno de los que más me influyó, que fue el de un grupo español, precisamente, llamado Tokyo Sex Destruction. Los vi hace unos años en Budapest y no había visto nada como eso antes, una energía brutal llegando por todas partes. Fue un gran shock para mí en aquel momento.

¿Os da algo de respeto lo que la fama pueda traeros? No me refiero al dinero y a las chicas, por supuesto, pero tal vez el perder el sentido de la realidad o contraer peligrosas adicciones...

Bueno, el monstruo de la fama desmesurada todavía no nos amenaza, pero en cuanto lo haga, te pediré que me hagas esta pregunta de nuevo...

¿Considerariais sacar un disco explotando un tipo de género completamente diferente? ¿ Un álbum electro, o rap, por ejemplo?

Creo que nunca sacaríamos un disco de rap, aunque sí que nos gusta experimentar con nuevas cosas. Por ejemplo, estamos intentando incorporar nuevos instrumentos en nuestras canciones como pianos Rhodes, violines, theremines o exóticos sintetizadores.

He visto a través de vuestro myspace que teneis un street team español, ¿Qué relación habéis tenido con nuestro país, de momento? ¿Tenéis planes de venir aquí a tocar pronto?

Creo que puedo hablar en nombre de cada miembro del grupo si te digo que amamos España. Hemos estado allí como turistas y como grupo también, nos encanta la comida, los edificios, la playa, la gente... Además, creo que Lierganes, en Cantabria, es la ciudad más bonita de Europa. Hasta nuestro nombre está relacionado con España, así que supongo que no tengo que intentar convencerte sobre cómo nos encanta vuestro país. Sería un gran placer si pudiéramos ir de gira por España de nuevo pronto y esperamos hacerlo más avanzado el año. Estamos buscando un nuevo agente de booking para España y tan pronto como lo tengamos, ¡estaremos allí de nuevo!

¿Cómo ves el futuro para The Moog? ¿Qué planes tenéis por el momento?

Creo que un tour por América y por Europa vendrán más tarde durante este año. También estamos preparando nuevo material para un tercer album que ayudará a The Moog a alcanzar el dominio del mundo.

¿Cuál ha sido tu propósito de año nuevo?

Dejar de fumar... justo como el del año pasado.. (risas)

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Entrevista publicada en Paisajes Eléctricos Magazine

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IN-EDIT FESTIVAL, Barcelona, del 29 de Octubre al 8 de Noviembre

2009-12-15T01:50:00.000-08:00

El mes avanza, los relojes se atrasan y la ciudad se
vuelve fría y oscura y como para querer sacarnos del letargo otoñal en el que nos encontramos de repente invadidos- los festivales veraniegos son ya un lejano recuerdo y los que se avecinan en primavera un lejano aliciente- el In-edit Beefeater llega a Barcelona para sacarnos de nuestra modorra y ofrecernos una semana de propuestas interesantes y música en la gran pantalla.

Me estreno en la que es ya la séptima edición del festival con "Who killed Nancy?" algo escéptica, lo reconozco, pues tengo miedo de encontrarme ante la típica película de confabulaciones absurdas que hay detrás de todo famoso crimen. Sin embargo me encuentro con una muy interesante y entretenido documental acerca del asesinato de Nancy Spungen y de los significantes interrogantes que presentó su misteriosa muerte en el Chelsea Hotel en New York. ¿Pudo realmente Sid cometer un asesinato después de haberse tomado tantísimos sedantes como muchos testigos afirman que hizo, cuando le dejaron completamente narcotizado en la cama en aquella fatídica noche? Los doctores lo dudan. ¿Como es posible que los 20.000 dólares recién pagados por Virgin Records por los derechos de "My way”, sencillamente, desaparecieran tras la muerte de Nancy?
Diferentes personajes del entorno de la pareja comparten sus recuerdos frente a la cámara y nos hablan de aquella tortuosa relación desde sus inicios hasta su trágico desenlace, así como de la posterior muerte del propio Sid. A lo largo del documental se ponen de manifiesto interesantes hechos que realmente plantean dudas razonables acerca de la autoría del crimen y perfilan una algo morbosa, sí, pero también, fascinante historia de autodestrucción, drogas y punk.

Al día siguiente me espera el documental de Paul Weller, "Into tomorrow", un eficiente repaso a la trayectoria del artista, desde sus años adolescentes en The Jam, pasando por su periodo- embarazoso para muchos, entre los que me incluyo - con "The Syle Council", hasta llegar a su prolífica carrera en solitario.
Ente las personalidades entrevistadas en el documental cabe destacar a su padre – que fue también su manager hasta su muerte- su madre- que curiosamente, luce exactamente el mismo peinado que el actual Weller- o Steve Brookes- miembro de los primerísimos Jam, que abandonó al no gustarle el giro mod que tomó el grupo y que afirma con simpática ironía "Y todavía estaríamos tocando en bares cutres si hubiera sido por mi".
Tampoco podía faltar, por supuesto, el siempre sobradísimo Noel Gallagher, gran admirador y amigo de Weller, que se deshace en elogios hablando de su polifacético padrino, o su ex-esposa- muy simpática, por cierto- cantante de "The Style Council" con la que tuvo dos hijos.
En definitiva, un documental ágil e interesante que aunque tampoco sorprende, sí logra proporcionar una agradable velada en compañía de guitarras e interesantes hechos que es lo que al fin y al cabo, uno andaba buscando. That's entertainment!

Me alegra el domingo "Woodstock: Now and Then" una nostálgica mirada al festival de rock más famoso de la historia, producida por su propio fundador, Michael Lang. Actuaciones inolvidables, divertidas anécdotas de asistentes y geniales imágenes de la época nos trasladan a aquel verano del 69 y nos ayudan a hacernos una idea de como debió de ser el presenciar aquel histórico acontecimiento, con el barro, las drogas, el esplendor hippie y sobretodo, las canciones. The Who, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Crosby/Still/Nash & Young... realmente parece increíble, tal y como comentan en el documental, que existiera un tiempo en el que de verdad, todos esos monstruos ocuparan el panorama musical del momento. Echo de menos a Creedence, a los que no se hace mención alguna y me sorprende gratamente la actuación de Country Joe McDonald, al que no conocía, con su genial canción contra la guerra "I feel like I'm fixing to die", brillante, irónica e irreverente a partes iguales, en la que al ritmo de un alegre country se entonan líneas tan siniestras como Come on mothers throughout the land / pack your boys off to Vietnam /come on fathers, don't hesitate/ send 'em off before it's too late/ be the first one on your block/ to have your boy come home in a box.

Llega el martes y con él el documental que más ganas tenía de ver: "The agony and ecstasy of Phil Spector". Lo esperaba con gran expectación porque son muchas las cosas que había leído de este personaje y siempre me había impresionado profundamente como alguien tan retorcido, misógino y asqueroso, hablando en plata, pudiera haber creado composiciones tan geniales y aparentemente llenas de inocente alegría como “Be my baby”, “Da doo ron ron”, o tantas otras. Sin embargo, el documental me produce encontradas sensaciones. Se supone que es una celebración de la genialidad de Spector y que ha obviado expresamente la faceta sórdida de su vida para centrarse en la grandiosidad de sus canciones. Hasta ahí la idea me parece fantástica. Sin embargo, ese propósito se contradice con el hecho de que vaya combinando también fragmentos de su juicio por asesinato y sobretodo, con la perspectiva completamente unilateral que se ofrece de éste, al exponer tan sólo los argumentos de la defensa.
Eso ya va más allá del pleno derecho que tiene el director de presentar una visión subjetiva de la historia para adentrarse en el peligroso terreno que es el abiertamente, ofrecer una versión distorsionada de la realidad, sobretodo para aquél que desconozca la figura de Spector y se base tan sólo en lo que se adivina de él en este documental. Y es que a través de la entrevista que ocupa la mayor parte de éste, Spector llega hasta a caer bien. Excéntrico, sí, pero también cómico, como si de un entrañable genio loco se tratase, un vejete simpático al que se le ha ido un poco la cabeza.
La realidad es que lejos de ser tan sólo un chistoso y estrafalario anciano es un hombre con un larguísimo historial de maltratos y amenazas a sus espaldas, obsesionado con las armas de fuego y cuyos enfermizos celos le llevaron a literalmente, encerrar a su esposa la “Ronette” Ronnie Spector en su casa y a construirle un ataúd para recordarle donde acabaría en caso de que le fuera infiel. Que me digan que hay de entrañable en eso.
Por otro lado, tengo también que reconocer que escuchar el testimonio de Phil Spector en primera persona, por muy alejado de la realidad que pueda estar, resulta interesante y divertido: su egocentrismo y sus contradicciones, sus imitaciones- bastante logradas, por cierto- de John Lennon, su odio hacia Paul McCartney y su cómica obsesión por Tony Benett… convierten este documental en un reportaje único y valioso. Y es cierto también, que su atípica estructura, contrastando el delicado tratamiento con el que está detallada su trayectoria artística con las crudas imágenes sobre su juicio, constituyen un montaje arriesgado a la vez que impactante. Es por eso que este documental me deja con sentimientos contradictorios sin ponérmelo fácil el poder posicionarme… aunque pensándolo bien y tratándose de un personaje tan brillante y siniestro al mismo tiempo, tal vez no podría ser de otra manera…

Mi próxima cita es con Neil Young y “Don’t be denied”, un resumido aunque bien aprovechado documental sobre la carrera del artista, en la que de forma concisa – en menos de una hora- se narran las múltiples aventuras musicales del que ha sido bautizado como “el padrino del grunge”. Un montaje interesante que pone al descubierto a un personaje simpático y con los pies en la tierra aunque eso sí, con una profunda obsesión por evolucionar constantemente y no encasillarse en sus éxitos que en alguna que otra ocasión ha hecho que alguno de sus compañeros musicales quedara arrollado ante su frenético paso.
Pero tal y como él repite en varias ocasiones "No es nada personal y sólo tiene que ver con la música" y supongo que ha sido esa absoluta determinación a la hora de tomar decisiones controvertidas y esa inquietud por mirar hacia nuevos horizontes lo que le ha llevado a cosechar incontables éxitos en todas las vertientes que ha tomado su carrera- ya sea en solitario como con cualquiera de sus múltiples formaciones: Buffalo Springfield, Crazyhorse, Crosby, Still, Nash & Young…- y lo que ha hecho que su influencia se extienda sobre todos los estilos y edades.

Continuo con “This is Spinal Tap”, el falso documental del ficticio grupo de heavy de los 80, muy popular en Estados Unidos- gracias, en parte, a las apariciones del grupo en Los Simpsons- aunque hasta hoy bastante desconocido en nuestras fronteras, que rescata este año el festival con una nueva sección titulada “Imperdible”.
Un poco como lo que hicieron los Monty Python con “The Rutles”, en esta película se relata en clave de parodia las peripecias de un grupo musical, intercalando entrevistas a sus miembros con retazos de su historia. Excentricidades, rifirrafes, actuaciones, charlas en los camerinos y otras muchas descabelladas situaciones llenan una hora y media de humor absurdo que resulta efectivo a ratos pero que a otras puede llegar a resultar sólamente estúpido. Paso un buen rato, aunque no puedo evitar que el término "película de culto" que muchos le otorgan, me parezca un poco exagerado.

“Johnny Cash at Folsom Prison”, me traslada a la cárcel en la que el hombre de negro grabó su legendaria actuación en 1968 y me sorprende con la impresionante historia de Glen Sherley, el preso compositor de la canción “Greystone Chapel", que Cash inmortalizó en su famoso recital. Eternamente concienciado con la causa de los presos y con múltiples canciones abordando dicha temática, descubro que Cash no sólo accedió a tocar la canción- aprendiéndosela a toda prisa la noche anterior - sino que tuvo un papel clave en la consecución de la puesta en libertad de Sherley y en su posterior incursión en la escena country de la época. Un documental emocionante y bien narrado que tuvimos el placer de ver presentado por su agradable y parlanchín director Bestor Cram.

El ultimo documental que veo es "100 pájaros” acerca de la gira de los Rodríguez en Buenos Aires en 1944 que francamente, después de haber leído que fue el documental ganador del festival en Argentina, me sorprende por su mediocridad. Grabado cámara en mano y con pretensiones de ser muy cercano e intimista, más que un documental es una recopilación de planos del grupo entre bastidores y de actuaciones que se escuchan mal que, lejos de transmitir la euforia del rock & roll que se supone que tendría que inspirar el diario de viaje de un buen grupo en la cumbre de su carrera, como era el caso, resulta vacuo, mareante y aburrido. Lo mejor: cuando Fito Paez y Andrés Calamaro le cantan a Maradona en una alegre improvisación callejera. Lo peor: los soporíferos discursos de Calamaro que habla mucho sin decir absolutamente nada.

Por desgracia no puedo asistir a la clausura del festival, presentada por el simpático Bruno Sokolowicz y me pierdo la emisión de las dos películas ganadoras : “Still Bill” acerca de la leyenda del soul Bill Withers en la categoría internacional y “Febrero. Cuando la vida es carnaval” en la nacional.

Y así, tras una intensa y enriquecedora semana, el In-edit abandona Barcelona. Guardo en un cajón el arrugado librito con la programación y me despido de los cines Rex y Aribau y también del bar cutre de la Gran Vía que nos ha acogido a mis amigos y a mí casi a diario durante diez días y que sé que no volveremos a pisar hasta la próxima edición del festival. Y al mismo bar volveremos dentro de un año. El camarero no nos reconocerá, pero nosotros sí le reconoceremos a él y entre cervezas y patatas bravas, mientras hacemos tiempo entre documental y documental, comentaremos los entresijos de nuevas fascinantes historias del mundo de la música que en una tarde de otoño, saldrán a nuestro encuentro.

Crónica publicada en Paisajes Eléctricos Magazine
http://www.paisajeselectricos.com/material/cron_in-edit-2009.htm